Septiembre de 2008

Arte Sudáfrica Volumen 7: Número 01
Gabrielle Goliat; Hasan y Husain Essop; Reshma Chhiba; Rowan Smith


¿NOVELA POLICÍACA? ¡ELLA HIZO!
EL TRABAJO RECIENTE DE GABRIELLE GOLIATH ES TANTO SOBRE LOS SIGNIFICADOS POLÍTICOS E HISTÓRICOS DEL CUERPO COMO SOBRE EL AMOR Y EL AUTO-AMOR, ESCRIBE ANTHEA COMPRAS.
arriba - abajo Ramo III, (panel izquierdo), (panel central), (panel derecho), 2007, impresión de archivo, 130 x 26 cm.
La primera aparición pública significativa de Gabrielle Goliath como artista fue en marzo de 2008, en la inauguración de una exposición colectiva Cuatro cuentos, organizado por Gallery Momo en Parkhurst, Johannesburgo. Fue objeto de un tríptico fotográfico y de video titulado ramo (2007), con los hombros desnudos y a la deriva en un fondo negro similar a una piscina. Su boca se abrió y salió de ella una panoplia de racimos florales. Parecía conmocionada, brutalizada, pero inconfundiblemente ella misma. La verdadera Gabrielle Goliath, que asistió al evento de apertura, pasó desapercibida, un detalle difícil de conciliar con la presencia recurrente de la autoimagen de la artista en sus obras basadas en la fotografía.
ramo es un trabajo sobre "abuso e inocencia, y su relación entre ellos", explica Goliat. “Cuando un individuo es sometido a abuso, se canoniza; se vuelven casi santos ”, dice ella. Su uso de su propio cuerpo como sujeto en este y otros dos trabajos en el mismo programa, EKKE y Ek is 'n Kimberly Coloured (ambos 2007), se trata tanto de los significados políticos e históricos del cuerpo, y del cuerpo femenino de color en particular, como de "amor propio y autodesprecio", dice ella. “Todos nos miramos en el espejo por siglos. Hacemos. Estamos profundamente complejos acerca de todo tipo de pequeñas cosas ". Su franqueza introspectiva se equilibra con una fascinación por la extraña conciencia colectiva de Sudáfrica. Su veredicto sobre el estado de la nación: “La psique nacional es un desastre en este momento. Una neurosis colectiva se ha infiltrado en nuestras vidas cotidianas ... Las pausas para el té se gastan meditando sobre las crisis energéticas nacionales y los políticos corruptos; los braais son un foro para polémicas ".
Por su examen crítico de la identidad femenina de color, particularmente en Ek is 'n Kimberly Coloured, una serie de sorprendentes retratos fotográficos basados ​​en el rendimiento, Goliath ha sido comparado con Tracy Rose. Pero donde Rose parece absorber sus personajes de actuación en la vida real, Goliat está lejos de ser la encarnación de algunos de los temas agresivos que retrata. En nuestra reunión en el café Rosebank, su conversación lánguida se desvía entre una discusión sensata sobre su trabajo y una autodisciplina tentativa, puntuada de vez en cuando por un arrastre efímero de un cigarrillo meticulosamente enrollado y delgado.
Antes de embarcarse en una licenciatura en la Universidad de Wits en 2004, Goliat completó un diploma de tres años en diseño de moda. ¿Por qué el movimiento? "Oh, no puedo responder a esa pregunta ... Parecía una progresión natural de hacer. Siempre me interesó la moda insoportable ". Sin embargo, cita los vestidos escultóricos "animatrónicos" del diseñador de moda Hussein Chalayan como inspiración principal, sin embargo, desde que practica arte fino se ha alejado de la escultura y ahora trabaja principalmente en medios bidimensionales basados ​​en lentes. "Comencé muy tradicionalmente en el primer año, mientras que todos los demás estaban muy dispuestos a subirse al carro del video y el arte de performance", dice ella.
