Septiembre de 2009

Vaughn Sadie; Genna Gardini; James Beckett; Kemand wa Lehulere


ILUMINANDO EL CAMINO

LAS INSTALACIONES DE LUZ ARTIFICIAL DE VAUGHN SADIE ESTÁN REVELANDO LAS FORMAS EN LAS QUE ESTAS CARACTERÍSTICAS PERVASIVAS CONFORMAN NUESTRAS EXPERIENCIAS SOCIALES Y ESPACIALES, ESCRIBE MARY CORRIGALL.

arriba - abajo Vaughn Sadie, sin título (riesgo de esperar), 2007-8, lámpara infrarroja, 150w
luz halógena con sensor de movimiento con 5 mm de 0.5 mmsq x 2 co white twin flex, lámpara art deco
soporte con doble flex, dispositivo de almacenamiento de mangueras, acero dulce y 500 m de alambre galvanizado de 2 mm
de cuerda, aplique con bombilla, twin flex y supa madera, dimensiones variables; Vaughn Sadie,
sin título (locura en fallar), 2009, trípode de metal, soporte de teodolito, lámpara incandescente transparente de 40 w,
Bola de golf compacta de 7 w con blanco y 10 m de 0.5 mmsq x 2 co black twin flex, dimensiones
variable.

Incrustada en estructuras arquitectónicas o elementos decorativos, la luz artificial tiene una presencia discreta, lo que le permite hacer cumplir silenciosamente las normas sociales y configurar la dinámica espacial. Estas son algunas de las preocupaciones que sustentan el arte de Vaughn Sadie y su última exposición individual. Situación, celebrada recientemente en la Galería Bank de Durban, donde Sadie desveló la influencia omnipotente de la luz artificial, no solo en el contexto del arte, donde la luz se emplea para subrayar el valor, sino en la manera en que discretamente (re) construye la realidad. Era como entrar en un estudio de fotógrafos desocupado o en un set de filmación abandonado. Las bombillas estaban colocadas en escaleras o unidas a trípodes, convocando estos reinos de producción de imágenes en los que las ilusiones de la realidad se recrean astutamente. Pero aquí, es un desmantelamiento de ese proceso lo que Sadie busca conjurar. En otros casos, se iluminó el carácter metafórico de la luz artificial. Una bobina de tubo fluorescente se colocó en un piso yermo en lo que parecía una celda en desuso. Aludiendo a la mortalidad, parpadeó intermitentemente a medida que su vida útil predeterminada se acercaba lentamente a su fin.

La oscuridad y la luz convocan a los binarios centrales que se cree que definen la existencia. Vida y muerte. Bien y mal. Conocimiento e ignorancia. Con su interruptor obligatorio, que ofrece opciones, las luces artificiales crean la ilusión de que estas realidades están sujetas a nuestros caprichos. El arte de Sadie investiga las muchas situaciones en las que se desarrolla este sentido artificial de autoridad. Al conjurar interiores corporativos estériles en los que se cree que la uniformidad ayuda a la productividad, Sadie mostró una imagen de proyector de diapositivas de dos enchufes incrustados en una tira banal de zócalos de oficina. Él tituló irónicamente esta pieza El placer de sentirse en control (2008), burlándose de la sensación de seguridad que confiere el interruptor de luz.

En su mayoría, Sadie presenta escenas de oscura mundanidad, pero es en estas situaciones banales donde las ilusiones de la realidad quedan al descubierto. Por lo tanto, es de suma importancia que Sadie represente fielmente estos escenarios familiares. Situación consistía principalmente en objetos encontrados y confeccionados. Al igual que Jeff Koons, quien es un riguroso para preservar la integridad del readymade, el trabajo de Sadie también revela una reverencia por el readymade.

"En el momento en que comienzas a alterarlo, socavas el objeto", observa el artista de Durban.

La familiaridad de los objetos cotidianos que Sadie emplea en su arte proporciona poco consuelo, ya que se hace evidente que su propósito subyacente nunca se ha entendido completamente. Principalmente, lo logra despojando de las estructuras físicas que facilitan la omnipotencia de las luces artificiales, destacando su antinaturalidad. En obras como Sin título (distancia al suelo) (2008), vemos luces desnudas aisladas de cualquier carcasa decorativa o entorno arquitectónico. Un desorden desordenado de cables queda a la vista.

