Corrientes de conciencia

La duodécima edición de los Rencontres de Bamako, también conocida como Bienal Africana de Fotografía, alcanzó dos hitos importantes este año al celebrar su 12 aniversario desde su creación en 25 y, lo que es más significativo, fue la primera edición producida únicamente por el Ministerio de Cultura de Mali

Como comentó N'diaye Rama Diallo, Ministro de Cultura de Mali, “Esta necesidad visceral de recuperar la propia historia y promover otra imagen de uno mismo proviene de la persistencia, en algunas mentes occidentales, de un vasto cliché sobre África, donde las sabanas se entremezclan con abundante fauna; guerra tribal, étnica o de clanes; folclore exótico; epidemias y hambrunas crónicas; en definitiva, una panoplia de ideas preconcebidas que no hace justicia a la historia de África, a la diversidad de sus riquezas (culturales), ni al genio y el fértil entusiasmo de los africanos.

Bajo la Dirección Ejecutiva de Lassana Igo Diarra, la democratización del evento fue de suma importancia, y bajo la dirección artística de Bonaventure Soh Bejeng Ndikung, junto con sus co-curadoras Aziza Harmel, Astrid Sokona Lepoultier y Kwasi Ohene-Ayeh, implementaron varios enfoques que vieron alrededor del 95% de todo el trabajo en exhibición producido en la propia Bamako. Esto es significativo dado el compromiso de la nueva dirección del evento para localizar la producción en beneficio de la comunidad local y la economía de Bamako.

También hubo una escala ambiciosa en la edición de este año que vio al Museo Nacional de Malí descentralizado como el sitio de exhibición clave con exposiciones y charlas repartidas por toda la ciudad y presentadas en numerosos lugares emblemáticos, como Musée National, Palais de la Culture, Memorial Modibo Keita , Musée du District, Conservatoire des arts et métiers multimédias, Institut Français, Galerie La Medina, Famille Fall, Theatre Blonba con un DJ en el infame bar Bla Bla.

EL ESCAPE REPENTINO EN EL SUBTERRÁNEA: Sobre la presencia de lo invisible, lo remoto y otros asuntos fantasmales

ERIC GYAMFI

Arreglando sombras, Julius y yo, 2018-2019, instalación de fotografía y sonido. Cortesía del artista.

Arreglando sombras, Julius y yo comienza con un interés en lo que sucede con la vida de una fotografía a medida que avanza en el tiempo. La obra analiza el espacio entre dos fotografías: la primera es del compositor, vocalista, pianista y bailarín negro estadounidense Julius Eastman y la otra es el autorretrato del propio Gyamfi del artista. Leído como coordenadas, el proyecto intenta trazar, a través de diferentes tiempos y encuentros, las posibilidades y potencialidades que un espacio podría encarnar. La instalación consta de unas 2000 serigrafías y estampados de cianotipo (de entre A2 y A5) realizados a lo largo de un año y montados directamente sobre una estructura de 300 x 500 x 30. Una pista de audio de una hora y doce minutos, unida a partir de notas de voz de Whatsapp recopiladas de amigos de los artistas, bucles. Las grabaciones de audio son impulsadas por el deseo de Gyamfi de extender el retrato más allá de la planitud de una imagen. Son recopilaciones de notas de voz dirigidas a él por amigos que describen los dos retratos que les había enviado y cómo los leyeron individualmente. La estructura rectangular muestra un palimpsesto de imágenes compuestas en forma de cuadrícula y (re) producidas a partir de los dos retratos originales. El trabajo de Gyamfi considera igualmente lo que está en la superficie de un soporte fotográfico con los componentes narrativos y formales de una idea. Si se considera que la fotografía privilegia el ojo como su logística de percepción por defecto, Gyamfi extiende la fisicalidad de la imagen y su consiguiente frontalidad en dimensiones auditivas, textuales y estructurales. Su trabajo nos invita a considerar también la fotografía en sus formas extrapictóricas.

