La metáfora del jardín - 'Reserva' en Salon91

Cathy Layzell habla sobre jardines y jardinería, el concepto políticamente cargado de reservas y la fuerza impulsora detrás de su última exposición, 'Reserve', actualmente en exhibición en Salon91.

Cathy2Cathy Layzell, Reserva III, 2017. Óleo sobre lienzo, 1300 x 1600 mm.

ARTAFRICA: Ha recibido tutoría con artistas como Francis Pratt y Gary Wragg, ambos pintores de éxito afincados en Europa. ¿Qué influencias han tenido en su práctica actual?

CATHY LAYZELL: Mi formación con Francis y Gary me proporcionó un vínculo vivo con la tradición colorista europea. Estaba interesado en investigar el color y la abstracción y Francis me invitó a pasar el verano trabajando en su escuela de pintura en Castelnau de Montmirail en el suroeste de Francia en 2003. Gary Wragg fue un artista invitado de Londres. Su tutela estimuló preguntas e ideas, especialmente sobre el color en la pintura, que me han encaminado hacia la vida.

Como antiguo académico, Francis había investigado los procesos cognitivos que subyacen al dibujo y la percepción del color. Su enseñanza integró prácticas artísticas tradicionales con ideas de la ciencia sobre cómo los artistas usan el sistema visual al dibujar y pintar para entrenar su memoria. Aprendí enfoques prácticos del color que utilizo para crear una sensación de luminosidad y profundidad pictórica en mi trabajo.

En 2008, hice un taller con Gary en la antigua casa y estudio de Matisse, Villa La Reve, en Vence, cerca de Niza. Discutimos las similitudes y diferencias entre el uso de Matisse y Bonnard del color complejo y el espacio de la imagen, y aprendí sobre el arte de colocar capas de color, contrastes de color y espacio entre colores y bordes de color.

Cathy5Cathy Layzell, biosfera, 2017. Óleo sobre lienzo, 1700 x 1700 mm.

En la declaración de su artista, compara su papel como artista con el de un jardinero, tratando de lograr un equilibrio entre el cultivo controlado y el crecimiento sin restricciones. ¿Puede ampliar esto y cómo retrata esta noción en su trabajo?

Para mí, la jardinería es una gran analogía para comprender el proceso creativo. Los jardines requieren una cuidadosa planificación e investigación, tiempo, diseño efectivo que considere la estética, la ética y la funcionalidad. Un maestro jardinero puede pensar en todo el jardín y prestar atención a los detalles. La jardinería es técnica. Requiere mucho trabajo duro y hábitos constantes y, a menudo, se trata de aprender de la manera difícil a través de prueba y error.

Como jardinero, primero buscas inspiración para el tipo de jardín que deseas, luego diseñas el espacio, y solo entonces compras tus plantas y semillas y preparas un ambiente que apoyará el crecimiento de las plantas. Cada temporada trae diferentes condiciones climáticas, oportunidades para experimentar y nuevas variedades para sembrar. No es del todo un papel de dominación y control, ya que las plantas tienen sus propios patrones impredecibles de crecimiento y formas de sobrevivir en la naturaleza.

Como artista, usted elige su tema, reúne material de origen e inspiración, establece un marco que permitirá que se produzca una expresión sin restricciones. Una pintura, como un jardín, es un marco autoconsciente con fronteras definidas. Dentro de ese marco, hay una danza constante entre la toma de decisiones y la planificación y permitir que la intuición se haga cargo y dirija el pincel.

Cathy4Cathy Layzell, Reserva I, 2017. Óleo sobre lienzo, 1200 x 2200 mm.

Cuerpos de trabajo anteriores, como Expulsión del jardín, explora la compleja relación entre la humanidad y la naturaleza, donde el impulso de moldear, domesticar y controlar el mundo natural existe junto con el deseo de ceder a su naturaleza salvaje y su peligro. ¿Cómo puede empezar a expresar y traducir visualmente tales nociones?

La metáfora del jardín está particularmente cargada. Como dice el bioético Gregory Kaebnick, “un jardín no es un lugar ético. La vida y la muerte ocurren a capricho de un jardinero. Plantar o cortar, cuidar o matar, incluir o excluir: es un ejercicio de voluntad moralmente libre, muy bien en un patio trasero, pero que requiere límites tanto literales como filosóficos.

Como pintor, sigo el impulso de dar forma, domesticar y controlar el proceso creativo tomando decisiones conscientes sobre el material de origen, la imagen, la escala, la superficie y la paleta. A partir de ese momento me entrego al proceso de pintura que es impredecible.

Para este cuerpo de trabajo, trabajé a partir de imágenes fotográficas digitales de paisajes forestales. Haciendo zoom en los detalles, luego traduje las motas de luz de colores en lienzos negros planos. Este proceso condujo a una abstracción meditativa en la que comencé a utilizar fragmentos de color mínimos para definir los espacios negativos, dejando así al espectador completar la imagen en su cerebro.