“Gran parte de esta tecnología y estructura impuesta ha existido durante tanto tiempo que se vuelve imperceptible”, dice. “Estoy intrigado por eso. Intento identificar aquellas cosas que son tan invisibles pero que en realidad están tan presentes. Las luces dependen de estructuras físicas y mostrándolas en escaleras hago que esas estructuras sean tangibles ".

Sin título (sprint de 100 m) cuenta con dos bicicletas con luces fluorescentes, que están conectadas a 200 metros de cable eléctrico. La instalación se sitúa en una alcoba estrecha de la galería, realzando la ironía implícita en la incapacidad de los objetos para lograr la movilidad, obviando así su funcionalidad. Sadie mostró este trabajo en la breve Parking Gallery de Simon Gush en 2006, pero la génesis de la exposición se remonta a 2005, cuando Sadie concibió Derrame de luz para el Proyecto de Artista Joven en la Galería KZNSA de Durban. El título se refiere a un estado en el que la iluminación artificial se extiende sobre el perímetro de una propiedad.

"Inmediatamente nos sentimos inseguros en lugares donde la luz se detiene, especialmente en Sudáfrica, donde las cosas que existen fuera de la luz se vuelven tan siniestras".

Sadie está intrigado por la luz artificial pero su trayectoria artística no estará definida por esta fascinación; él tiene un interés creciente en desafiar la proclividad de su audiencia por el cumplimiento: "Estoy construyendo activamente espacios que miran cuáles pueden ser las implicaciones de la pasividad".

En un esfuerzo por interactuar con los espectadores, ha identificado una marca de arte que resuena de inmediato.

“Me gusta lo cotidiano en el trabajo; es tan fácil que el arte desaparezca en lo abstracto ”, dice. Pero también es la mundanidad y la futilidad de las acciones ordinarias y la indiferencia que engendran lo que despierta el interés de Sadie. “El mundo está hecho para adormecernos. Es reconfortante realizar acciones mundanas porque no tenemos que hacer grandes preguntas. Podemos simplemente ver una película o leer un libro donde alguien nos muestra las complejidades de nuestra vida sin que realmente lo experimentemos, y luego podemos simplemente cocinar la cena e ir a la cama.

Mary Corrigall es crítica de arte y escritora principal de The Sunday Independent.

Sobre Vaughn Sadie: Desde que se graduó en 2003 con un título B-Tech en Bellas Artes (cum laude), Sadie, nacida en Heidelberg (1978), ha participado en varias exposiciones colectivas a nivel nacional. Situación, celebrada en Bank Gallery (del 23 de abril al 28 de mayo de 2009), fue su primera exposición individual en un lugar comercial y siguió a su exposición de 2005, Derrame de luz, presentado como parte del Proyecto de Jóvenes Artistas de la Galería KZNSA, comisariado por Storm Janse Van Rensburg. En 2007, Sadie facilitó talleres de iluminación con Jay Pather en los Spier Contemporary Performance Workshops. Actualmente completa su MFA en la Universidad Tecnológica de Durban, Sadie también está trabajando en su primera comisión pública a gran escala en el Durban ICC. Vaughn Sadie es Arte de Sudáfrica undécimo Bright Young Thing para 2009.


POR QUÉ LOS ARTISTAS DEBEN ESCUCHAR A LOS POETAS

“DE DONDE YO SOY, NO MEDIMOS LA RELACIÓN EN CORPÚSCULOS”, ESCRIBE LA POETA GENNA GARDINI. ARYAN KAGANOF PRESENTA UN NUEVO TALENTO EMOCIONANTE.

Genna Gardini.

Es lunes 25 de mayo, casi invierno. Estoy en el Observatorio para ver a la poeta Genna Gardini leer sobre su trabajo en Off the Wall, la noche de lectura de poesía semanal organizada por Hugh Hodge en un café local en este vecindario estudiantil. “Teléfonos celulares en silencio o apagados, por favor”, dice un aviso. El poeta pasa al frente. Estamos callados. Gardini escribe mucho mayor que ella pero lee mucho más joven.

