jasse delio 1

Chasqueado en conversación con Délio Jasse

Délio Jasse nació en Luanda en 1980. A los 18 años se trasladó a Lisboa donde empezó a trabajar en los estudios de serigrafía. Aquí tuvo su primer contacto con diferentes técnicas de impresión, a través de las cuales pronto descubrió la fotografía. Comenzó a experimentar con las posibilidades técnicas de este modo de expresión y quedó especialmente fascinado por procesos alternativos como el cianotipo, la impresión platino / paladio y el Van Dyck Brown. El trabajo de Jasse se exhibe actualmente como parte del pabellón oficial de Angola en el 56th Bienal de Venecia. Esta entrevista apareció en roto 05: La cuestión digital.

jasse delio 1

ARRIBA: Imagen fija del video de la entrevista 'Délio Jasse Terreno Ocupado' de Making Art Happen. Cortesía de Making Art Happen.

roto: Hola Délio. Gracias por tomarse el tiempo para hablar con nosotros sobre su proceso fotográfico. En primer lugar, ¿cómo describiría su trabajo?

Délio Jasse: Yo definiría mi trabajo como un constante “work in progress”, una experimentación sin fin que utiliza la fotografía como su principal herramienta.

¿Qué te llevó a la fotografía?

Me enamoré de la fotografía después de trabajar en un taller de serigrafía. Había un estudio de fotografía dentro del atelier, donde creamos fotolitos separando los colores. He sido fan desde entonces.

Entonces, ¿diría que su trabajo está inspirado en fotografías?

Me inspira la noción de experimentar con la fotografía, pero como pueden ver, mi interacción con la fotografía no es convencional. Al superponer y superponer mis imágenes, disminuyo la profundidad de campo que comúnmente se asocia con la fotografía. Entonces, sí, para responder a tu pregunta diría que estoy inspirado fotográficamente, aunque no etiquetaría mi trabajo como puramente fotográfico. Aunque es fundamental para mi trabajo, siendo el punto de partida de mi experimentación, no es la piedra angular de mi discurso.

¿Hay fotógrafos africanos que te inspiren?

Realmente no tengo una inspiración “africana”, aunque hay muchos artistas africanos a los que admiro y respeto. Admiro a los artistas que no tienen miedo de experimentar con las diferentes opciones que ofrece el medio fotográfico.

¿Qué opinas de la afirmación "Todo el mundo es fotógrafo"?

Creo que mientras tengamos la capacidad de ver, tendremos la capacidad de reproducirlo como una forma de arte.

En su primera exposición en Sudáfrica, 'Ausência Permanente' en SMAC Ciudad del Cabo en 2014, su trabajo fue comparado con un palimpsesto. ¿Qué significa esto? ¿Está de acuerdo con esta afirmación?

En palabras de Nancy Dantas, "el término se refiere literalmente a la lectura y publicación de manuscritos donde los académicos descubren, examinan y componen capas de texto reescrito". Mi trabajo se centra en gran medida en torno al concepto de imagen latente y su significado más profundo, por lo que creo mi trabajo de una manera que te obliga a interactuar con la pieza, dando tiempo para que los mensajes ocultos se revelen. Gran parte del proceso se dedica a conectar los elementos a través de las distintas capas para crear la narrativa de una historia única. Mi serie reciente, 'Ausência Permanente' es un ejemplo perfecto de cómo incorporo la imagen latente en mi trabajo.

¿Es por eso que eligió producir la serie 'Ausência Permanente' como instalación?

Siempre me han fascinado las piezas de instalación. Creo que la dimensión física de las imágenes, independientemente de su medio impreso, es tan importante como el objeto real que se ha fotografiado. Para 'Ausência Permanente', la elección de presentarla como una instalación tiene dos razones interconectadas.

En primer lugar, principalmente quería cambiar la forma en que miramos las imágenes. Estamos acostumbrados a que se nos presenten imágenes en la vista del horizonte contra una pared. Por lo tanto, los miramos de frente, viendo solo lo que está directamente frente a nosotros. Al mostrar las imágenes en el suelo, obligué al espectador a cambiar su punto de vista típico y, en consecuencia, su interacción con la pieza. Las instalaciones dirigen al espectador a deambular por el proyecto, animándolo a profundizar en la historia detrás de los temas elegidos.

