Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Impresión lambda, 100 x 79 cm. Edición de 5. Cortesía del artista y Officine dell'Immagine, Milán.

SOLO [P1]

SOLO en la Feria de Arte Investec de Ciudad del Cabo 2018

Buscando explorar más a fondo las prácticas artísticas de artistas emergentes y establecidos que trabajan tanto localmente como en el extranjero, la Feria de Arte de Investec en Ciudad del Cabo presentó 'SOLO', una selección de presentaciones individuales, con esta edición comisariada por Nontobeko Ntombela.

En su primera iteración, 'SOLO' se dedica solo a mujeres artistas, al mismo tiempo que ofrece diferentes perspectivas sobre los problemas sociopolíticos ampliamente extendidos que enfrentan las mujeres, y destaca su importante contribución al mundo del arte.

ARTE ÁFRICA habló con estos artistas para aprender más sobre su práctica artística y las narrativas conceptuales detrás de su trabajo.

Pamela Phatsimo Suntrum

Pamela Phatsimo Sunstrum, Sightseer (detalle), 2017. Lápiz y gouche en Aquabord, 22,5 x 30,5cm. Cortesía del artista.Pamela Phatsimo Sunstrum, Turista, 2017. Lápiz y gouche en Aquabord, 22,5 x 30,5cm. Cortesía del artista.

Impulsado por una fascinación por las mitologías y las teorías científicas, Pamela reflexiona sobre los orígenes del tiempo, las identidades transnacionales y las ideas sobre el universo en sus trabajos en papel, instalaciones a gran escala y películas stop-motion.

Ha vivido y trabajado en varios lugares del mundo, y su trabajo ha venido a abordar el desarrollo de identidades transnacionales, conexiones humanas y rituales transfronterizos. ¿De qué manera su educación nómada ha influido en su práctica, y por qué estos temas se comunican mejor a través de un enfoque interdisciplinario para hacer arte?

Mi trabajo se basa en el dibujo e incluye trabajos en papel, instalación, animación y rendimiento. Actualmente estoy interesado en usar mi trabajo para explorar paralelismos entre la cosmología antigua y las teorías avanzadas de la ciencia. Me parece fascinante que tanto nuestros antepasados ​​más antiguos como los científicos más futuristas siempre se hayan hecho las mismas preguntas: ¿Quiénes somos? ¿Por qué estamos aquí? ¿Cómo se hizo el universo? ¿De qué está hecho? De mayor interés para mí son las construcciones de poder, a menudo politizadas, que han impulsado las búsquedas para responder a estas preguntas.

En mis primeros trabajos, estaba construyendo una narración mitológica que era vagamente autobiográfica. Había inventado un alter ego, llamado Asme, que se convirtió en el héroe de la narración. Esta mitología fue impulsada por una preocupación por mi propia experiencia complicada de mi propia identidad. Mi madre es de Botswana, donde nací, y mi padre es canadiense. Crecí viviendo en muchos países y culturas diferentes. Como tal, mi sentido de identidad era fluido, transcultural y transgeográfico.

Vincular mi interés por la mitología y la ciencia es una política sutil en el trabajo en mi proceso de creación de imágenes: creo que el acto de imaginar es una acción política. Más concretamente, como artista africano contemporáneo, creo que el acto de imaginar y ocupar un futuro aún por conocer es una acción política particularmente radical. Señalo aquí los escritos de Deleuze sobre el "devenir" en los que describe que un pueblo oprimido es más poderoso y más potente cuando está en un estado de "devenir": es decir, un fluido, aún por ser conocido. formar. Como tal, a menudo pienso en mi trabajo como diagramas, esquemas, mapas, balizas y dispositivos de navegación que son invocaciones de una identidad radical aún desconocida.

Lhola Amira

Lhola Amira, Sinking, Xa Sinqamla Unxubo, 2018. Cortesía de la artista y galería SMAC Ciudad del Cabo / Johannesburgo.Lhola Amira Xa Sinqamla Unxubo (Hundimiento), 2018. Cortesía del artista y galería SMAC Ciudad del Cabo / Johannesburgo.

Interesada en la interseccionalidad entre lo "real" y lo "performativo", Lhola conceptualiza obras de arte que abordan cuestiones de contención (condiciones socioeconómicas y políticas de raza, género, sexualidad y ubicación geográfica) y negocia a la perfección el papel del orador, activista y sabio.