Uno de los resultados de su inversión inicial en la pintura es una serie de "pinturas de carne" grizzly, hechas con formaldehído para preservar la carne cruda que untó o empacó en sus lienzos. Le pregunto cómo se encontró con la carne como médium. "Supongo que llegué a este punto de mi vida en el que pensé, ¿qué diablos se supone que debo pintar ahora?" ella responde. "Tantos grandes pintores han pintado el cadáver, y pensé, ¿qué hay de usar la cosa misma?" Asesinato el séptimo es el título del trabajo actual de Goliat en progreso. Esto contribuirá a su maestría en Wits, que pretende completar en 2009. A partir de la escritura criminal del novelista inglés PD James, el cuerpo de trabajo basado en la instalación adopta motivos de historias de detectives genéricos para construir escenas que recuerdan a las creadas típicamente en el juego de mesa Cluedo (el mayordomo, en el conservatorio, con la vela). Al ubicar este trabajo en el contexto de la sociedad sudafricana, Goliat explica que su cita del género whodunit tiene como objetivo exponer un deseo nacional de lo que James llama la "restauración del orden".
Ella deambula de vuelta a su preocupación por la psique nacional y ofrece una lectura a la luz de esta luz: “¿Qué es esta obsesión con los males sociales? ¿Es esto simplemente una fascinación mórbida? ... Creo que no, bueno, al menos no del todo. Más bien es una necesidad y un deseo de resolución, cierre, respuestas ".
en sentido horario desde la parte superior izquierda Gabrielle Goliat, Ek is 'n Kimberly Coloured (panel izquierdo), (panel central), (panel derecho), 2007, impresión de archivo, 78 x 48.5 cm;
Gabrielle Goliat, EKKE, (panel derecho), (panel central), (panel izquierdo), 2007, impresión de archivo, 78 x 48.5 cm.
Anthea Buys es periodista independiente y crítica de arte de Mail & Guardian.

Acerca de Gabrielle Goliath: Nacida en Kimberley (1983), Goliath recibió su diploma en diseño de modas de Witwatersrand Technikon (ahora Universidad de Johannesburgo) en 2003. Actualmente trabaja para completar una maestría en bellas artes en la Universidad de Wits, tiene un doble Licenciatura principal en literatura inglesa y bellas artes. Ganadora de la exposición Art's Alive / JHB City, y ganadora conjunta del Premio Martienssen, ambos en 2007, su trabajo de video, Ramo II, fue preseleccionado para las nuevas firmas de Sasol 2008. Ella participó en Cuatro cuentos, una exposición colectiva comisariada por Thembinkosi Goniwe en Gallery Momo, Johannesburgo.


SOBRE INTENCIÓN Y MÉTODO
LAS FOTOGRAFÍAS CONSTRUIDAS DE HASAN Y HUSAIN ESSOP DIRIGEN MÁS QUE LAS CONTRADICCIONES ENTRE MODERNIDAD Y TRADICIÓN, ISLAM Y EL OESTE, ESCRIBE SHAMIL JEPPIE.
arriba - abajo Hasan y Husain Essop, Thornton Road, Comida rápida, Pasando por,
Entrenamiento de pitbull, todo el 2008, todos los C-lightjet en papel de archivo Fuji Crystal, todos de 70 x 123 cm.
Hasan y Husain Essop son gemelos fraternos, un hecho que tiene una impresión distintiva en su arte. Los hermanos, que estudiaron respectivamente fotografía y grabado en la Escuela de Bellas Artes Michaelis de Ciudad del Cabo, colaboran íntimamente. Su medio es la fotografía en color, radicalmente refundida a través de la manipulación por computadora. La colaboración de la pareja implica su propia apariencia en todas sus imágenes, y muy a menudo las imágenes se dividen a la perfección para reflejar dos lados, o dos seres conectados. Sus imágenes están ocupadas y enérgicas, y uno tiene que mirar de cerca para darse cuenta de que un par de gemelos ocupa el espacio. La unión de lo que son varios disparos separados se logra sin problemas, su trabajo terminado no revela fácilmente su naturaleza fabricada.