FANYANA HLABANGANE

Silent Conversations (Graceful Chaos), 2017-2019, fotografía.Conversaciones silenciosas (caos agraciado), 2017-2019, fotografía.

La serie de fotografías en blanco y negro de Fanyana Hlabangane captura figuras humanas, formas arquitectónicas y otros objetos en momentos mundanos, privados o solitarios dentro de la ciudad de Johannesburgo. Formado como guionista, el artista se identifica íntimamente con la soledad y la extiende a través de su cámara buscando en las calles y documentando figuras solitarias que le sirven como recordatorios o espejos de su propia condición. Le fascina la posibilidad de utilizar la cámara para registrar nuestros espacios interiores así como las personas o los pensamientos internos que bien pueden permanecer ocultos y enterrados en los recovecos de nuestra mente. A través de su cámara, establece una identificación con sujetos de interés que generalmente desconocen su presencia. Se trata de personas que están conversando o que parecen estar en desacuerdo con su entorno. Para Hlabangane, hay una escala en la ciudad de Johannesburgo que no solo empequeñece el sentido de pertenencia, sino que también puede socavar las esperanzas y los sueños. Sin embargo, cada momento de vigilia en una ciudad como esta solo puede realizarse en su esencia granular y experimentarse en el reino del interior, ese desconcertante lugar de soledad.

BUHLEBEZWE SIWANI

AmaHubo, 2018, video de 3 canales, 13ʹ01ʺ. Cortesía del artista y WHATIFTHEWORLD /.AmaHubo, 2018, video de 3 canales, 13ʹ01ʺ. Cortesía del artista y WHATIFTHEWORLD /.

El trabajo de Buhlebezwe Siwani generalmente interroga el marco patriarcal del cuerpo de la mujer negra, así como la experiencia de la mujer negra dentro del contexto sudafricano. Su trabajo también examina el impacto de los ideales occidentales de belleza, poder, género y espiritualidad en la sociedad sudafricana actual. AmaHubo es una instalación de video de tres canales que deriva su tema de la denigración y desaparición de las creencias religiosas y espirituales africanas debido en gran parte a la conquista y colonización eurocristiana de Sudáfrica. De particular interés es la instrumentalización del cuerpo femenino negro y cómo da fe de las historias grabadas en los cuerpos y mentes de las mujeres negras, ya sean creyentes en el cristianismo o curanderos tradicionales. El video también infunde esta política cultural (de racismo, subyugación basada en el género y la religión) con una conciencia de las estructuras económicas que aseguran el despojo y la explotación al mismo tiempo en la Sudáfrica posterior al apartheid. AmaHubo se sitúa en el cruce donde estos mundos se cruzan.

IBRAHIM AHMED

Lo que viene después trae paz a esta inquietud No. 10, 2018, técnica mixta, collage sobre papel.

Quema lo que necesita ser quemado es un cuerpo de trabajo en el que Ibrahim Ahmed acepta las tensiones entre la masculinidad tradicional y la creación del yo individual. Las secuencias en blanco y negro y en color son composiciones en collage y montaje a través de las cuales el artista articula una contestación de estas ideologías. vis-à-vis Autorretratos “mutilados” o exagerados con técnicas de manipulación digital de vaciado, aplanamiento y superposición de formas narrativas y fotográficas.

BADR EL HAMMAMI

Mirage, 2018, video HD 16/9, 9ʹ. Cortesía del artista.Mirage, 2018, video HD 16/9, 9ʹ. Cortesía del artista.