“Señor, usted arruga mis broeks / como una envoltura de lechón amarillo, / llamándome preciosa / (o, precoz, no sé cuál / con el crujido de este himen de celofán / atrapado chasqueando como una tapa en su boca). "

Las palabras son eléctricas, no siempre, pero pueden serlo. Gardini dice que "los cuerpos son como placas de circuitos". Su voz llena el café del Observatorio con una premonición de grandes cosas por venir. Hay un temblor casi visible que todos compartimos, del que todos nos sentimos parte, como si las palabras estuvieran saliendo de todos y cada uno de nosotros, de un lugar que siempre supimos que albergamos pero al que nunca tuvimos acceso, hasta que Gardini's la voz se convirtió en nuestro voz. El aplauso es atronador. Gardini parece desconcertado por la reacción. Hodge se acerca al micrófono y nos aconseja a todos que marquemos esta noche en nuestros diarios, "la noche en que escuchó por primera vez leer a Genna Gardini".

De hecho, Gardini me recuerda a Janis Joplin. No sé por qué. Hay algo indescriptiblemente trágico en Gardini, una tragedia típica de los jóvenes sabios. Más tarde, sigo al poeta. Ella es generosa en sus respuestas a mis preguntas.

“La primera vez que recuerdo sentarme a escribir un poema estaba en primer grado”, comienza. “Entonces, sí, entre las siete y las ocho. Mi mejor amigo de la infancia me dio recientemente una gran cantidad de poemas que escribí en ese momento. Son las cosas más divertidas: seguí tratando de usar la palabra 'sobre' pero la escribí como 'apone' y estaba convencida de que había una enfermera malvada, la enfermera Betty, que quería matarme ".

Descargo una pregunta inevitable: influencias. “Anne Sexton es una de las grandes, si no la más grande. Creo que, como cualquier otra escritora de mi edad, las descubrí a ella, a Sylvia Plath y Virginia Woolf casi al mismo tiempo que las hormonas golpearon, por lo que siempre estarán asociadas con ese precioso e incómodo período ".

¿Qué piensa el poeta del arte? ¿Tiene Gardini alguna relación formal con el mundo del arte? “Creo que es bastante fácil detectar la obra de arte (como la canción, el libro, la película, etc.) con la que estaba obsesionado en ese momento, en cualquier poema. Joseph Szabo está en todo el espectáculo en misterio, y hay muchas Loretta Lux y Miranda July en cosas posteriores, como Para Laura. Creo que probablemente me identifique más con alguien como James Jean que con la mayoría de los escritores. Él hace, en un nivel mucho más logrado y hábil, lo que me encantaría hacer en términos de llevar la gente y los cuentos de hadas a las ideas modernas de inocencia y sexualidad ".

Quizá, me atrevo a aventurarme, sea tarea del poeta devolver a las palabras su cualidad eléctrica y de culto que inevitablemente se pierde en el uso diario. "Realmente no sé cómo no para escribir de donde vengo, para decirte la verdad. Ambos lados de mi familia se mudaron a Zimbabwe desde Italia a mediados de la década de 1950, para trabajar en los ferrocarriles y las plantaciones de tabaco. Mis padres se conocieron allí (eran novios de la infancia), se casaron y luego se mudaron a Sudáfrica, donde me adoptaron. Así que todo ese legado me une aquí. Además, no escribiría sobre entrar en el Jet para comprar algunos broeks o usar la palabra "fanny" sobre tantas cosas si no fuera sudafricano, y estoy seguro de que el trabajo sufriría por eso ". Pero, dicho todo, estamos en la era del iPod. ¿Alguien ya lee poesía?

“Creo que la era digital está haciendo que la poesía sea más accesible en lugar de volverla redundante. El trabajo se publica en blogs, foros y revistas electrónicas; ya no es necesario comprar una revista literaria o una antología para leer poesía. Creo que alguien como Lebo Mashile, que literalmente se va de gira con su trabajo y luego transmite ese viaje por televisión, es un ejemplo asombroso de cómo el trabajo puede resonar en un nivel más amplio aquí ".

Mi pregunta final es simple y genera una respuesta igualmente concisa. ¿Por qué los artistas deberían escuchar a los poetas? "Es bueno para ellos".

Aryan Kaganof es un artista y cineasta afincado en Ciudad del Cabo. www.kaganof.com.

