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Johan Thom en conversación con Willem Boshoff: La respuesta está debajo de la roca

En el primero de una serie de intercambios de artista a artista, Johan Thom entrevistas Willem Boshoff. El emparejamiento es apropiado. Boshoff, con su perspicacia y perspectiva a largo plazo, sin mencionar su habilidad para las payasadas verbales, es el contraste perfecto para Thom, un joven artista de performance que todavía trabaja en una relativa oscuridad. El tema central de su discusión: desenterrar los matices del discurso en torno a la práctica artística de vanguardia.

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Mientras todavía estaba en la escuela, algunos amigos y yo teníamos esta broma permanente. Si no supiéramos la respuesta a una pregunta del examen, dibujaríamos una piedra. “La respuesta está debajo de la roca”, escribíamos junto a la imagen.

Parece una metáfora adecuada para la situación en la que se encuentra el mundo del arte sudafricano en este momento. Nuestra obsesión posmoderna por los modos de representación y la preferencia por la “experiencia concreta sobre los principios abstractos fijos”, para citar al filósofo Richard Tarnas, apunta hacia un callejón sin salida: ya no escondemos las respuestas bajo una roca cuando no las conocemos. Ahora, en cambio, creemos fervientemente que la respuesta es la piedra misma, el dibujo, el texto, el papel en el que está dibujado, el objeto al que se refiere. Pero, en los análisis finales, la broma sigue siendo nuestra.

Como señaló una maestra en una nota escrita junto a mi dibujo: "Tu marca también está debajo de la roca". La descripción de Kendell Geers en mayo pasado de que el arte sudafricano se asemeja a “el tipo de crecimiento rancio que se encuentra debajo de grandes rocas” parece particularmente adecuada cuando se compara con la incapacidad de los artistas sudafricanos contemporáneos para mirar debajo de la roca. Dicho de otra manera, nuestra incapacidad para abrir el espacio crítico (no) entre la materialidad y la abstracción habla de nuestra incapacidad para abrir la caja de Pandora que se encuentra entre el pasado y el futuro, lo singular y lo colectivo, la realidad y el deseo. No creo que se trate de un fenómeno exclusivamente sudafricano, pero estoy de acuerdo con el comentario de Geers sobre el resultado resultante: "el arte de vanguardia se ha degradado a un extra opcional en lugar de una parte intrínseca de la construcción de la nación". Creo que las razones de este estado de cosas son múltiples y oscilan entre ser completamente oscuras y académicas y tremendamente prácticas.

Lo que sigue es una transcripción editada de una conversación que tuve con el artista Willem Boshoff en su residencia de Johannesburgo en septiembre del año pasado. Boshoff, nacido en Vereeniging, es una figura importante en la historia de la práctica del arte conceptual local, y su afición por el lenguaje lo convirtió en la persona ideal para discutir los comentarios de Geers sobre la potencialidad del arte radical, de vanguardia, elitista y de vanguardia, entre otros. cosas.

En términos generales, el objetivo de nuestra conversación era simple: intentar escabullirse bajo el proverbial rock que es el mundo del arte contemporáneo sudafricano. El ingenio y la audacia característicos de Boshoff proporcionaron un nuevo contrapunto al tenor académico, a veces aburrido, de tales debates.

Johan Thom: ¿Está de acuerdo con la afirmación de Geers de que la escena artística sudafricana contemporánea se asemeja a una “llaga enconada” y carece por completo de ejemplos de obras “de vanguardia” que puedan compararse favorablemente con las tendencias actuales del arte internacional?

Willem Boshoff: Lo hago y no lo hago. Sí, si se contextualiza la afirmación diciendo que el arte sudafricano contemporáneo no está respaldado por una infraestructura nacional saludable. Nuestros mejores artistas están a merced de galerías de arte comerciales, colecciones corporativas y organizaciones gubernamentales corruptas. Todo el mundo está luchando y realmente tenemos problemas sociales que superan con creces el de la "calidad en el arte". Quizás, debido a esto, los artistas tienen un trato particularmente crudo aquí: no hay concesiones fiscales, o incluso un sentido general de buena voluntad hacia ellos. Todas estas son cosas que los animarán a continuar.