El proceso artístico de Badr El Hammami confronta la alteridad a través de la negociación, la colaboración y los intercambios con vendedores ambulantes, niños de escuela primaria u otros artistas. En sus obras, las nociones de desplazamiento, migración, fronteras y política pasan por filtros personales relacionados con la memoria y la familia. En su serie de postales Saludo de Kerkennah, el artista combina el uso de postales turísticas de las islas Kerkennah en Túnez, mapas recuperados de los habitantes de la isla y otras imágenes extraídas de Internet, uniendo lo físico con lo virtual. A primera vista, las imágenes, que se muestran frontalmente, pueden representar un paisaje inquietante o utópico. Pero una inspección más cercana revela matices de suaves quemaduras ahumadas que median inconsistentemente el aura turística de cada una de las postales. Esta técnica potencialmente subvierte la consistencia narrativa en las postales y también actúa para transformar la imagen como tal. Este efecto es creado por el artista que intencionalmente pinta y quema las postales.

El trabajo de la imagen en movimiento Espejismos: Kerkennah muestra una serie de videos cortos producidos in situ. Estas actuaciones filmadas superponen instantáneas de Polaroid sobre paisajes reales. Pero las Polaroid (o imágenes fijas) ocultan casi por completo el paisaje real en la imagen en movimiento, mientras que la imagen del paisaje real se insinúa ligeramente a través del papel fotosensible. El trabajo cuestiona nuestra relación con la pantalla, que está muy presente en nuestro día a día, y también con la información que solemos consumir a diario sin contención.

ABRIE FOURIE

River Notes (Beli, Cres, Croacia), 2014, fotografía.Notas del río (Beli, Cres, Croacia), 2014, fotografía. Cortesía del artista.

La serie actúa como una especie de poesía visual, que podría verse como visiones colectivas y experiencias de la vida cotidiana que trascienden a otro espacio, lo desconocido dentro de lo mundano, creando una especie de alquimia.

Se construyen metáforas para mundos externos e internos que requieren un cambio en la percepción que desencadena la conciencia colectiva: el relato de historias conocidas y desconocidas, personales y públicas.

Notas del río encuentra su inspiración inicial en la canción de Bill Callahan Ride My Arrow. Notas del río explora los diversos aspectos de la entropía dentro de la vida diaria. Callahan canta: "¿Es la vida un paseo para montar / O una historia para moldear y confiar / O el caos claramente negado?" Literal y metafóricamente, el trabajo aborda las relaciones entre movimiento, concentración, meditación y cambio.

Esto se logra a través de una variedad de bodegones contemplativos hasta momentos cándidos, divertidos y alegres, todos los cuales, juntos, permiten al espectador y al lector obtener una idea de lo que puede implicar la entropía de la vida. Para señalar, o mejor, afirmar el caos ordenado, ¡frenando la entropía!

RENÉE HOLLEMAN

Delineaciones (Veld, Farm, Futures), 2019, collage digital. Cortesía del artista.Delineaciones (Veld, Farm, Futures), 2019, collage digital. Cortesía del artista.

Renée Holleman invoca el poder conceptual, metafórico y literal de las líneas en su trabajo. Para ella, la dimensión política de emplear líneas nos apunta al hecho de que, por ejemplo, cuando conectas dos puntos estás haciendo una afirmación sobre cómo debería organizarse el espacio y sobre quién puede organizarlo. En Delineaciones emplea modismos de la fotografía y la cartografía para crear constelaciones de imágenes extraídas de sitios como la colección South African Railways. Estos evocan la progresión fluida de la infraestructura de transporte a una vista de la tierra (abierta, vacía) que se presta al nacionalismo blanco. Por ejemplo, no es casualidad para Holleman que Jacobus Hendrik Pierneef fuera el artista encargado en 1929 de pintar los 32 paneles para el interior de la estación de trenes de Johannesburgo. Tomadas a la velocidad de los caminos nacionales y capilares, las propias fotografías de Holleman marcan este mismo vínculo deshilachándolo. Yuxtapuestos con sus antepasados ​​de archivo, estos son espacios ordinarios e impenetrables, sus imágenes no ofrecen un terreno estable desde el cual admirar la vista. La posterior división de las imágenes por parte de Holleman, que rompe su integridad como superficies, aumenta esta inestabilidad al disociar la vista de la posesión. Todavía podemos "tomar" una fotografía, pero estas fotografías no pueden contener su contenido, ni son productos viables. En otros lugares, el resultado de su profunda inmersión en la visualización es difícil de ver. Cuando aflora, el pasado es feo, y más aún cuando su presencia revela cuán presente todavía es. Los fragmentos históricos nos muestran tantos huecos y tergiversaciones racistas. Holleman marca la presencia de estos; cómo perturban y exigen perturbación. Pero a ella le importa que tales representaciones no sean hechos. Son el producto de un punto de vista particular, luego otros puntos de vista se hacen posibles.