Acerca de Genna Gardini: Nacido en Benoni (1986), Gardini, con sede en Ciudad del Cabo, tiene una licenciatura en inglés y teatro de la Universidad de Rhodes (2007). Sus poemas han sido publicados en Carapacho, Nueva moneda, Fidelidades, Nuevo contraste, The Sentinel Literary Quarterly y La otra poesía de Pulsar. Fue galardonada con el Premio Douglas Livingstone de Poesía y el Concurso de Escuelas de Poesía de África en 2004.


SOSTENER COSAS PESADAS CON LUZ

LAS PIEZAS DE INSTALACIÓN Y SONIDO DE JAMES BECKETT SE AGITAN ENTRE LA TOMA DE TIERRA FACTUAL Y UNA TIPO DE MISTERIO ROMÁNTICO, ESCRIBE CLARE BUTCHER. EL RESULTADO ES UN CONJUNTO CONFUSO PERO POÉTICO DE CREACIONES INFORMATIVAS INAPLICABLES.

arriba - abajo James Beckett, NL13 - Tribune per Teatro all'Aperto - Castello Sfprzesco,
2008, tinta china, gouche y lápiz blanco sobre papel, 63 x 83 cm. Cortesía de Luettgenmeijer,
Berlina; James Beckett, vista de instalación de Bagnoli e Italsider como arreglo de extractos 2009.
Foto: Danilo Donzelli. Cortesía T293, Nápoles.

Incluir artículos sobre cómo podar un seto en un catálogo de obras creado para un instituto de investigación del cáncer no es inusual para James Beckett. Este artista-científico-ingeniero acumulador es un entusiasta. Después de graduarse de Natal Technikon en 1999, este nacido en Zimbabue, de casi 32 años de edad, se encontró a sí mismo y a su práctica suspendida entre múltiples medios, localidades y vocabularios, que van desde la experimentación sonora con estudiantes de arte en Nanjing, China, hasta la investigación de trabajadores migrantes en Kucevo. , Serbia. “Se quema mucha energía moviéndose entre diferentes mundos, lenguajes e infraestructuras”, comenta. Pero es la búsqueda simultánea de estas diversas líneas de investigación lo que caracteriza el modelo de investigación "esquizofrénico" de Beckett.

Estamos sentados en la cantina de un uberkitsch, edificio de la década de 1970 que el Centro de Investigación y Tecnología Shell dejó vacante recientemente, en Amsterdam Noord. Una deformación del tiempo completa, los escombros de la cultura corporativa anticuada (tarjetas de entrada / salida, letras de plástico en un tablero de estadísticas de lesiones, techo de paneles de madera y esquema de color malva-verde azulado) son casi demasiado para que Beckett se contenga. Sus recientes interrogatorios sobre la historia industrial en los Países Bajos incluyen proyectos como Vacío (2003), que describe en su libro, Monografía 1998-2008 (2009), como una exploración rigurosa de “los negocios y la moralidad en la historia del tubo de vacío” sobre una instalación de inventos eléctricos también patentada por la empresa holandesa Philips. Esta “revisión constante de diferentes formas de contar historias, ensamblar ciertos componentes, diferentes instancias para crear un mundo” define el uso peculiar y basado en instalaciones de Beckett de materiales tradicionales y anacrónicos. “No tengo miedo de ser kitsch”, afirma. "Mi trabajo es retrospectivo y está orientado a la artesanía".

Inspirándose en los experimentos de Escritura Restringida del grupo Oulipo quienes, decididos a legitimar la literatura frente a la investigación científica autorizada, se impusieron un laboratorio de condiciones para generar contenido. Para Beckett, este tipo de enfoque crea una capa de reglas, ya sea un trasfondo histórico o un conjunto real de mecánicas contextuales, que le proporcionan la estructura para articular los detalles de su trabajo para: “Cuando no se exceden esos parámetros , ahí es donde aparece tu universo ". El resultado de esta agitación entre el fundamento fáctico y una especie de misterio romántico es un conjunto confuso pero poético de creaciones informativas inaplicables.