Mi segunda motivación para la presentación única es que creé las imágenes con numerosas capas de información. Al obligar a los espectadores a interactuar con las piezas, se les da la oportunidad de mirar la imagen tanto horizontal como verticalmente, dándose más tiempo para ver y "leer" todos los elementos presentes en la imagen. Es de esperar que luego puedan experimentar las imágenes de una manera completa. Creo que si hubiera elegido una presentación más tradicional para el trabajo, el espectador se habría perdido parte (o toda) de esta información fundamental.

¿Qué significado más profundo estabas tratando de transmitir a tu audiencia al crear 'Ausência Permanente'?

Esta serie se centra en cómo los restos de nuestro pasado pueden influir en nuestro futuro. Esperaba provocar que los espectadores reflexionaran sobre sus propias historias incorporando el material creíble que recopilé sobre mis temas y transformándolo en una obra de arte interesante que desempeñara un papel narrativo.

DJ-Ausencia-Permatente-05

ARRIBA: Vista de la instalación de 'Ausência Permanente' en SMAC Ciudad del Cabo. Imagen cortesía de SMAC.

¿Cuál fue el propósito de crear un ambiente para las imágenes flotando en baños de agua?

Mi trabajo siempre ha guardado mensajes ocultos que solo se revelan una vez que he pasado tiempo con la pieza. Parte del proceso de creación de imágenes incluye tener que colocar su impresión en un tanque de revelado y esperar mientras los químicos hacen su magia y le revelan la imagen oculta. Al capturar este proceso, fomenté la noción de 'imagen latente'.

Naciste en Angola y te mudaste a Portugal. Como artista en Angola, ¿hubo alguna lucha que afectó su práctica?

Solo comencé a experimentar como artista cuando me mudé a Portugal, por lo que no puedo culpar a Angola por los problemas que he encontrado como creativo hasta ahora. Sin embargo, sigo visitando Angola y, aunque la situación es algo incierta, definitivamente es un momento emocionante para los artistas angoleños en términos de ser descubiertos. Ya hay algunas galerías e instituciones que ayudan a los artistas a desarrollar aún más su trabajo, pero desafortunadamente debido a la situación financiera del país luego de la guerra civil, todavía pasará algún tiempo antes de que Angola tenga el capital adicional necesario para ayudar a apoyar a estos artistas en ciernes.

Te centras principalmente en las ruinas del imperio portugués; ¿son parte de su herencia personal?

No puedo negar que mi atracción por las ruinas proviene de creer que de alguna manera puedo relacionarme con ellas a través de mi bisabuelo, quien era directamente de ascendencia portuguesa. Aunque estoy orgulloso de mi herencia, no puedo decir que fuera el tema previsto para este trabajo. Este es un buen ejemplo de cómo utilizo el mensaje oculto en una imagen. Al fotografiar las ruinas, intenté crear un contraste entre lo que la imagen representaba originalmente y lo que simboliza ahora.

Lograste crear instalaciones muy complejas al incluir pasaportes, visas, cartas, álbumes, fotografías e incluso notificaciones de defunción de las personas en los distintos niveles de tu trabajo. ¿Cómo estas inclusiones promueven su concepto?

Siempre he encontrado fascinantes las infinitas posibilidades de la imaginación y obtengo una gran inspiración de cómo se puede crear una historia completa con la ayuda de una sola pista. Al incorporar estas pistas tangibles en mi trabajo, pretendo sugerir que hay una historia significativa esperando ser contada. Cuando se solidifica la brecha entre el pasado, el presente y el futuro, se puede apreciar la noción de lo que fue y lo que es.

¿Cuáles son sus pensamientos sobre la producción de arte utilizando tecnología digital, una práctica que se ha convertido en definitiva en nuestra era moderna?

Creo que se debe alentar a los artistas a utilizar todos los materiales que se les ponen a su disposición, siempre que fomenten el concepto. Personalmente, trato de confiar lo menos posible en la tecnología por temor a perder la autenticidad de mi trabajo. Al interactuar con cada elemento mientras los organizo pieza por pieza en un cuerpo de trabajo, creo un estilo completamente único que no puede ser forjado por maquinaria digital.

¿Qué crees que constituye la fotografía hoy? ¿Todavía se considera una imagen estática, un recuerdo capturado en el tiempo, o ahora se ha movido más allá de eso a un nuevo reino?

Creo que la fotografía siempre se referirá a una imagen fija 'simple', pero poco a poco se ha ramificado en otra cosa, una herramienta que va más allá de la imagen que representa. Me parece realmente interesante cómo ambos enfoques están en plena vigencia hoy.

¿Qué podemos esperar de ti en un futuro próximo?

Bueno, seguiré experimentando, ¡eso seguro!