VENIMOS DE IZQUIERDA, VENIMOS DE DERECHA: Sobre desplazamiento, errante y dispersión

MILENA SCHEREZADE CARRANZA VALCÁRCEL

L'Atajo de Negritos d'Amador Ballumbrosio - Spiritualité Afropéruvienne, 2015, fotografía. Cortesía del artista.L'Atajo de Negritos d'Amador Ballumbrosio - Spiritualité Afropéruvienne, 2015, fotografía. Cortesía del artista.

En el sur del Perú, en el Valle de Ica, así como en Cusco, la capital de los Incas, los Atajos de Negritos (grupos de bailarines) y Pallitas (grupos de bailarines), con su capataz, su cabo, sus violinistas y tap los bailarines salen a celebrar el nacimiento del niño Jesús en Navidad. Se trata de una de las celebraciones religiosas más impactantes de nuestro país, en la que se sincretizaron las culturas española, africana y andina, y fue declarada en 2010 Patrimonio Cultural Inmaterial de la Nación — PCI.

Amador Ballumbrosio Mosquera (1933-2009), campesino y artista, es uno de los principales responsables de preservar esta tradición. Nacido en El Carmen, distrito afroperuano de la provincia de Chincha, en el departamento de Ica, dedicó su vida a la cultura del Atajo, contribuyendo a preservar los 26 bailes originales que datan de más de 500 años, que evocan por ejemplo, el trabajo de la tierra, la devoción a la Virgen María o la protesta contra el régimen esclavista.

De esta forma, con el fin de perpetuar este patrimonio, el Centro Cultural Amador Ballumbrosio invita a Milena a registrar los recorridos del Atajo en 2009 que es, con la muerte de Amador, ahora conservado por sus hijos. La acompaña desde entonces con fervor, ayudando incluso con la declaración como PCI.

Esta selección, en concreto, muestra el transcurso de 2015, desde el bautismo de los nuevos bailarines hasta el final con la quema del pesebre, y les transmitimos la profunda fe y devoción de esta práctica. Gracias a la visión comprometida de Milena y al flujo inconsciente ancestral, estamos envueltos a través de cada imagen en esta experiencia sagrada.

LAS RAMITAS NO PERFORARÁN NUESTROS OJOS: Sobre la posibilidad de esperanza y el futuro como promesa

FOTOTALA REY MASSY

Tenir (Diforme), 2019, fotografía. Cortesía del artista.Tenir (Diforme), 2019, fotografía. Cortesía del artista.

1995, Montgomery, Alabama: Fototala King Massassy conoció a Rosa Parks durante una gira con su banda de rap SOFA por ciudades estadounidenses que habían estado marcadas por las luchas por los derechos civiles. Ella le contó cómo ella, junto con figuras como Martin Luther King, las Panteras Negras y muchas otras, había cerrado y levantado los puños para decir no a la injusticia en las décadas de 1950 y 1960. A raíz de este encuentro, nació el primer disco de hip-hop maliense, en el que SOFA denunciaba la esclavitud árabe-musulmana y el comercio triangular, y trataba de devolver a un negro una humanidad de la que había sido privado.