Uno de sus “arreglos de extracción industrial” más recientes trata sobre Dalmine, una fábrica de andamios italiana con el mismo nombre. La obra exhibe su capacidad para intervenir en las macroestructuras de la historiografía, exponiendo las mecánicas de lo personal, lo documental y lo material. Al presentar vitrinas museísticas de parafernalia corporativa junto con pinturas de paisajes oscurecidos y maquetas de toscalas, la metodología “muy trabajada” de Beckett se mantiene a la ligera, ya que se permite la absorción completa en esta borrosidad de forma y función.

Le pregunto por qué su tema parece estar sin el andamio que sostiene el trabajo de muchos artistas del sur de África: la política de identidad o la memoria nacional. Desde el principio, dice, inspirado por el enfoque de los alemanes de la posguerra, Beckett "quería centrarse más en la mecánica de la construcción que en la política", y en un giro irónico, cifrando su trabajo con los detalles de su universos propuestos, sus arreglos evaden cualquier tipo de funcionalización global. Beckett cuestiona la responsabilidad de la arquitectura de exposiciones de arte contemporáneo a mayor escala en Sudáfrica, como la Feria de Arte de Joburg. "¿Cómo responde por sí mismo?" él pide. "¿Cómo desarrollaría un modelo diferente para un conjunto diferente de circunstancias?" El consejo de Beckett para artistas jóvenes sigue esta necesidad de conciencia contextual: “Se trata mucho de tu propia iniciativa: nadie te sacará de la tienda de golosinas mientras miras los estantes. Tienes que meterte un poco de mierda en el bolsillo y correr ".

Clare Butcher es escritora y se graduó en 2008/09 del Programa Curatorial de Appel.

Acerca de James Beckett: Nacido en Zimbabwe (1977), Becket estudió en Natal Technikon, Durban (1995-99). Después de ganar el premio Emma Smith se fue a Berlín, aceptando más tarde una plaza en la Rijksakademie van Beeldende Kunsten de Amsterdam. El interés de Beckett por el sonido es antiguo: cuando era estudiante, fue miembro de la banda de punk de Pietermaritzburg Fingerhead, con Felix Laband. Después de trabajar inicialmente con la instalación, el sonido ha llegado a desempeñar un papel central cada vez mayor en el trabajo de Beckett, el artista involucrado en una actividad basada en la investigación con producciones que van desde documentales de radio hasta simulacros de bandas étnicas, así como exhibiciones de museos que documentan los efectos culturales y fisiológicos de ruido. En 2006 realizó una exposición en la Galería KZNSA. Beckett publicó recientemente una monografía de su trabajo disponible en Kehrere Verlag Heidelberg. Es un ganador anterior del Prix de Rome de Arte y Espacio Público.


¿QUIÉN SOY?

TRABAJANDO INDIVIDUAL Y COLECTIVAMENTE, TANTO EN CIUDAD DEL CABO COMO EN JOHANNESBURGO, KEMANG WA LEHULERE ESTÁ GANANDO UNA PROMINENCIA CADA VEZ MAYOR PARA SU TRABAJO DE PINTURA Y RENDIMIENTO. POR KABELO MALATSIE.

Dos fotogramas de la contribución de Kemang wa Lehulere a Ritos de lealtad / Ritos de iniciación,
una exposición de una noche de nuevas piezas de performance, Bag Factory, Johannesburgo, 29 de julio,
2008.

Hay una urgencia sobre el artista Kemang wa Lehulere. Duerme hasta tarde y se despierta temprano. Su ceño fruncido refleja una mente cuya ambición supera las horas disponibles en un día. Wa Lehulere trabaja en una variedad de medios, especialmente en pintura y performance. Es cofundador de Gugulective, un colectivo de artistas con sede en Gugulethu, Ciudad del Cabo. El grupo desafía la noción de que los residentes del municipio son analfabetos visuales; para ello, han utilizado el shebeen, kwa Mlamli, como base para numerosas reuniones y exposiciones. A título individual, Wa Lehulere ha participado en varias exposiciones, tanto a nivel local como internacional, incluida una aparición en Arte invisible, parte de la feria de arte español ARCO. En 2007, realizó una actuación colaborativa, con Chuma Sopotela y Mwenya Kabwe, Unyamo alunampumlo (El pie no tiene nariz), ganando un premio en el Spier Contemporary inaugural. Aunque trabaja dentro del paradigma del arte contemporáneo, sus actuaciones se basan en rituales tradicionales. En una actuación celebrada recientemente en la Bag Factory de Johannesburgo, Wa Lehulere, vestido con un abrigo color carbón, caminaba descalzo sobre carbón rallado; una banda sonora del artista peinándose sonaba de fondo. La rejilla de carbón simboliza historias -personales o colectivas- que aún están por documentar, mientras que el peinado de su cabello es una referencia a su identidad como joven negro. El uso del abrigo simboliza un dicho xhosa "uguqul iBatyi" (literalmente, dar la vuelta al abrigo, pero en su sentido figurado implica un cambio de identidad). El abrigo también hace referencia a su identidad como un hombre negro que, debido a su ascendencia mixta, en ocasiones ha sido considerado "no lo suficientemente negro". Las cuestiones de identidad prevalecen en varias de sus actuaciones, incluidas Nada cambia (2009), presentado en el festival de artes Klein Karoo y Uguqul 'iBatyi (2008), que actuó Wa Lehulere en Berlín.