El trabajo de Hasan y Husain Essop parece ser una cooperación fraterna sin fallas ni fallas. ¿Es así como comparten y viven la realidad? ¿Es este el amor fraternal de los gemelos, la asociación espontánea y enérgica de los gemelos? ¿Dónde está la rivalidad y la competencia? Estas últimas preguntas se acercan a ser abordadas en el trabajo Pelea de pitbull (2007), que revela las posibilidades de contestación y competencia a través del perro agresivo y difamado a raya. El trabajo es autobiográfico, pero también se trata de un fenómeno más amplio en partes de Cape Flats. En términos más generales, las fotografías de la pareja son sobre ellos mismos como gemelos, al mismo tiempo que hablan sobre aspectos de la vida en Cape Flats, sobre la juventud musulmana contemporánea, sobre las contradicciones de identidad, sobre la religión y específicamente reflexiones sobre sus propios orígenes y pertenencia. A través de sus fotografías, los hermanos parecen estar haciendo preguntas fundamentales que los hombres jóvenes (y mujeres) de su generación, clase y formación comunitaria o religiosa están constantemente presionando y persiguiendo. Juntos podrían verse como parte de un ensayo en desarrollo en el que los Essops exploran sus propias relaciones como hermanos; como hombres jóvenes, conscientes de la marca, de clase media en Cape Flats; como jóvenes musulmanes flotando en un espacio liminal, dentro y fuera de una 'comunidad' y religión mundial que es objeto de un intenso enfoque en los medios y la política contemporánea. Los hermanos reúnen una religión de gran edad y difusión mundial con la cultura pop en su combinación de temas y medios de trabajo (esto puede parecer ofensivo para algunos, particularmente para aquellos que quieren estrechar los límites de la religión y la comunidad). No tendría mucho sentido decir que su trabajo puede leerse en múltiples niveles, lo cual, por supuesto, es el caso de cualquier arte razonablemente bueno. Sus materiales y la forma en que abordan los problemas son frescos, únicos y atraen al espectador a mirar y mirar de nuevo. Dos trabajos recientes merecen pausa: Comida rápida (2008), mostrado en Art Basel a principios de este año, y Thornton Road (2008) En el primero, la cultura pop y el consumo se combinan con un acto de devoción religiosa, mientras que el segundo trabajo yuxtapone el activismo político con marcadores religiosos. Ingeniosamente titulado, Comida rápida presenta a los hermanos en una playa en la costa atlántica; se muestran en varias posiciones de oración, también rompiendo el ayuno durante el Ramadán con la comida rápida de McDonald's.
In Thornton Road, son jóvenes musulmanes en Cape Flats con largas túnicas blancas (llamadas thawbs, jubbas or gallabiyas) y enmarcado en posturas de rebelión o protesta. Pero la imagen dominante es un signo de Coca-Cola y el consumo de la bebida en una parte de la imagen. La rebelión contra el poder, al mismo tiempo que el consumo o la sujeción a las marcas mundiales más famosas es una contradicción central de la política juvenil musulmana, parece estar diciendo este trabajo. Un motivo recurrente en su trabajo, presente también en Thornton Road, es la figura del ángel de la muerte. Sería fácil pasarlo por alto; Esta cifra podría ser mal interpretada fácilmente como otro joven musulmán con una larga túnica con capucha de origen norteafricano. El origen de la figura es incierto, posiblemente derivado de la cultura popular contemporánea, particularmente del cine. Sería simplista leer el trabajo de los Essops como simplemente abordando las contradicciones entre la modernidad y la tradición, el Islam y Occidente, y otros binarios tan fáciles y, hoy en día, perezosamente reiterados. Hacen comentarios muy importantes y cuestionan las subculturas juveniles; están cortando obsesiones y ansiedades sobre aspectos de la práctica religiosa, y al mismo tiempo apuntan a una fe contemporánea en el consumo. ¿Las posibilidades para los jóvenes son fe ferviente o consumo obsesivo? Aquí hay mucha más sutileza en el trabajo, a pesar del color fascinante y el movimiento atrevido que enmarcan estas obras, y de hecho su generoso tamaño.
Será interesante ver cómo estos ensayos visuales proceden a explorar otras contradicciones y problemas actuales. ¿Pueden los hermanos impulsar aún más el uso de la técnica de duplicación sin volverse aburridamente repetitivos o solipsistas? ¿Seguirán sus temas actuales hasta que ellos mismos hayan madurado más allá de ellos? ¿Sería posible para ellos ofrecer una perspectiva posterior a los gemelos en su mundo? Estas son preguntas que tendrán que resolver, pero mientras tanto su trabajo tendrá una tremenda resonancia para muchos públicos a nivel mundial.
Shamil Jeppie es profesora titular en el departamento de estudios históricos de la Universidad de Ciudad del Cabo y asesora clave del Proyecto de manuscrito Tombuctú Sudáfrica-Mali.