Casi veinticinco años después, Fototala King Massassy retoma este símbolo de la lucha por la emancipación en su serie Tenir, un himno a la africanidad como concepto global más que como un concepto reducido a las fronteras del continente al que se refiere. El fotógrafo nos ofrece retratos de un nuevo tipo: con el simbolismo de la fuerza, la unidad y el desafío detrás de estos puños apretados que han acompañado tantas luchas incluso más allá de Estados Unidos, retrata una identidad africana y afrodescendiente decidida, unida, y valiente en relación con su tumultuosa historia. Y para enfatizar el deseo de resistencia que lo caracteriza, a través de sus encuentros, a veces fortuitos, en la esquina de una calle, a veces orquestados, con maestros en ciencias ocultas, el fotógrafo ha capturado puños adornados con anillos de la suerte, cuyo propósito es brindar protección. o invulnerabilidad para quienes los lleven. En algunos de estos anillos están grabadas fórmulas mágicas, símbolos sagrados o escrituras; otros están adornados con objetos o piedras bajo los cuales están enterrados los talismanes prescritos por maestros en ciencias ocultas, guardianes de secretos esotéricos. Lo que Fototala King Massassy ve en estos adornos que cubren la piel decrépita de las manos son los de seres humanos que resisten.

KHALIL NEMMAOUI

Air Twelve land, fotografías, 2019. Cortesía del artista.Aire doce tierra, fotografía, 2019. Cortesía del artista.

El proyecto de Nemmaoui comenzó como una fascinación con la proliferación del Renault 12 (R12), un automóvil familiar de tamaño mediano, en la ciudad de Sidi Mokhtar entre Essaouira y Marrakech en Marruecos. El artista pone en escena el sedán en composiciones que sitúan la forma geométrica del automóvil en el contexto de paisajes áridos y en relación con otras formas vegetativas, regulares e irregulares. Las escenas de género de Nemmaoui descentran conscientemente al sujeto humano en sus marcos compositivos. Sus imágenes surgen de encuentros casuales con R12 abandonados o en pleno funcionamiento en diversas circunstancias a partir de las cuales se construyen sus escenas poéticas. El R12 es el motivo recurrente a lo largo de estas fotos, a veces centrado, otras veces jugando un papel periférico en la composición. La ilusión de repetición se logra solo en la estructura visual pero no en el contenido; las diferentes fotos muestran vehículos individualmente distintos que pueden verse iguales (si no fuera porque son de diferentes colores). Es como si el artista estuviera construyendo relaciones visuales que exploran e intersectan los mundos de las tecnologías orgánicas, arquitectónicas y mecánicas al crear una relación de interdependencia y necesidad.

COLECTIVOS

VIDEO DE ORQUESTA COLECTIVO

Yohann Queland de Saint-Pern & Myriam Omar Awadi, Orchestre Vide (Karaoké de la pensée), 2016-2019, dispositivo performativo. Cortesía de los artistas y La Colonie.Yohann Queland de Saint-Pern y Myriam Omar Awadi, Orchestre Vide (Karaoké de la pensée), 2016-2019, dispositivo performativo. Cortesía de los artistas y La Colonie.

Orchestre Vide o “Empty Orchestra” (traducido literalmente del término japonés “karaoke”) es un proyecto colectivo que surge de una reflexión sobre la cuestión del conocimiento y las relaciones que existen entre las prácticas científicas y artísticas. El proyecto reinventa el contenido científico en forma artística. La instalación consta de videos con discursos, conferencias y otras comunicaciones "famosas" de teóricos, académicos, escritores, poetas, políticos, artistas visuales y personajes de ficción de películas y documentos de archivo (incluidos Gilles Deleuze, Édouard Glissant y Paul Vergès) , distribuida de forma performativa y participativa con la participación de espectadores que serán invitados a decir o interpretar estos textos dentro del formato popular y sociable del karaoke. La obra también podría ser considerada como una especie de recreación por parte del público de algunas de las grandes conferencias, entrevistas o momentos que han moldeado significativamente la historia y cambiado nuestra percepción del mundo. En esta instalación performativa, se privilegia el deseo de oralidad. El deseo de escuchar el pensamiento también se enfatiza sobre su lectura.

