AA HISTORIA KHAYA WITBOOI

La revolución de todo: Andrew Lamprecht en conversación con Khaya Witbooi

Andrew Lamprecht habla con Khaya Witbooi, un artista multimedia que utiliza una combinación de estarcido y pintura al óleo para expresar sus observaciones, generalmente de naturaleza sociopolítica. El resultado es vanguardista y urbano con una relevancia africana. Temas como el aparente fracaso de la democracia para proporcionar soluciones a los problemas relacionados con la Sudáfrica poscolonial y postapartheid, el comportamiento humano en este contexto y los efectos de la globalización se tratan con regularidad.

“Me he encargado de hacer una declaración de un ciudadano preocupado. No espero que la gente de todo el mundo lo haga antes que yo. Si hay alguien que hace el primer comentario, es la persona que lo siente de inmediato, y yo soy esa persona ”, dice Witbooi.

Esta entrevista aparece íntegramente en la edición inaugural de ARTE ÁFRICA, 'Convertirse en africano', que se lanzará en el FNB JoburgArtFair 2015!

AA HISTORIA KHAYA WITBOOIARRIBA: Khaya Witbooi en su estudio. Imagen cortesía de Worldart.
Andrew Lamprecht: Khaya, tu reciente trayectoria ascendente es increíble: tan pronto como produces una obra, se vende. ¿Podría decirme qué significa esto para usted? especialmente a la luz de que su trabajo fue comprado recientemente por la Galería Nacional Sudafricana Iziko. Al mismo tiempo, cuénteme sobre el viaje que ha realizado para llegar aquí.
Khaya Witbooi: La forma en que la gente responde a mi trabajo siempre es sorprendente. La primera vez que entré en Worldart, mi galería actual, me acerqué a Charl Bezuidenhout, solo para ver qué iba a decir sobre mi trabajo. Fue la primera persona a la que me acerqué con una obra de arte.
Entonces, fui a verlo con un cuadro sin terminar y su respuesta inmediata fue "Ponlo en la pared, esto se va a ver bien aquí". Traté de recordarle que solo vine a pedir una opinión, pero él insistió en que se vería bien. Luego lo llevó a la puerta de al lado al dueño de una tienda de antigüedades, para pedir su opinión, ¡y el dueño de la tienda terminó comprando mi trabajo, en ese momento! Eso me afectó, y si bien parece tan simple, me sorprende todo el tiempo. Empecé a hacer arte en 2011 y desde entonces probablemente tenga una pieza sin vender. Pero no hay certezas, y no tengo una fórmula; me esfuerzo lo suficiente y espero que mantenga el mismo atractivo y recepción.
¿Y tu entrenamiento? Tus trabajos son muy hábiles ...
Vengo de una familia muy artística; mi papá es artístico, uno de mis hermanos es diseñador gráfico y el otro arquitecto. Entonces, para mí, la capacitación no se trataba de tener que asistir a una institución terciaria, siempre fui consciente y me apasionó las artes. El arte no se ofrecía como asignatura en la escuela, pero tenía un grupo de amigos y nos sentábamos como un grupo de personas que dibujaban y creaban arte.
Tu trabajo realmente se ha desarrollado. Te has apegado a tu propio estilo gráfico y recurres a muchas fuentes, desde la música, la cultura popular, la historia del arte y, obviamente, el arte callejero y el arte urbano, pero sigue siendo muy sudafricano o al menos africano. ¿Puedes hablar sobre eso, qué estás aportando al lenguaje visual?
En primer lugar, me ocupo de cuestiones de identidad, evitando hacer lo que otras personas ya han hecho, pero también presentando una estética algo familiar. Todo lo que he visto, todo lo que he pasado y todo lo que hay en el mundo en el que vivo se adhiere a mí. Como persona visual, guardo esquemas de color o imágenes en mi cabeza. Prefiero ver las cosas a través de este filtro: trabajar en una pieza es una conversación continua.