Acerca de Hasan y Husain Essop: nacidos en Ciudad del Cabo (1985), los gemelos Essop completaron sus estudios de bellas artes en la Escuela de Bellas Artes Michaelis en 2006. Debutaron sus distintivas fotografías colaborativas en La lente cargada (2007), una exposición fotográfica grupal en el Goodman Gallery Cape. Invitados a participar en la décima Bienal de La Habana (27 de marzo - 20 de abril de 2009), su trabajo ha aparecido en Spier Contemporary (2007-8), una exposición itinerante de premios, y en Art Basel, Suiza (2008).


TIEMPO Y CAMBIO
TRABAJANDO CON PINTURA, COSTURA Y VARIOS MEDIOS LENTES, RESHMA CHHIBA RECIBE UNA GRAMÁTICA ESTÉTICA QUE ES DISTINTAMENTE SU PROPIA Y CÓMODA INTERDISCIPLINARIA, ESCRIBE ROBYN SASSEN.
en sentido horario desde la parte superior izquierda Reshma Chhiba, No despertado, Desenfrenado, Despojado,
Contenido, todo 2008, toda tinta de pigmento sobre papel de algodón, todo 60 x 40 cm.
Rojo y negro. Emergiendo del reciente debut en solitario de Reshma Chhiba, Kali, celebrado en el Art Exra de Johannesburgo en junio, estos dos colores palpitaron a través del plexo solar, dejando una sensación de hematoma. Las imágenes tradicionales de la diosa hindú Kali, también conocida como la diosa negra, reflejan su piel como azul, ofreciendo una clave para la posibilidad de que la violencia en la exposición de Chhiba haya sido metafórica. Mostrar las intimidades de la cultura familiar en el arte contiene trampas peligrosas que descansan en algún lugar entre los hechos y las creencias, vulnerables a contaminarse en la narración. Imbuido en las raíces hindúes de Chhiba, Kali contuvo un universalismo que puso la piel de gallina emocional.
Sentada en su escritorio en la Galería de Arte de Johannesburgo, su trabajo diario, Chhiba no parece ser un intrépido investigador de los horrores y la sexualidad de Kali. Su cabello, una suave masa de rizos de beso, no resuena con el desenfreno de la diosa. Sin embargo, su sinceridad al comprometerse con el trabajo sí lo hace. "Todavía estoy esperando que el sacerdote venga con su tridente para excomulgarme", sonríe. "Mi familia no es estrictamente ortodoxa; si lo fueran, probablemente nunca habría estudiado arte, pero las tradiciones de las que se originan sí lo son".
Chhiba dedicó su primera exposición a su abuela materna. “Era una mujer fuerte, casada a los tres años. Ella era analfabeta. Ella vino a Sudáfrica en sus cincuenta años. Ella murió cuando yo tenía 14 años; Nunca pude conversar con ella. Ella habló Gurajati. Se supone que soy una chica que habla Gurajati, pero no lo soy.
Chhiba habla muchos idiomas, incluido el físico. "Soy profesora de danza clásica india y he practicado Bharata Natyam desde que tenía ocho años". Un video sin título de 2003 combina la gramática de la danza clásica india con el lenguaje de señas tradicional para explicar la violencia contra las mujeres. No hay sonido, se trata de inaccesibilidad. Tienes que leer la gramática de sus cuerpos.
Chhiba me lleva por varios caminos hacia Kali: los mitos y las leyendas la revelan como una fuerza agresiva y aterradora, pero también simbólica. “La lengua extendida es un signo de vergüenza. Ella se para en Shiva, su consorte, por error ”, explica Chhiba. “Kali es la diosa del tiempo. Los 55 cráneos alrededor de su cuello representan los alfabetos sagrados del sánscrito; Sus muchos brazos son sobre desprendimiento. Shiva y Kali juntos representan la vida. La conciencia de Shiva; La energía de Kali.
Lenguas y cabello, flores de loto y gestos, su exposición parece hablar de sexualidad. "Lo hace", coincide Chhiba, "pero eso no es todo". Los cuatro retratos fotográficos invertidos incluidos en el programa son un buen ejemplo. Con reminiscencias del trabajo de la fotógrafa finlandesa Marjaana Kella, las imágenes ofrecen cuatro etapas de la vida de una mujer hindú, usando el cabello como un significante y los códigos de interpretación, desde la niña virginal hasta la mujer casada y la viuda hasta la propia Kali; Las imágenes son ricas en asociación interpretativa. En verdad, la parte posterior de las cabezas es tan reveladora como las caras, pero bastante aterradora, ya que encarnan un desconocido.