Hace casi un año desde su primera exposición individual, 'Looking for Ghana and the Red Suitcase' en SMAC Gallery, Stellenbosch. ¿Cómo se ha desarrollado su narrativa artística desde entonces, y su trabajo todavía se centra en gran medida en 'imaginar África'?

Cuanto más nos interesamos en nosotros mismos y buscamos, la narrativa cambia. Cuanto más investigo las formas de curación colectiva para las personas negras, más me siento atraído por la herida: qué es la herida y de qué está hecha. Para sanar, debemos saber dónde duele y por qué. Y no estoy hablando de generalizar el dolor negro, sino de desempacar las complejidades y los matices del desplazamiento y el despojo negro. Si realmente debemos imaginar a África, entonces tenemos que mirar realmente sus heridas y qué mecanismos han mantenido estas heridas enconadas en lo que describimos como un momento independiente poscolonial, descolonizado y, francamente, cómo estas heridas se han normalizado como la existencia cotidiana y quién se beneficia de ellos.

Mi narrativa artística está conformada en gran parte por desempacar narrativas históricas e imaginar África, por lo que el trabajo emerge de ese espacio intermedio, el espacio de hacer.

Mi punto de partida para imaginar África es mirar este momento actual en África y decir, bueno, así es como se ve realmente África descolonizada, porque ya hemos hecho el trabajo de reinventarnos y reposicionarnos a través de sistemas, infraestructura, instituciones que conocen Cómo discriminarnos y matarnos. Ahora, imaginar que África posiblemente requiere un nuevo conjunto de sensibilidades para cambiar nuestro lenguaje, nuestro pensamiento, yendo más allá del contexto de descolonización porque ya sabemos lo que nos ha dado.

Lucinda Mudge

Lucinda Mudge, follada repetidamente por la vida (detalle). Jarrón de ceramica. Cortesía del artista y Everard Leer CIRCA Gallery.Lucinda Mudge, Follada repetidamente por la vida (detalle). Jarrón de ceramica. Cortesía del artista y Everard Leer CIRCA Gallery.

Trabajando principalmente en cerámica, los jarrones de Mudge son ricos en color e intrincados en detalles: se unen en una sola unidad para celebrar la capacidad de la humanidad para los impulsos contradictorios.

Trabajando con cerámica, su tema se centra principalmente en lo bello y lo violento, y aún así emite un sentido del humor. ¿Por qué es importante para usted mantener esta presencia de humor, ironía y, a veces, burla en su trabajo?

Al hacer jarrones de cerámica, estoy encajando en un género que es casi tan antiguo como la humanidad misma. A menudo hago referencia al diseño decorativo de, por ejemplo, un jarrón del siglo XIV o un jarrón art deco, y luego agrego a esa base mi propio texto o imágenes. Estamos familiarizados con la imagen de un jarrón decorativo, y luego lo vemos compensado por algo inesperado.

Utilizo el humor, la ironía y la burla como una forma de hacer preguntas auténticas. El trabajo se abre para operar en dos niveles, porque a veces no está claro para el espectador si es serio o no. El humor que ves en mis jarrones es parte de lo que soy y esto se manifiesta en mi trabajo. Trato las macetas como personajes que pueden expresar lo que normalmente es indescriptible.

Me interesa el espíritu humano: los buenos y los malos. Creo que mis jarrones reflejan eso. Son deslumbrantes, dorados y hermosos, pero también hay una pesadez allí.

Maimouna Guerresi

Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Impresión lambda, 100 x 79 cm, edición de 5. Cortesía del artista y Officine dell'Immagine, Milán.Maimouna Guerresi, Rābi'a, 2016. Impresión Lambda, 100 x 79 cm, edición de 5. Cortesía del artista y Officine dell'Immagine, Milán.

Nacido en Italia, Maimouna se convirtió al Islam después de vivir en Senegal, y ha seguido creando arte en torno a una apreciación de la humanidad compartida más allá de las fronteras: psicológica, cultural y política.

