HISTORIA Ngendo Mukii

La cuestión de la innovación (13.3): en conversación con Ng'endo Mukii

Animador, director y artista keniano, Ng'endo Mukii fue un orador destacado en el 2015 Diseño Indaba Conferencia. Su charla se centró en el uso de la "animación documental" para convertir la imagen de las personas poscoloniales / 'indígenas' en los medios de comunicación actuales. Hablamos con ella para obtener más información sobre su práctica y sobre cómo plataformas como Design Indaba son fundamentales para apoyar el trabajo innovador en África. Esta entrevista apareció en su totalidad en The Innovation Issue (13.3) de ARTsouthÁFRICA.

HISTORIA Ngendo Mukii

El animador y cineasta keniano Ng'endo Mukii. Fotografía de Alex MacNaughton.

ARTsouthAFRICA: ¡Bienvenido a Ciudad del Cabo, Ng'endo! Te invitaron a hablar en la Conferencia anual de Design Indaba para 2015, presentando lo mejor de la creatividad global en un escenario. ¿Qué espera lograr y / o inspirar a través de su charla?

Ng'endo Mukii: He estado probando algunas teorías sobre la animación documental y cómo podemos aprovecharla en el continente con fines de entretenimiento, y al mismo tiempo obtener algunos beneficios sociopolíticos específicos de su uso. Prepararme para mi charla en Design Indaba me obligó a procesar estas ideas con más precisión y trabajar en ellas con la esperanza de que tengan sentido y sean convincentes durante mi presentación y más allá.

¿Cómo crees que plataformas como Design Indaba son importantes para apoyar o alentar la innovación en diseño y arte?

Es Design Indaba; mentes hermosas de todo el mundo, entremezclando sus pensamientos y desafiándose durante más de una semana en Ciudad del Cabo. Lo sorprendente de Design Indaba es que no solo invita a los veteranos en sus campos, sino también a los artistas más jóvenes, como yo. Esta reunión de pensadores y creadores de diferentes campos, en diferentes etapas de su evolución, genera conexiones y creaciones que hubieran tardado años en crearse y que incluso posiblemente no hubieran sucedido en absoluto.

Su cartera de animación abarca campañas publicitarias, videos musicales, historias animadas para niños y, por supuesto, su propio trabajo experimental. Sin embargo, fue tu cortometraje, Fiebre amarilla, lo que realmente hizo que el mundo se sentara y tomara nota de su estilo de expresión único. Este fue tu proyecto de tesis, ¿correcto? Cuéntanos sobre la película.

Sí, Fiebre amarilla es mi película de graduación realizada en el Royal College of Art de Londres. Se deriva de mi interés en la imagen que los medios han creado de las mujeres africanas y cómo esto ha afectado la forma en que nos vemos, nuestro sentido de la belleza y lo que hacemos para lograr lo que creemos que es hermoso. El título proviene de una canción de Fela Kuti, Fiebre amarilla, donde critica a las mujeres por el uso de productos para blanquear la piel. Sin embargo, tengo una perspectiva diferente a la suya, donde veo esta práctica como sintomática de un problema social más amplio cuyo tratamiento radica en desafiar estos estándares de belleza creados por los medios en lugar de atacar a aquellos de nosotros que somos presa de su seducción.

HISTORIA Fiebre amarilla MUKII

Ng'endo Mukii, Fiebre amarilla (2012) El video sigue siendo cortesía del artista.

En su declaración adjunta para Fiebre amarilla, usted describe cómo "la piel y ... el cuerpo a menudo se distorsionan en una división topográfica entre la realidad y la ilusión". ¿Diría que el arte contemporáneo de África sufre de la misma división?

Me refería al cuerpo humano (especialmente femenino) actuando como el paisaje a través del cual representamos nuestros sueños y deseos en términos de belleza. Lo que deseamos a veces puede estar muy lejos de nuestra realidad, y gastamos tanto esfuerzo distorsionando y manipulando nuestras apariencias con la esperanza de lograr esta ilusión de belleza. En términos de arte africano contemporáneo, no estoy seguro de si esto se aplica, especialmente de manera tan amplia.

Después de haber crecido en Nairobi, estudiaste en los Estados Unidos y el Reino Unido, graduándote en el Royal College de Londres, donde produjiste tu galardonada película. ¿Cómo crees que esta experiencia en el extranjero influyó en tu práctica de una manera en la que no hubieras dejado Kenia?

Siento que todo el movimiento que he hecho a lo largo de los años ha influido mucho en mi trabajo. Pasé seis años fuera sin regresar a Nairobi mientras estudiaba en la Escuela de Diseño de Rhode Island (RISD) y luego trabajaba. Cuando volví a casa por primera vez, sufrí un intenso choque cultural y lo que solo puedo describir como un "vaciado de mí mismo". Esta fue una purga casi violenta de expectativas y suposiciones y una batería constante para volver a instalarme en el lugar que llamé hogar.