Curiosamente, el nombre de pila de Wa Lehulere, Kemang, propone una pregunta: "¿Quién soy yo?" Sugiere no solo una pregunta existencial, que implica a todos los que usan el nombre, sino que también propone una identidad que siempre está en construcción. “No soy más que un estudiante en este mundo y un discípulo voluntario para mejorar la experiencia negra”, ha afirmado autorreferencialmente. La producción artística de Wa Lehulere es una extensión lógica de esta declaración de intenciones y se hace eco de sus intereses en la historia, el trauma / curación, el racismo, el cuerpo social y la imaginación social.

A principios de este año, en marzo, Wa Lehulere presentó su primer programa individual, Ubontsi: Sharp Sharp!, una exposición de trabajos monocromáticos en papel presentada en la Asociación de Artes Visuales de Ciudad del Cabo. La obra fue un recuento imaginativo de historias y eventos que tuvieron lugar en la familia de Wa Lehulere antes de que él naciera. La casa de Wa Lehulere está dirigida principalmente por mujeres, que durante el apartheid vendían alcohol ilegalmente; este hecho biográfico ha influido y moldeado la historia de su familia. La obra, que retoma un aspecto de su historia familiar del que nunca se habló, no cae en la trampa del victimismo. Las ejecuciones de Wa Lehulere son divertidas pero respetuosas. Su arte logra atormentar al espectador mucho después del encuentro físico. La influencia del surrealismo es claramente evidente, su obra tiene débiles ecos de Cyprian Shilakoe y del artista español Juan Miró.

Según el artista, “la negativa a representar rostros en mis cuadros es expresión de una identidad que ha sido rechazada”. Esta estrategia confiere al trabajo de Wa Lehulere una cualidad enigmática que permite múltiples lecturas. En ocasiones, sus pinturas provocan lecturas literales, Wa Lehulere incorpora consignas escritas en su trabajo. Uno de esos trabajos presenta la frase “wit kaffer” (kaffir blanco) y apunta al uso de Wa Lehulere de dispositivos semióticos para confrontar problemas de identidad.

Aunque todavía joven, Wa Lehulere ha tenido que crecer rápidamente. Su madurez no solo se refleja en su ceño fruncido sino en su conciencia política, la sensibilidad de su trabajo, la agudeza de su mente y la generosidad de su humor.

Kabelo Malatsie es estudiante de pregrado en la Universidad de Johannesburgo.

Acerca de Kemang wa Lehulere: Nacido en Ciudad del Cabo (1984) y actualmente residente en Johannesburgo, Wa Lehulere es un videoartista, grabador, pintor y artista de performance en activo. Activo en exposiciones en la Fábrica de Bolsos, en 2007 participó en Ritos de lealtad / Ritos de iniciación, una exposición de una noche de nuevas obras de arte de performance que siguió a un taller de performance dirigido por Johan Thom. Ex miembro de Gugulective y actual miembro del Dead Revolutionaries Club, su biografía en el sitio web de este último dice que “sin vergüenza tiene aspiraciones BEE y espera ser un 'Nigger' de la casa algún día”. Kemang wa Lehulere es Arte de Sudáfrica duodécimo Bright Young Thing de 2009.


Publicado por primera vez en Art South Africa Volumen 8: Número 01