No obstante, sé que hay suficiente dinero en el gobierno para ayudar a los artistas contemporáneos a ocupar el lugar que les corresponde a nivel internacional, pero tengo la sensación de que el gobierno preferiría morir antes que gastar su dinero en apoyar el arte contemporáneo. Y hablo por experiencia aquí. No recibí un centavo para participar en la Bienal de La Habana ni en la Bienal de Venecia. Según el Ministro de Arte y Cultura, la máxima prioridad de su departamento es la participación internacional. Honestamente puedo decir que esto no es cierto.

El dinero se entrega principalmente a artistas que parecen beneficiar a la comunidad. Aquellos, como Geers, que están llenos de reproches y condenas por el llamado sistema filantrópico, aunque descuidado, no tienen ninguna posibilidad de recibir financiación. No estoy de acuerdo con Geers en lo siguiente.

En primer lugar, hay que tener mucho cuidado de posicionarse como ministro de vanguardia. ¿Con qué derecho y a costa de quién ocupará su lugar en el pedestal?

En segundo lugar, la escena del arte de vanguardia en Sudáfrica está formada por personas reales y creo que es una cobardía por no utilizar un solo ejemplo para ilustrar su punto. No es el 'juego de nombres' lo que busco, sino que cuestiono la inclusividad de la declaración. ¿Incluye su trabajo o se refiere específicamente al trabajo de William Kentridge, Steven Cohen, el tuyo o el mío? ¿Se refiere a todos los artistas de Sudáfrica? En este sentido, es una declaración sin sentido y lo desafío a ser más específico.

Si ha de existir algo tan coherente como una vanguardia cultural, tiene que basarse en una visión colectiva del futuro, así como en un plan de acción a través del cual realizarla (que es exactamente lo que no tenemos en una posmoderna fragmentada). sociedad). Más concretamente, la historia de Sudáfrica ha sido moldeada por diversas formas de exclusión y marginación que hacen sospechoso cualquier intento contemporáneo de centralizar el arte frente a construcciones como la de la “vanguardia”. ¿Dónde, si es posible, podríamos ubicar algo parecido a un impulso de vanguardia en el arte sudafricano?

Bueno, no estoy seguro de que los artistas puedan estar de acuerdo en algo. Todos quieren ser diferentes y, en su mayor parte, no tienen un plan de acción concreto. Esta es la naturaleza del arte, pero también su relevancia, necesidad y belleza. La palabra vanguardia significa simplemente vanguardia o vanguardia en francés, y siempre hay una clara diferencia entre quienes lideran el camino en cualquier campo de práctica y quienes simplemente lo siguen. Además, depende de la historia determinar el éxito de nuestros esfuerzos artísticos.

En un siglo a partir de ahora podemos encontrar una imagen completamente diferente emergiendo de nuestra situación actual. Piense en Van Gogh, que nunca tuvo un éxito que valiera la pena en su vida. No hay nada que pueda garantizar su lugar en la historia. Debemos hacer nuestro trabajo porque creemos en él y nunca nos ajustamos a las definiciones o expectativas del panorama artístico contemporáneo. De forma restringida, la expresión vanguardia tiene sus raíces en la práctica artística europea de principios del siglo XX. Al respecto, Steven Shaviro (Artforum, mayo de 2005) identifica los valores de “trascendencia” y “transgresión” como dos de los rasgos más distintivos de la práctica del arte modernista, ya que conducen inevitablemente más allá de los límites de la representación, “hacia el reino de lo inexpresable ”. Él, como Jean Françoise Lyotard, cree que esta búsqueda se ha agotado y ahora parece inútil: “No hay más 'inexpresable' que dar testimonio; ya se ha mostrado todo en el cable ".

Por extensión, nuestros intentos de forjar una práctica progresiva pueden parecer positivamente dóciles en comparación con los extremos que se encuentran en Internet o en las noticias de las ocho, por ejemplo.

Estoy parcialmente de acuerdo con Shaviro, quien coloca los valores de la transgresión y la trascendencia en contraposición a los de la representación. A muchos artistas, incluido Geers, les resulta cada vez más difícil sorprender y quedar estupefactos: la vida real parece hacerlo incesantemente y con vívidos detalles en la televisión. ¿Cómo se gana la vida la vanguardia? Hoy en día, la gente quiere emociones fáciles y baratas. Quieren chocolate y Rambo en lugar de Shakespeare.