Chhiba crea retratos de su madre girando saris en camillas de pintura. Ella representa partes de Kali en trabajos bidimensionales, combinando costuras con polvo de kum-kum y cúrcuma, en su composición espiritual y física. “Kumkum se usa ritualmente. Simboliza la energía femenina, la sangre menstrual. La cúrcuma se trata de memoria y curación. Mi abuela solía hacer medicamentos con ella. También uso carbón molido a mano y cenizas de incienso. Los pigmentos son todos a base de tierra. Se relacionan con la madre, la fuerza que sostiene la vida ". Inevitablemente, su trabajo es físico para hacer. Cosiendo en lienzos masivos, Chhiba no está contribuyendo a la letanía femenina: está bailando.
“En algún momento, lo que estoy haciendo será mal entendido. Mi gente era escéptica acerca de que yo hiciera este grado, pero ahora, esconden sus rostros porque - toco madera - he logrado algo "
Esto ciertamente lo tiene: el empuje de su espectáculo, el que te atrapa y te abraza, es la sofisticación de su visión interna. Al trabajar con pintura, costura y varios medios basados ​​en lentes, Chhiba produce una gramática estética que es claramente suya y cómodamente interdisciplinaria.
Robyn Sassen es Editora de Artes del Informe Judío SA.

Acerca de Reshma Chhiba: Nacida en Johannesburgo (1983), Chhiba posee una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Wits (2003). Ha participado en numerosas exposiciones colectivas, incluidas Mujeres: fotografía y nuevos medios en la Galería de Arte de Johannesburgo (2006) y Monstruos imposibles (2007) en Art Extra; realizó su primera exposición individual titulada Kali (2008), en el mismo lugar. Ganadora conjunta del Premio Martiennsen en 2003, fue seleccionada por el Instituto Goethe para capacitarse y trabajar como mediadora de arte en Documenta12, en Kassel, Alemania. Actualmente está completando su maestría en Bellas Artes en Wits.


FUTUROS TECNOLÓGICOS NOSTALGICOS
LAS INSTALACIONES DE ROWAN SMITH DE MADERA TALLADA, CAJAS DE ILUMINACIÓN E INTERVENCIONES CON TECNOLOGÍA DEFUNCTADA ESTABLECEN UN DIÁLOGO ENTRE LA OBSOLESCENCIA Y EL NUEVO CAMBIO, ESCRIBE NADINE BOTHA.
Nintendo-Marquetry Joystick2 600px
en sentido horario desde la parte superior izquierda Rowan Smith, Extensiones del universo (detalle), 2007, medios mixtos,
dimensiones variables; Rowan Smith, Nintendo Marquetry Joystick 1 (detalle), 2007, chapa de madera y caña,
Dimensiones variables. Fotos: Paul Grose; Rowan Smith, Kraftwerk es eléctrico, 2007, acrílico a bordo, siete
visualización de segmentos y circuitos, dimensiones variables Cortesía de Whatiftheworld / Gallery. Foto: Paul Grose.
Los renacimientos retro-futuristas de Rowan Smith de tecnología obsoleta son tan modernos que parecen haber sido adquiridos en Milnerton Market, el lugar bohemio de venta de botas de Ciudad del Cabo. Pero el trabajo de Smith no se trata de nostalgia; Sus instalaciones de madera tallada, cajas de luz e intervenciones con tecnología obsoleta abordan las nostalgias inherentes a nuestros futuros proyectados.