Sus fotografías revelan un verdadero misticismo, a menudo implicando un sentido de espiritualidad, y específicamente explorando la fe islámica. En muchos sentidos, los cuerpos fotografiados parecen desafiar una relación sólida con la realidad. Se sabe que te convertiste del catolicismo al Islam. ¿Tu perspectiva religiosa y tu transición han influido en cómo creas arte?

Mi interés se dirige principalmente a la investigación de la espiritualidad femenina islámica. El esoterismo musulmán, en particular el de la orientación de Sufi, representa, para mí, el camino auténtico y puro hacia la conciencia interior.

A través de mi práctica, tengo la intención de interpretar los diversos aspectos de la espiritualidad musulmana en una visión más democrática y pluralista. Mi léxico visual apunta a subrayar y destacar las diversas cualidades de la mujer musulmana en la sociedad occidental e islámica. Al hacer eso, me concentro principalmente en el estudio del cuerpo velado místico como valor de la diversidad, y la incomodidad y la fascinación que conlleva, siempre tratando de evitar una visión estereotipada de la religión del Islam.

El escenario, los personajes, los vestidos y todos los objetos de fondo siempre los elijo con mucho cuidado y atención, ya que simbolizan mi investigación personal de un equilibrio interior y estético. Incluso los escritos que incluyo en mis obras no son solo ornamentaciones, sino que, sobre todo, deben verse por su significado esotérico y taumatúrgico.

En mis últimos trabajos, traté de avanzar aún más, examinando la conexión profunda entre el ser humano y la naturaleza, y cómo la naturaleza puede ayudarnos a descubrir nuestra identidad visceral. Esto crea una dimensión metafísica caracterizada por una percepción de "suspensión" - un espacio cósmico que no está dictado por un tiempo ordinario y convencional.

Stacey Gillian Abe

Stacy Gillian Abe, Seat of Honor # 5 (Imágenes de rendimiento), 2017. Ocho imágenes que componen la colección Seat of Honor. Terracota, masilla, yeso de París, Adhesivo de resina, Hilo de gasa, Algodón, Acrílico. Cortesía del artista.Stacy Gillian Abe, Asiento de honor # 5 (Imágenes de rendimiento), 2017. Ocho imágenes fijas que componen la colección Seat of Honor. Terracota, masilla, yeso de París, Adhesivo de resina, Hilo de gasa, Algodón, Acrílico. Cortesía del artista.

Extraído de experiencias pasadas, el trabajo de Stacey considera tanto la fuerza como la fragilidad de la mente femenina e intenta criticar las representaciones estereotipadas de lo que significa ser una mujer negra.

Conceptualmente, su arte explora la identidad y la espiritualidad, centrándose principalmente en las mujeres. Actualmente existe una ruptura global del silencio en apoyo a las mujeres y la violencia sexual sufrida. ¿Cómo comunica su trabajo algunas de las cuestiones pertinentes que afrontan las mujeres en la actualidad?

Me gusta pensar en mí mismo como un animista, no solo por la fascinación general con el reino espiritual y algunos encuentros oscuros de la infancia con lo místico, sino también porque tradicionalmente la gente de Lugbara del noroeste de Uganda o del Nilo occidental (mi pueblo ancestral y nacimiento lugar) son animistas y creen que todos los fenómenos materiales tienen agencia, que no existe una distinción estricta entre el mundo espiritual y físico (o material) y una vida orientada hacia un ser interior. Creo que hay una brecha muy pequeña entre lo real y lo surrealista.

El trabajo habla por un yo interior. Una fuerza que no se ve pero se siente y ese vínculo profundo con el alma y la mente y lo que se puede superar. Habla de un poder y una habilidad que se pueden conjurar. Por completo, resalta la flexibilidad de la mente extraída de una narrativa individual y experiencias pasadas. El proceso de trabajar con mi cuerpo en juego es una metáfora de la disociación y transición o transformación de las representaciones estereotipadas de ser una mujer negra, ahora más allá del estado físico y hacia el reino espiritual estudiado desde una perspectiva psicoemocional. La búsqueda atraviesa el sentimiento físico de incompletitud, la inestabilidad mental, mi fuerte voluntad espiritual y cómo los demás se relacionan con esto.

IMAGEN DESTACADA: Maimouna Guerresi, Rābi'a (detalle), 2016. Impresión lambda, 100 x 79 cm. Edición de 5. Cortesía del artista & Officine dell'Immagine, Milán.