El arte de vanguardia es fastidioso y necesita creadores y espectadores comprometidos. Tenemos que demorarnos un rato en comprenderlo y disfrutarlo. El arte todavía tiene que hacer lo imposible y traspasar las fronteras del presente. Y, de ninguna manera hemos agotado todas las posibilidades. No se ha visto todo. Es como la oficina de patentes británica que cerró sus puertas hace cien años porque decían que todo estaba inventado. Creo que el arte todavía puede ser "vanguardista" o mordaz; en francés, trancer significa cortar. Los artistas con perspicacia (talento, audacia, ingenio, etc.) siempre podrán dividir el arte y la sociedad de par en par, cortarlo como un cuchillo y revelar cosas nunca antes vistas. El arte atraviesa el velo de la certeza y expone la ilusión que protege el status quo.

No hemos arañado la superficie. Además, no podemos estar seguros de quién hará el rascado. Sí, el tipo de derrotismo negativo que se observa con tanta frecuencia en el arte posmoderno se debe quizás más bien al hecho de que el arte de vanguardia actual, y las filosofías que lo sustentan, pueden tener su origen en cualquier parte. Occidente ya no tiene el mandato exclusivo del proyecto utópico. La búsqueda de una solución colectiva a la miseria humana por parte de unos pocos europeos seleccionados resultó finalmente desastrosa.

La artista Coco Fusco argumentó recientemente que si nosotros, como artistas posmodernos, estamos condenados a explorar solo utopías personales y diminutas, también estamos condenados a aceptar el capitalismo global y su fiel compañero de viaje, la democracia liberal, como el status quo. El hecho es que ambos sistemas han hecho un trabajo particularmente bueno al ocultar sus propias grandes ambiciones para la sociedad. En el proceso, han desacreditado cualquier otro modo de discurso y práctica que pueda oponerse a ellos, por un lado haciéndolos parecer inviables y, por otro, incorporándolos rápidamente a su propia lógica mercantil. Deben explorarse otras vías.

Por supuesto, no podemos ser tan pesimistas como quisieran los teóricos posmodernos; no hay nada peor que un profesor que no tiene nada que profesar. El arte no se trata de moral; se trata de exponerse y cambiar las expectativas. Debemos cambiar, cambiar y usurpar constantemente el sentido común del día. Lo que sabemos y vemos ahora no es nada comparado con lo que podríamos conocer si solo estuviéramos preparados para abrir los ojos y estar dispuestos a cambiar de opinión. Debemos investigar continuamente las cosas con la intención de cambiar. Ningún maestro continuaría si no pensara que sus estudiantes están ansiosos por cambiar de opinión y ningún estudiante escucharía si no lo creyera posible. La única certeza es el cambio y es el miedo lo que nos ciega ante este simple hecho. El miedo nos pone a la defensiva y nos pone rancios.

Podemos hablar de “levantar el velo”, como dijiste antes, pero ahora mismo el arte está más institucionalizado que nunca.Por ejemplo, cosas como el fracaso del proyecto utópico, la desaparición de la política liberal de izquierda de la década de 1960, la muerte de la vanguardia se enseñan, o al menos están implícitas, en los programas de estudios de la mayoría de las escuelas de arte a nivel mundial. Esto crea un sistema autosostenible que reafirma continuamente el llamado "impulso distópico del arte posmoderno", para citar a Frederick Jameson.

Tengo un problema con los profesores de arte. A diferencia de los profesores de derecho, ciencias o cualquier otra disciplina, los profesores de arte pueden escaparse sin tener que prepararse para sus conferencias y pueden confiar en el espíritu del momento para guiarlos. Pero si ese espíritu tiene 50 años, cabello rubio y ojos azules, entonces sus hijos inevitablemente continuarán con su herencia aria. A veces deberíamos tirar al bebé con el agua del baño. El mejor momento para que esto suceda es cuando alguien se convence absolutamente de sus principios o métodos. Los estudiantes deberían rebelarse si sus profesores no están preparados para cambiar sus parámetros, como mínimo. O mejor aún, sal del sistema. Si le pidieras a la mayoría de los llamados profesores de arte que elaboraran una lista de sus diez mejores artistas sudafricanos contemporáneos sin pensarlo, te reirías de la cabeza. Pero así es como sabes lo que realmente representan, en lo que esperan que se conviertan sus estudiantes. Actualmente, la primera prioridad del gobierno sudafricano es el redescubrimiento de tradiciones olvidadas durante mucho tiempo, como la celebración de los sistemas de conocimiento indígena y las formas de arte que los encarnan, como la "artesanía". El punto que estoy tratando de hacer es que no creo que la escena del arte contemporáneo local sobreviviera por mucho tiempo sin las galerías de arte comerciales y las colecciones corporativas.