Ir hacia el otro lado había sido mucho más fácil; esta vez no había una oficina de Servicios Estudiantiles, ni un Asistente Residente, ni un concejal escolar ni un Grupo de Estudiantes Minoritarios para ayudarme a relajarme en mi nuevo entorno. Más bien, al final de un viaje de 24 horas, ¡BOOM! Estaba en casa y Kenia dijo: “Aquí está tu familia, pero se ven diferentes; aquí hay una que nunca antes conociste, es linda y tierna. Necesitarás conseguir un trabajo, por cierto. Ah, y hay violencia postelectoral. ¡Buena suerte!"

Las influencias artísticas y conceptuales en la escuela de arte fueron muy importantes para definir qué dirección tomaría. Si no hubiera ido a RISD, no estoy seguro de haber terminado en Cine y Animación. En ese momento, no había escuelas de animación en Kenia y ni siquiera consideraba esto como una posibilidad. Una de las cosas que realmente me ayudó a entrar en la animación documental fue la conferencia Animated Realities a la que asistí en Edimburgo en 2011. Había estado luchando por descubrir cómo usar algunas grabaciones de voz que había hecho mientras viajaba. Sudáfrica. No me atreví a usar las grabaciones directamente porque sentía que estaba "haciendo trampa", sin tener una imagen indexada que acompañara al sonido.

Una de mis tutores en el Royal College of Art, Sylvie Bringas, se dio cuenta de que estaba luchando e insistió en que asistiera a la conferencia. Me ayudó a darme cuenta de la relatividad del cine y la fotografía como medios indexados. Además, mi trabajo no era menos valioso ni menos importante por su carácter animado y, por tanto, su falta de imágenes indexadas. De hecho, podría ser aún más importante debido a este elemento. Sin estas influencias, definitivamente no habría hecho fiebre amarilla ni me habría aventurado en la animación documental, ni me hubiera expuesto a este tipo específico de pensamiento crítico.

Al volver a casa, descubrí que era mucho más sensible al medio ambiente que me rodeaba de lo que había sido mientras crecía en Nairobi. La forma en que la gente se movía y hablaba; los ritmos; la ropa, la comida, el calor y los olores; comportamientos esperados, nuevos edificios y espacios abiertos. Mientras estaba en RISD, comencé a usar texturas escaneadas en mi animación. Hoy en día, suelo escanear telas y usarlas para vestir a mis personajes, o como texturas para fondos.

Descubrí que los colores aquí estaban muy saturados en comparación con los Estados Unidos y definitivamente en comparación con el Reino Unido. Intento capturar esto, creando autenticidad en mi trabajo. Siento que la combinación de experiencias de aquí y del extranjero ha ayudado a que mi trabajo prospere. Especialmente como directores, cada uno de nosotros quiere tener una voz única para compartir y los viajes que emprendemos influyen inevitablemente en nuestro trabajo.

Se ha dicho que estás "allanando el camino" para otras cineastas y animadoras jóvenes de África. ¿Cómo te sientes al respecto? ¿Y a dónde lleva este camino?

¡Realmente me gusta esta idea! Sin embargo, no estoy seguro de cuán cierto es. Quizás con respecto a la animación específicamente, podría estar inspirando a mujeres y hombres más jóvenes a explorar el medio y encontrar nuevas formas de usarlo, y es posible que no tengan otros modelos independientes (especialmente femeninos) para ayudarlos a darse cuenta de las posibilidades que existen para ellos en este medio. industria. Sin embargo, en lo que respecta al cine en general, siento que el camino ya se ha abierto y se está abriendo continuamente en mi nombre.

En los últimos años específicamente, puedo señalar a Judy Kibinge de DocuBox Kenia por inspirar y apoyar a los cineastas en Nairobi. No solo es una famosa cineasta, sino que también ha creado un fondo local apoyado por la Fundación Ford, a través del cual los cineastas como yo puedo recibir capacitación, tutoría y fondos para hacer nuestras películas. Creo que puedo inspirar a otros en el cine y la animación, pero me gustaría enfatizar que es una industria desafiante y que siempre debe haber una persona u organización que defienda y apoye a los cineastas para que tengan éxito. Así que sí, personas como Judy de DocuBox Kenya, Kisha Cameron Dingle de Africa 1st y muchas más son las que trabajan detrás de escena y allanan el camino a seguir. ¡El camino conduce al futuro!

Su estilo particular de 'documental mixta' (incluyendo stop-motion, acción en vivo y animación dibujada a mano) ha sido descrito como una "expresión única". ¿Cómo te decidiste por tu medio actual?

Cuando comencé en el departamento de ilustración en RISD (Escuela de Diseño de Rhode Island), dibujaba y pintaba la mayor parte del tiempo. Teníamos que tomar clases fuera de nuestra especialidad elegida para graduarnos, así que tomé un curso de video e inmediatamente supe que tenía que cambiar de especialidad. Me cambié al departamento de Animación de películas y video (FAV) y descubrí que podía experimentar con todas las cosas que ya disfrutaba, dibujar, pintar, grabar y fotografiar y, además, tenía este elemento de tiempo para jugar.