FRONTERAS INVISIBLES

Emeka Okereke, Wishful Thinking 2, Benin, Nigeria, 2011, fotografía. Cortesía del artista.Emeka Okereke, Ilusión 2, Benin, Nigeria, 2011, fotografía. Cortesía del artista.

La política de las fronteras continúa tomando formas y formas más nuevas a medida que las políticas gubernamentales, los conflictos y la militancia desplazan a millones de personas en todo el mundo. Aún así, existe un deseo creciente de un lado del continente a otro de hacer permeables, estas marcadas líneas divisorias impactan cada vez más las interacciones entre ellos a medida que los ideales y beneficios del panafricanismo se vuelven más atractivos y económicamente atractivos para los gobiernos y las personas por igual. Desde 2009, la Organización de Fotografía Trans Africana de Fronteras Invisibles ha seguido atravesando el continente profundizando la comprensión de sus fronteras a través de experiencias vividas y encuentros notables utilizando medios de fotografía, literatura y cine. El trabajo de la organización está fuertemente arraigado en el deseo de, por un lado; experimentar y documentar historias, culturas, encuentros íntimos, la poesía de la presencia y viajar a través de fronteras por carreteras; y por otro lado; alejar las narrativas predominantes sobre África de los reportajes de los medios tradicionales, que a menudo se filtran a través de lentes de colores o estrechos destinados a adaptarse a prototipos y tropos preconcebidos.

En 2018, la Organización de Fotografía Transafricana de Fronteras Invisibles se embarcó en la octava edición de su viaje por carretera transafricano desde Lagos, Nigeria a Maputo, Mozambique. Con la intención de llevarse a cabo en dos lotes, el primer grupo de artistas — fotógrafos, escritores y cineastas — viajó desde Lagos, Nigeria a través de Camerún, la República Democrática del Congo y terminó en Kigali, Ruanda. El viaje por carretera Lagos-Maputo 8 se basó en dos frases extraídas de la premisa conceptual del viaje por carretera: “negociaciones volátiles entre pasado y presente” y “estoy donde pienso”.

El primero habla de la historicidad de la carretera transafricana de Lagos a Maputo y de la política de movimiento a lo largo de ese camino, mientras que el segundo habla del hilo que recorre los viajes por carretera año tras año: el cuerpo, no solo como un recipiente de presencia. y movimiento, sino también una herramienta de pensamiento activo donde sea que se coloque en la carretera.

En los 45 días que viajaron los artistas, estas frases de guía sirvieron como anclas de base junto con temas personales, aunque poco adheridos, que informaron las obras que crearon en el camino en gran parte a partir de encuentros e interacciones premeditados y en su mayoría casuales. Fotógrafo y cineasta, Kenechukwu Nwatu fue en busca de encuentros musicales buscando hasta qué punto es un derivado de la espiritualidad. El escritor Tope Salaudeen-Adegoke vagó por muchos mercados en busca de historias al ritmo de las transacciones diarias, especialmente de mujeres. Emeka Okereke tuvo como tema rector, "Dream Chamber", un cuerpo de trabajo fotográfico destinado a articular algo del "terreno que se mueve bajo nuestros pies" en el proceso de renegociaciones y reconfiguraciones fronterizas que tienen lugar en diversas formas y escalas en todo el continente. . La escritora Kay Ugwuede se lanzó al camino cuestionando, como un camino para comprender las diferencias que resultan de las demarcaciones de cualquier tipo.

Algunas de estas obras estarán disponibles para su visualización en una exposición multimedia durante el transcurso del Festival de Bamako.

Además de la exposición multimedia que presenta una película no lineal del viaje por carretera Lagos-Maputo, imágenes y texto de un blog dedicado donde los artistas compartieron su trabajo en la carretera, las fronteras invisibles también albergarán un taller de 10 días antes de la inauguración del festival con la participación de hasta 10 escritores, fotógrafos y cineastas en Bamako; y una exposición en el espacio público de fotografías y textos del archivo de Fronteras Invisibles.