El sistema visual está programado para agrupar fragmentos aparentemente no relacionados de un solo objeto. Cuando los fragmentos correctos encajan en su lugar, ocurre el reconocimiento y sentimos un gratificante "ajá" que es el sistema límbico, en efecto, diciendo 'aquí hay algo importante. Presta atención'. El cerebro solo necesita algunas referencias diversas para construir una imagen a partir del banco de datos visuales. Imagina un tigre escondido detrás del follaje. Lo único que recibe el ojo son unos pocos fragmentos de tigre amarillentos, pero su sistema visual asume que todos estos fragmentos no pueden ser iguales por coincidencia, por lo que los agrupa para ensamblar el objeto y prestar atención.

El placer que el cerebro encuentra en el reconocimiento de patrones y la formación de imágenes tiene en última instancia su base en la evolución, ya que nuestras respuestas visuales y emocionales a los estímulos ambientales evolucionaron para mejorar la supervivencia de las especies. En mi práctica de pintura, he estado investigando las señales visuales que la naturaleza desencadena en nosotros. Mi trabajo comienza como una meditación sobre las imágenes de la naturaleza que me han llamado la atención. Al extraer abstracciones y reflejos, puedo estimular las vías visuales que usa el cerebro durante el reconocimiento. Al hacerlo, accedo a mi afinidad subconsciente y mi relación con la naturaleza.

Cathy1Cathy Layzell, Garganta del esqueleto, 2017. Óleo sobre lienzo, 1200 x 800 mm.

¿Puedes contarnos cómo llegaste al título de tu próxima exposición individual? Reservaciones?

Mi exposición anterior exploró el arquetipo de "desierto" que se extiende profundamente en nuestro inconsciente colectivo. El uso retórico de "desierto" tiene, de hecho, un giro irónico, ya que el desierto como entorno natural existe más en la historia y la imaginación que de hecho. Con la desaparición de la mayor parte de los bosques primitivos, sólo hemos dejado lo que se llama, de manera oximorónica, "parques" o "reservas" silvestres.

Como explica el profesor Peter Britz, “las reservas están destinadas a conservar la naturaleza de manera representativa y mantener la biodiversidad. Pero la realidad es que son cada vez más reliquias de cómo se veían los ecosistemas antes de que los humanos se convirtieran en dominantes. Pero a nivel psicológico, los seres humanos son productos de una naturaleza prístina con la que co-evolucionamos durante cientos y miles de años con el miedo a los depredadores, una afinidad por ciertos tipos de refugio y cobertura forestal, agua y caminos. Aunque nuestros padres ya no nos entrenaron para vivir y sobrevivir en la naturaleza, tenemos una afinidad instintiva por ella, que sentimos en reservas. A menudo nos sentimos vacíos rodeados por el asfalto y el cemento de la ciudad. La naturaleza, incluso en la forma altamente artificial de los parques urbanos, contribuye a una sensación de bienestar ”.

El paisaje que vemos hoy está muy alterado, aunque bastante verde y hermoso en algunos lugares. Lo que queda de los ecosistemas prístinos y "silvestres" se limita cada vez más a las "reservas".

Cathy3Cathy Layzell, Reserva II, 2017. Óleo sobre lienzo, 1500 x 1800 mm.

En su declaración de artista para Reservaciones, usted menciona que una reserva también puede ser considerada como un concepto sociopolítico muy cargado. ¿Cómo es eso y cómo lo transmite en sus pinturas?

El concepto de Reservas encarna argumentos que se han filtrado a través de los discursos de conservación durante las últimas dos décadas. La relevancia de las 'reservas' para la sostenibilidad se ha vuelto cada vez más cuestionada. Se acepta cada vez más que los 'conservacionistas' tendrán que pasar de una mentalidad de guardabosques que ve a las 'reservas' como 'reservas' que excluyen a los humanos, a adoptar un enfoque más holístico de 'desarrollo sostenible' que acepte a los humanos como parte del ecosistema.

Las reservas también tienen un lado políticamente oscuro en los países coloniales, ya que los pueblos indígenas a menudo han sido desplazados o asesinados por los colonizadores para preservar la naturaleza.

En un mundo cada vez más dominado por paradigmas tecnológicos y económicos, el medio ambiente es una consideración tanto económica, política y cultural como innatamente natural. Al igual que los bíblicos Adán y Eva, reposicionándose en un peligroso paisaje posterior al Edén, ahora somos responsables del "destino" del Edén, ya sea como destructores o administradores de la naturaleza.

Mi trabajo investiga la difuminación de los límites entre la naturaleza y el artificio y lo que significa ser un ser consciente de sí mismo en un mundo así.

'Reserve' está actualmente en exhibición en Salon91 y estará en exhibición hasta el 1 de abril de 2017.