Hay algo extraño e increíble en esto que das por sentado una vez que trabajas con la película por un tiempo. Todavía estaba aprendiendo a usar capas en Photoshop en ese momento, cuando un amigo mío me llevó a través del proceso de digitalización de imágenes de video y su manipulación en la línea de tiempo. Creo que sentí un pequeño pliegue en mi cerebro expandirse en ese momento mientras observaba cómo la cabeza de reproducción se movía a través del metraje. Había temido que al dejar el departamento de ilustración terminaría en un ámbito muy digital, pero al contrario, el departamento de FAV estaba lleno de sublimes placeres táctiles. Animábamos arena, cosíamos marionetas, editábamos películas en máquinas Steenbeck, utilizábamos recortes de papel y escaneábamos superficies rocosas.

De todos modos, preguntaste cómo llegué a mi medio actual de medios mixtos, y Diría que es el resultado de mis raíces en las bellas artes y las influencias en RISD.

Para la edición de marzo de ARTsouthÁFRICA, nos centramos en la innovación en África, analizando trabajos de vanguardia, medios digitales y creativos que utilizan soluciones y enfoques innovadores para realizar nuevos trabajos. ¿Crees que los artistas africanos tienen suficiente acceso a los tipos de recursos necesarios para crear arte digital? En su opinión, ¿qué se debería hacer para fomentar este enfoque de hacer arte?

El tipo de innovación que más prevalece en nuestro continente proviene de no tener acceso a recursos que están fácilmente disponibles en otros lugares y de tener que crear soluciones que se adapten a nuestro entorno y, por ello, sean sostenibles. Por supuesto, llega un punto en el que la falta de recursos obstaculiza el desarrollo e impide la creatividad, pero a veces podemos esperar una eternidad a que lleguen los recursos cuando la solución está a la vuelta de la esquina. La curación podría ser quizás el factor alentador que necesitamos, ya sea la curaduría lo que conduce a la exposición o la financiación y los recursos.

Ya ha hablado antes sobre la presión que siente, como director africano, para centrarse en temas o materias consideradas "africanas", y cómo este tipo de ideales socavan su propósito: celebrar África. ¿Cómo encuentras un equilibrio entre los dos?

Creo que si te apasiona aquello en lo que te enfocas, naturalmente influye en otras personas para que también lo sean. Las personas también se adaptarán al contenido que les esté dando. Creo que debido a la imagen que se ha reforzado de África y el contenido africano a lo largo de los años, existe una inclinación no solo a crear lo que se ajusta a este molde, sino también a que nuestro público acepte solo lo que se ajusta a este molde.

El hombre no puede vivir solo de pap y braais. África es más que puestas de sol naranjas y animales salvajes (aunque disfruto de ambos y los braais son bastante impresionantes). Creo que el equilibrio es encontrar la audiencia correcta. Si un cineasta japonés puede animar una bola brillante de varios tonos que cambia de color lentamente en el transcurso de minutos y encontrar a su audiencia, entonces quizás seamos nosotros los que fallamos si no podemos encontrar la nuestra.

El arte de África, en los últimos años, ha visto una creciente atención de los coleccionistas internacionales. Si bien algunas obras están obteniendo sumas récord (£ 541,250 para el Nuevo Mapa Mundial de El Anatti, por ejemplo), muchos artistas todavía están luchando por obtener las finanzas para financiar sus proyectos en primer lugar. ¿Cuál es su opinión sobre esta dicotomía y cómo financia sus propios proyectos?

Bueno, este problema existe en todas partes y no es exclusivo de nuestro continente. Practico en un medio cuyo producto final suele ser infinitamente reproducible, por lo que tales sumas de dinero no se aplican en términos de una sola venta. Como mencioné anteriormente, principalmente solicito subvenciones para la realización de películas, o ahorro dinero y trabajo en proyectos poco a poco. Creo que para aquellos de nosotros que 'aguantamos' mientras El Anatsui lo haya hecho, habrá una mayor probabilidad de que nuestro trabajo sea reconocido en el mundo del arte global de diferentes maneras, no solo monetariamente. Wangechi Mutu es un artista (¡keniano!) Por ejemplo, así que no es imposible, pero como en cualquier otro lugar, el espacio en la parte superior es limitado.

Parece que está en la cúspide de una carrera muy fructífera; Cuéntenos sobre sus próximos proyectos: ¿qué deberíamos estar buscando en el horizonte?

¡Gracias! Sí, definitivamente espero que este sea el comienzo de una carrera muy fructífera. Acabo de filmar mi nuevo cortometraje de ficción, Birika (The Teapot), y estoy recaudando dinero para la postproducción (¡no hay puestas de sol naranjas, pero tengo un camello!). Considera qué tipo de mundo sería Nairobi si todos nuestros las emociones tenían un elemento físico. Hay muchas imágenes surrealistas, realismo mágico, flores florecientes y café vertido interminablemente.

He estado desarrollando una animación documental, llamada SOS Kofi Annan, y acabo de regresar del Berlinale Talent Campus donde participó en la estación documental corta. Esta película analiza la historia política de Kenia a través de una lente muy personal según la experiencia de mi familia extendida.