"El día de hoy se caracteriza por la rápida progresión de la tecnología", explica Smith, un chico algo tímido y de ojos azules que parece encogerse en su keffiyea. “La revolución digital influye en todos los aspectos de la sociedad. Como reacción a tener que actualizar constantemente sus habilidades y conocimientos con respecto a los avances tecnológicos, me interesé en mirar cosas que ya eran obsoletas, y al hacerlo me sentí atraído por esa estética digital muy temprana, de los años 1960 y 70, al mismo tiempo. el tiempo como la carrera espacial ". Las pantallas LED, las perillas grandes, la chapa de madera, los teléfonos de Nintendo y las impresoras de matriz de puntos pueden parecer lo-fi, pero, como explica Smith, lo-fi es relativo a ahora. La gente entonces soñaba con un futuro en el que habría autos voladores y vacaciones en la luna. En cambio, tenemos teléfonos celulares, Hummers y la continua hipérbole de tecnología que no ha satisfecho esas visiones retro del futuro. Smith cita la noción del crítico de arte Harold Rosenberg de que los futuros no están demasiado sobredeterminados, y que hay muchos futuros definidos para que sean constantemente reciclados y reutilizados. Como tal, nuestra concepción del futuro anhela volver a lo que pensábamos que sería posible ahora: es como si nuestra insatisfacción con el presente y sus promesas no entregadas impulsaran la sed insaciable de nuevas tecnologías. Pieza de Smith Bucle de matriz de puntos (2007) atrajo mucho interés cuando se mostró en la Feria de Arte de Johannesburgo en marzo. Una instalación que consta de tres impresoras obsoletas, con la alimentación de papel en un bucle continuo, el chip original en cada impresora ha sido reprogramado para escupir uno de los 50 caracteres humanos al acompañamiento de ese sonido de cerdo de las impresoras matriciales. La salida en el papel es aleatoria e infinita, es decir, hasta que la impresora se atasca o se apaga. Los dispositivos periféricos requieren tradicionalmente computadoras para instruirlos: las impresoras autónomas de Smith hablan claramente de tecnología autónoma. "Estas tres impresoras están intercambiando un bucle de papel, creando este mini mundo que es generativo y se autocompone", dice Smith sobre lo que sucede con la relación hombre-máquina cuando la tecnología comienza a pensar por sí misma.
"La relación sutil entre las personas del bucle siempre es aleatoria y determinada por los impresores, por lo que la tecnología está creando este mundo en lugar de que nosotros creemos un mundo a partir de la tecnología". En un futuro hipotético, los humanos algún día podrían volverse nostálgicos sobre el poder que actualmente ejercen sobre las máquinas; Sin embargo, el trabajo de Smith, con sus tiempos cambiantes, pregunta si la tecnología aún no se ha hecho cargo. Con un vertedero cada vez mayor de tecnología obsoleta, ¿los humanos realmente desean cámaras digitales que detecten sonrisas, o la tecnología impulsa el rejuvenecimiento constante de lo nuevo? Este diálogo entre la obsolescencia y los nuevos cambios siempre recuerda las dudas de Theodore Adorno sobre el arte moderno y cómo "lo nuevo" participó como un mecanismo en la generación de la cultura de masas. "Lo nuevo es el anhelo de lo nuevo, no lo nuevo en sí mismo: eso es lo que sufre todo lo nuevo", escribió, receloso de que los artistas modernos estuvieran devaluando el objeto de arte al borrar constantemente el presente en su búsqueda de la novela. El futuro tecnológico nostálgico de Smith plantea una comparación inesperada con la evolución constante de la noción del artista y el espacio artístico.
"Me fascina la idea del artista en el sentido tradicional y cuánto peso tiene en la sociedad, cuál es la concepción cotidiana de un artista y cómo eso se relaciona con lo que un artista realmente podría ser hoy en día", dice. “Es fascinante ser artista; es tan extraño en términos de la trayectoria de la profesión artística ". Un comentario acorde con su alma mater, la Escuela de Bellas Artes Michaelis, Smith trae lo corpóreo nuevamente al debate a través de su incorporación de la escultura tradicional, el tallado en madera, el fundido, el grabado y la pintura. Aún así, su trabajo en las artes plásticas no se trata de revivir una conexión espiritual, catártica o emocional, sino también de la nostalgia asociada.
“Disfruto el hecho de que esa percepción está ahí para mucha gente, que la gente piensa que ahora está impregnada de significado porque mis manos lo lograron. Sin embargo, personalmente no invierto en la noción. Si bien puedo respetar la habilidad, en términos de dar más o menos significado a una obra de arte, no hace la diferencia ".
Nadine Botha es una escritora y editora de la revista Design Indaba con sede en Ciudad del Cabo.
Acerca de Rowan Smith: Nacido en Ciudad del Cabo (1983), Smith se graduó de la Escuela de Bellas Artes Michaelis de Ciudad del Cabo, donde recibió el Premio Michaelis al mejor estudiante graduado en 2007. Ha participado en numerosas exposiciones grupales, incluyendo Todavía no es famoso: a nadie le gusta nada (2006) en la Galería Whatiftheworld y picnic (2003) en la galería BellRoberts (bajo el seudónimo de colaboración "Clive Murdock"). Presentó su primera exposición individual en la Galería Whatiftheworld de Ciudad del Cabo en agosto de 2008. Su obra está representada en la Colección Hollard, Johannesburgo.