El viaje por carretera Lagos-Maputo 2018 está en curso. El lote B y el tramo final del viaje está programado para continuar en una fecha posterior, por lo que este componente de nuestra exposición tomará la forma de un trabajo en progreso.

—Kay Ugwuede

KOLEKTIF 2 DIMANSYON (K2D)

ARRIBA: Kazal Moise, Orificio en el río Bretelle. El río es el primer enlace entre Kazal y Cabaret, rebautizado como Duvaliervill bajo el gobierno de François Duvalier., Cabaret, 2015, fotografía. Crédito: Moise Pierre. INFERIOR: Kazal Mackenson, Agricultores tomando un descanso en Desab, una parte de Cabaret, 2016, fotografía Crédito: Mackenson Saint-Félix.

Este año marca la conmemoración del cincuentenario de la masacre de Kazal, una aldea en el norte de Puerto Príncipe que se convirtió, en la primavera de 1969, en el escenario espantoso de uno de los hechos más trágicos de la historia contemporánea de el país. Bajo la dictadura de François Duvalier, marcada por el terror y la corrupción, los campesinos se levantaron en protesta contra los impuestos abusivos y las prohibiciones al consumo del agua del río que atravesaba su aldea. El levantamiento pronto fue aplastado por los militares y la milicia del régimen, y terminó con un historial desastroso de al menos 23 campesinos muertos, 80 desaparecidos y 82 casas quemadas. Si el evento ha sido borrado de la historia oficial, el recuerdo de su atrocidad aún subsiste a través de los testimonios de los sobrevivientes y los vestigios que ha esparcido en el paisaje y la vida cotidiana de los habitantes de Kazal. Aprovechando el potencial de la fotografía como herramienta de narración de la memoria, seis fotógrafos haitianos de la primera generación post-Duvalier se embarcaron en un trabajo de recuerdo para abordar las cicatrices del pasado y deshacerse del espectro de la dictadura despiadada que aún se cierne sobre el Kazaleses y haitianos en general, y a través de generaciones. Durante tres años, han acudido al encuentro de la gente de Kazal para interrogar sus recuerdos de lugares y eventos. Kazal es el resultado de un largo y emotivo viaje que les obligó a desplegar estrategias para superar las barreras sociales, culturales y geográficas para poder restituir lo que queda de los recuerdos desmoronados por el tiempo. A través de una narración de doble perspectiva, el colectivo construyó un testimonio fragmentado y subjetivo que, por supuesto, nunca captará del todo la realidad de ese hecho histórico, pero al menos producirá un archivo de referencia tardío y reactivará una reflexión en torno a su memoria.

PROYECTOS ESPECIALES

LAS OBRAS DE TOLA ODUKOYA

Pareja, en cama 1965.

Las imágenes diseñadas gráficamente de Odukoya instigan la cuestión del propósito de la memoria. A medida que nos exponemos a las fotografías creadas por Tola Odukoya, parece que hemos comenzado a rastrear y rastrear y examinar históricamente las huellas de las carreteras culturales de África. La misión aquí es simplemente presentar una selección de veinte imágenes de su colección de más de dos mil fotografías que se ha creado a lo largo de una carrera de más de cuarenta años. El trabajo de varios niveles de Odukoya desentraña una serie de preguntas y va más allá para declarar una emergencia sobre la necesidad de abrir nuevas conversaciones sobre las complejidades de la relación y el efecto de la cultura en la demografía, especialmente en el continente africano. El descubrimiento del trabajo de Tola Odukoya refuerza aún más la urgencia de ampliar nuestro campo de visión y repensar nuestra posición sobre la fotografía y África.

Los extractos anteriores, extraídos del catálogo de la bienal, son exposiciones que esperamos con ansias en la 12ª edición de Rencontres de Bamako. Rencontres de Bamako se extenderá hasta el 31 de enero de 2020.