A veces, me siento y miro una imagen, y espero hasta que me dé algo interesante que decir sobre ella. Si me siento con la imagen de una pistola, sabiendo lo que han hecho otras personas con esa imagen, espero que la imagen me hable, que me dé una nueva interpretación que pueda reclamar como mía. Es un viaje diario de mi vida y mi entorno. Mi trabajo no se limita a Sudáfrica, hay muchos artistas que hacen trabajos de esténcil y son famosos por ello. Pero estoy tratando de hacer un trabajo que, si deja el estudio, aún mantenga un vínculo, que diga algo sobre mí y la forma en que pienso.
Arte de AA STORY KHAYA WITBOOIDE IZQUIERDA A DERECHA: Khaya Witbooi, Interferencia de teléfono celular (en vivo en el parlamento), pintura al óleo y spray sobre lienzo, 150 x 130 cm [DETALLE]; El espectáculo debe continuar, Óleo y pintura en spray sobre lienzo, 150 x 130cm [DETALLE]. Imágenes cortesía de Worldart.
Utiliza plantillas de forma extensa en su trabajo. Me sorprendió ver una serie de grabados que hiciste, que son por naturaleza muy repetitivos, pero cada uno era completamente diferente. Por favor, cuénteme sobre eso, ¿cómo hacer que las cosas sean únicas? Fácilmente podría adoptar el enfoque simplista y hacer cincuenta copias de la misma imagen, pero ¿qué lo impulsa a hacer que cada una sea única?
Creo que el arte se enseña con un enfoque en la repetición y las fórmulas. Para mí, tener algo que sea igual a lo de otra persona le resta valor como obra de arte. Quería que cada impresión tuviera su propia identidad, y aunque es lo mismo, no estoy tratando de ser un impresor, por lo que probablemente ni siquiera deberían considerarse impresiones. Tal vez sea una pieza separada que se ha usado varias veces, de diferentes maneras. Disfruto el proceso de hacer arte, si hago una serie de impresiones es un experimento de trabajar con diferentes variaciones, así que sigo moviéndome y sigo haciendo lo mismo pero dándole una sensación diferente cada vez que lo hago.
Ahora trabajas en Greatmore Studios. ¿Cómo ha sido esta experiencia? ¿Te resulta útil trabajar con otros artistas?
Creo que el aspecto más importante es que trabajar entre artistas significa que tu el trabajo siempre es visto primero por las personas que hacen arte. Es una especie de panel de crítica informal, una conversación en curso. Si obtiene la aprobación de un artista, ya ha ganado. Me gusta el hecho de que somos una comunidad, nos cuidamos unos a otros, y las ideas surgen de las conversaciones porque todos tenemos los mismos problemas e inquietudes. Disfruto de la generación constante de ideas frescas y nuevas. También hay eventos, donde los artistas vienen de fuera (el estudio) y exhiben, exhiben o tienen charlas, por lo que es un centro creativo completo.
Finalmente, ¿cuál es el futuro de Khaya? ¿A dónde vas?
Creo que si me atrevo a dejar el país por otro lugar, sería muy difícil volver. Me he estado conteniendo (de hacer el cambio), pensando que lo mejor de mi trabajo se haría y se conservaría en otro lugar, en lugar de aquí en Sudáfrica. La cuestión es que he observado a otros artistas y el mundo puede atraparte. Quiero estar aquí, porque estamos en un momento crítico en el que nuestra contribución como artistas importa tremendamente. Si perdemos esto, lo que está sucediendo ahora, la revolución de todo, perdemos la oportunidad, la posibilidad de decir algo válido. Nos hubiéramos perdido algo muy importante.

Creo que todavía quiero estar en Sudáfrica, seguir trabajando y apoyando las cosas en las que creemos, desde el punto de vista de un artista. Quiero seguir siendo parte del discurso y es más difícil hacer estas cosas si no estás en el espacio donde todo sucede.

Sin embargo, en la actualidad tengo una exposición individual en la FNB JoburgArtFair, que es increíblemente emocionante. Mi programa, titulado 'Origi-nal', habla sobre cómo nuestra cultura y nuestra humanidad se han vuelto vacías, llenas de una identidad extranjera prestada. Estamos perdiendo nuestro sentido de Ubuntu, así que quería explorar lo que llamamos 'nuestra cultura' y cómo afecta nuestra vida diaria.

Andrew Lamprecht es curador y conferenciante en la Escuela de Bellas Artes Michaelis (UCT).