Yo / No Yo

En los felices días del vinilo, el álbum doble era el favorito de las bandas que querían explorar sus ideas con más profundidad de lo que permitía el álbum sencillo estándar de una hora. El álbum doble tenía una desventaja, que a menudo indicaba el infeliz triunfo de la arrogancia sobre el contenido.

En los felices días del vinilo, el álbum doble era el favorito de las bandas que querían explorar sus ideas con más profundidad de lo que permitía el álbum sencillo estándar de una hora. El álbum doble tenía una desventaja, que a menudo indicaba el infeliz triunfo de la arrogancia sobre el contenido. Por lo tanto, es un alivio encontrar que las habilidades curatoriales de David Brodie no se ven obstaculizadas sino extrañamente agudizadas por la expansión de su reciente extravagancia en dos partes, que se prolongó durante dos meses y medio. Brodie dice ser galerista, no curador. Solo es él siendo tímido. Self / Not-self es claramente el producto de un impulso curatorial estrechamente enfocado, más que el trabajo de un comerciante. De hecho, solo un proceso de pensamiento muy claro podría haber mantenido unido este ambicioso proyecto, que se acercó mucho más a algo como Personal Affects, que Brodie co-comisarió en 2004, que a una oferta de galería comercial estándar. cuestiones relacionadas con la autorrepresentación. El primero tomó la ruta de mostrar autorretratos directos, el segundo se ocupó de imágenes que problematizan las nociones del yo. Una comparación clave sería el autorretrato a lápiz y tinta de Tracy Payne del primer espectáculo, visto contra el dúo de actuación Sober & Lonely's The Wanker (2008) de la segunda parte. En el autorretrato de ensueño de Payne, un territorio familiar, el artista como pensador pensativo, está en juego. En la imagen de Sober & Lonely, se despliega un juego mucho más estratificado con la identidad, ya que Lauren von Gogh, vestida con una indumentaria masculina intencionalmente mala, repleta de un paquete falso impresionante, se hace pasar por un acosador-masturbador. 2008), que fusiona lenguajes visuales tan dispares como la iconografía cristiana y las fotografías de tortura de la Bahía de Guantánamo, permite que el yo se convierta en un lugar de proyección. El elaborado tocado de Searle, un velo adornado con flores negras, trabaja para borrar la identidad, aumentando así la sensibilidad del espectador hacia ella. Esto concuerda, al menos en algún nivel, con tres combinaciones de imagen / texto de Wilhelm Saayman, cuyo frecuente despliegue de tácticas de sarcasmo, ironía amarga y humor a menudo dificultan la localización del yo. Para Saayman, el yo parece ser una colección de observaciones que, cuando se ven juntas, comienzan a acumularse en un todo que abarca la fragmentación y la falta de cierre. Lo bueno de los dos programas es que, entre toda la selección cuidadosa y el ensamblaje metódico de un argumento curatorial, también hay algunos verdaderos éxitos. El epigramatismo de Richard Penn titulado El eco distante del color de la voz (2009), un dibujo a tinta en la línea de los dibujos de Colin Richards, es un trabajo de este tipo, aunque de manera tranquila. La densa matriz de marcas imposiblemente controladas da la más leve sugerencia de una imagen, una que sigue escapándose de las manos. Esta imagen se acerca más a dar forma a la declaración de Mark Rothko, reproducida en la pared de la galería como punto de entrada: “No me expreso en mis pinturas. Expreso mi no-yo ”. Los numerosos trabajos de Penny Siopis en el segundo programa nos recuerdan que, dado que su enfoque se ha desplazado de manera más decisiva hacia lo personal en los últimos años, se ha convertido en una de las voces sudafricanas más autorizadas en el arte sobre el yo. . De las obras de la segunda muestra, Beast (2009) es la más memorable, posiblemente porque su escala rompe con las aparentes limitaciones autoimpuestas de Siopis sobre el tamaño de los últimos años. Aunque ciertos aspectos de las dos series se sacudieron, como la expresión de una nueva ortodoxia de las impresiones fotográficas de formato medio (Searle, Pieter Hugo, Lunga Kama, Zanele Muholi), y Iqinile, Bhaxa e Ikhiwane de Nicholas Hlobo, un conjunto de esculturas de muebles de salón que se parecen demasiado a los recauchutados perezosos de las ideas de Steven Cohen, Un par de espectáculos crea una nueva marca de aguas altas para la escena de Johannesburgo. Uno se pregunta dónde más se puede encontrar este tipo de delicadeza en un espacio comercial. Michael Smith es artista y editor en jefe de
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