Cuando el arte contemporáneo y el gobierno se encuentran, es principalmente bajo la apariencia de proyectos comunitarios edificantes, donde la suposición subyacente es que el arte es bueno para nosotros. No creo que el arte deba ser bueno para nosotros de una manera socialmente aceptable.

Sí, todavía tenemos mucho que aprender. Andrei Zhdanov dirigió la purga de la posguerra de artistas e intelectuales inconformistas en la Unión Soviética. Hizo una lista de leyes que decretaban que el arte debería ser siempre para la elevación de la comunidad y siempre celebrar y respetar los logros soviéticos en ciencia, deporte y cultura. Para que esto se hiciera de manera efectiva, decretó que el arte (música, bellas artes, literatura) debe ser entendido por el proletariado y por lo tanto no sea disonante, discordante o confuso.

Si desobedecieras estos principios haciendo el llamado trabajo difícil o antirrevolucionario, tu trabajo sería destruido y con toda probabilidad te meterían en la cárcel. Por supuesto, los artistas todavía hacían un trabajo difícil y los autores todavía intentaban publicar literatura anticonformista, exactamente como era aquí bajo el Apartheid, e incluso como es ahora. En la Unión Soviética todos los artistas disidentes desaparecieron, desertaron o pasaron a la clandestinidad. En algunos casos se conformaron y comenzaron a producir el producto formulado exigido por su gobierno.

Ahora mismo, en la Unión Europea, nadie quiere ser secretario de Cultura. Todos tienen demasiado miedo de tomar el puesto porque saben que los artistas son un grupo notoriamente difícil que no quiere que se les diga qué hacer. Simplemente no puede hacer que sigan el programa.

Más o menos lo mismo sucedió en Senegal con los artistas de la Ecole d 'Dakar que siguieron los principios de la negritud, tal como los formuló su entonces presidente Leopold Senghor, y se hicieron conocidos como los pintores de la negritud. Fueron pioneros en un estilo de pintura africana increíblemente formulado utilizando solo ciertos símbolos, formas y enfoques de su tema. Por supuesto, fueron financiados por el gobierno y también se exhibieron como los mejores ejemplos del arte senegalés en ese momento. Pero, en retrospectiva, otros grupos como el grupo Agit Art, que también operaba en Senegal en ese momento, estaban haciendo un trabajo mucho más interesante. Pero, como siempre, es fácil mirar hacia atrás en la historia y ver los errores que cometimos.

Bueno, tenemos que aprender de nuestros errores. Bajo el apartheid, los artistas contemporáneos como yo nunca obtuvimos mucha financiación o reconocimiento y ahora pasa lo mismo con el nuevo gobierno. La administración debe otorgar fondos y establecer nuevos esquemas que apoyen a los artistas sin entrometerse demasiado. Pero, a menos que ocurra un milagro, esto no es más que un sueño. Creo que los artesanos de Sudáfrica al menos disfrutan de una mejor financiación. Tenemos tanta gente que no tiene nada y la artesanía parece una buena forma de comenzar a empoderarlos. Pero es solo el comienzo. La artesanía también está creciendo y pronto no será solo una forma fácil de empoderar a las personas, para justificar el gasto público en las artes, por ejemplo. Desde hace bastante tiempo, los supuestos artesanos realizan trabajos de talla internacional. ¿Qué hará el gobierno si algunos de ellos se convierten en artistas internacionales famosos? El sistema tiene que pensar en la calidad.

De acuerdo, los artistas hacen todo lo posible porque creen en el potencial de crecimiento de su trabajo. ¿Dónde alojaremos nuestros sueños una vez que superen nuestras modestas expectativas iniciales? Quizás el arte no pueda darnos soluciones, pero puede permitirnos la libertad de explorar por nosotros mismos. Si estas exploraciones nos llevan a algún lugar de acuerdo o en desacuerdo con la política gubernamental actual o las normas sociales aceptadas, no viene al caso. El arte es revolucionario en virtud de la libertad y la inutilidad concreta que encarna. Nos conmueve y emociona de formas sorprendentes que, en la mayoría de los casos, no encajan en ninguna categoría existente. ¿Cuándo fue la última vez que vio un programa que le emocionó tanto que llamó a alguien?

A menudo veo exposiciones de arte que me gustan y luego hablo con otras personas sobre ellas. Debo decir que desde que cerró la Bienal en Sudáfrica ya no podemos ver tanto trabajo emocionante. Kendell Geers tiene razón. La Bienal atrajo a muchos curadores y no estaban interesados ​​principalmente en el pequeño grupo de artistas establecidos que anteriormente habían recibido toda la atención. Esto brindó a muchos artistas jóvenes y emocionantes la oportunidad de mostrar su trabajo y les brindó la atención que tanto necesitaban, incluso aquí en casa. Por supuesto, también enfureció a muchos artistas reconocidos que pensaron que eran los bigotes del gato y de repente descubrieron lo contrario. Pasé por ese proceso, al igual que Candice Breitz, Kendell Geers y varios otros. En estos días, la mayoría de los artistas jóvenes no tienen las mismas oportunidades, lo cual es realmente una lástima.

Los curadores ocupan una posición de poder en el arte contemporáneo. Tienen que asumir cierta responsabilidad por el estado del arte en Sudáfrica. ¿Cuándo fue la última vez que visitó su estudio un curador sudafricano profesional? Tengo que preguntar porque muchos de los artistas que conozco nunca han tenido la visita de un curador sudafricano profesional al estudio.

Un curador me visitó hace dos semanas, pero la falta de atención parece ser la suerte de todos. Los artistas son tratados aquí como caballos de carreras y cada curador o galerista se adhiere a su establo. Sin embargo, uno nunca debe resentirse por la falta de atención. Toda mi vida he recopilado recortes de periódicos relacionados con el arte y puedo mostrarte cómo la historia tiene una forma de ordenar las cosas. Muchos de los rostros que solían adornar la prensa cada dos semanas ahora están olvidados. De hecho, si yo volviera a publicar algunas de las declaraciones de esos viejos artistas hoy, esas personas se sentirían lívidas o avergonzadas. Pasé la mayor parte de mi carrera inicial en la oscuridad y nunca me convertí en parte de ninguna camarilla.

¿Qué pasa con el papel de los concursos nacionales de arte? ¿Cómo influyen en la escena artística sudafricana contemporánea? No recuerdo la última vez que una pieza realmente loca y difícil ganó el primer premio en una competencia local.

Los concursos de arte solo pueden seleccionar trabajos entre los presentados. Luego, por supuesto, reúnen a un par de académicos o artistas famosos para juzgarlo. La línea que separa no ser seleccionado de ganar a veces puede estar bien y, a menudo, solo se necesita un juez obtuso para cambiar todo. Recuerdo que hace unos veinte años siendo juez en el Volkskas Atelier (ahora ABSA Atelier), y un Marc Edwards desconocido había presentado una pieza que a nadie le gustaba inicialmente. Pero todos lo miramos y lo defendí en todo momento. Finalmente ganó. No hay un juez imparcial y uno no debe tomárselo como algo personal (incluso, y especialmente, si se gana).

Última pregunta, Willem. ¿Quién crees que está produciendo trabajo de vanguardia en Sudáfrica en este momento?

Tengo una lista justa, que incluye a personas completamente desconocidas, en su mayoría estudiantes. Pero, mejor debería preguntarme esto: "¿Qué es lo peor que le ha pasado al arte contemporáneo sudafricano?" El hundimiento de la Bienal de Johannesburgo dejó a muchos artistas sin esperanza.

Johan Thom es artista y profesor a tiempo parcial en Bellas Artes y Teoría del Arte en la Universidad Tecnológica de Tswhane.