Boletín AA 7 de julio Amanza1

'Creación de mitos, cambio de espacio': ruby ​​onyinyechi amanze sobre hibridación, 'africanidad' y papel

Mito, memoria, folclore, historia: todos territorios potentes de intersección entre la verdad y la mentira. ¿Se pueden separar? ¿Deberían serlo? Es realismo mitológico ¿La última carta de amor a la naturaleza híbrida de nuestras vidas modernas, constantemente girando y cambiando de forma nebulosa, una y otra vez? La obra del artista ruby ​​onyinyechi amanze trepa directamente a estos espacios de ambigüedad y se deleita en la libertad de jugar indefinidamente, con forma, carácter y lugar. ARTE ÁFRICA habló con amanze sobre su práctica, su creación de mitos personales y lo que significa para ella ser una artista "africana" en la actualidad.

Boletín AA 7 de julio Amanza1ruby onyinyechi amanze, de cualquier manera, estarás en un grupo de algo, 2015. Grafito, tinta, fototransferencias, 101.6 x 152.4 cm. Todas las imágenes cortesía del artista.

ARTE ÁFRICA: Naciste en Nigeria, creciste en Inglaterra y en un suburbio de Filadelfia, y estudiaste en Cranbrook Academy en los EE. UU. ¿Cómo ha influido la vida en estos lugares tan diferentes en tu enfoque sobre la hibridación, la identidad y el desplazamiento cultural en tu trabajo?

ruby onyinyechi amanze: Sí, he vivido en muchos lugares diferentes y esa ha sido una gran parte de donde surgió inicialmente mi interés por el desplazamiento espacial y la hibridación. Personalmente, no me siento desplazado. Términos como ese me parecen tener una connotación negativa sutil que sugiere ser desarraigado contra la voluntad de uno, o cierto quebrantamiento o incompletitud. Sin duda, existe una marca única de identidad que resulta de ser de muchos lugares, pero no es necesariamente sinónimo de trauma de identidad. Especialmente a medida que pasa el tiempo ... en este punto, un británico nigeriano es una vieja noticia, ¡hemos estado haciendo esa transición e hibridando de esa manera durante décadas!

Muchas de las cosas que influyen en mi trabajo tienden a lidiar con el cambio de espacio de alguna manera. La arquitectura, tanto en el espacio de dibujo bidimensional como en proyectos construidos, es un ejemplo de esto. Después de la escuela de posgrado, contemplé volver a estudiar arquitectura porque siempre me ha gustado. Los arquitectos juegan con milímetros, ángulos y líneas… pero también con la emoción, y cómo mover y construir energía dentro de un espacio. Es calculado e intuitivo a la vez… ese equilibrio me intriga y las posibilidades parecen infinitas. Por razones similares, la película, la danza y el movimiento - como lenguajes - me influyen; la forma en que un director o coreógrafo piensa visualmente sobre el espacio. La libertad y el juego (el juego en muchas formas es un tema constante en mi práctica) de formas de baile como Gaga.

Actualmente, mi trabajo se trata más de usar los personajes que he inventado para jugar, para crear y manipular espacios… y también para sugerir una historia que puede o no ser real.

Boletín AA 7 de julio Amanza2DE IZQUIERDA A DERECHA: ruby ​​onyinyechi amanze, Puenteado [el océano solo ama, nunca se divide], 2015. Grafito, tinta, fototransferencias, lápices de colores, 127 x 96.52 cm; ruby onyinyechi amanze, Bautizado (los demás están contigo siempre), 2015. Grafito, tinta, fototransferencias, esmalte, 127 x 96.52 cm.

¿Qué crees que permite la abstracción en tu trabajo que quizás las formas figurativas no permitan? ¿Y puedes contarnos sobre el papel del mito en tu trabajo?

Estoy emocionado con esta pregunta. Desde la escuela de posgrado (2004-2006) hasta alrededor de 2012, no hubo cifras en mi trabajo en absoluto. Trabajaba enteramente con abstracción y no representación. El trabajo consideró cosas similares, específicamente la arquitectura, el espacio y la memoria y la psicología del hogar, pero usé símbolos como sustitutos de las personas.

Todavía estoy muy interesado en la abstracción, en particular el medio ambiente, la textura y la superficie. Vengo de un fondo textil y me acerco al papel con sensibilidades visuales y de proceso similares, de estratificación y evidencia de la mano. La abstracción hace el espacio. Los personajes lo ocupan. He pensado en cómo sería el trabajo sin ellos (los personajes). En algún momento, estoy seguro de que me dejarán y está bien, el trabajo siempre evolucionará. En este capítulo, los disfruto. Disfruto dibujándolos y pensando en lo que harían o no harían. No se trata solo de cambiar de espacio, también se trata de jugar. Los espacios, en sí mismos, no juegan. Los personajes lo hacen.

Soy un narrador de historias y la mitología es algo en lo que pienso mucho. Cómo las historias surgen como una combinación de realidad y ficción. Incluso las historias "verdaderas" poseen cierta cantidad de falsedad. Es una parte inevitable del proceso de percepción, que subconscientemente considera el contexto, la historia, el tiempo, la emoción, etc. La mitología y el folclore están tan llenos de estas cosas. Las historias pueden parecer simples, pero en realidad son una acumulación de muchas voces y años de percepción, imaginación, simbolismo y realidad.

Tomemos, por ejemplo, la sirena o el tritón (hay un personaje en mi trabajo llamado Merman): una criatura mitológica que tiene siglos de antigüedad y encuentra variaciones de sí misma en numerosas narrativas culturales de todo el mundo. En general, pertenece a la categoría de espíritus del agua, no muy diferente al infame Mami Wata, que se encuentra en varias religiones tradicionales de África Occidental y el Caribe. Para mí, Merman inicialmente surgió de pensar en personas en la región del río Níger-Delta de Nigeria que a menudo se refieren a sí mismos y a sus culturas como 'ribereños' (o que vienen del agua). Tendemos a pensar en la identidad geográfica como una conexión con la tierra, pero para algunos, esa identidad está conectada con mayor precisión al agua. A partir de aquí, investigué narrativas de personas o criaturas que 'vienen de' o pertenecen al agua. La mitología tiene todo tipo de narrativas, todas listas para ser interpretadas y narradas. Incluso las narrativas contemporáneas o de la cultura pop, de alguna manera, son mitologías en ciernes. No hace falta decir que sigue siendo un punto de retorno activo para mí en el trabajo.

Boletín de AA 7 de julio Amanze4ruby onyinyechi amanze, detalle de Puenteado [el océano solo ama, nunca se divide], 2015. Grafito, tinta, foto transfer, lápices de colores, 127 x 96.52 cm.

Con algunos de tus personajes recurrentes identificados como partes de tu personalidad, por ejemplo, el Alien se describe como un alter ego, ¿cómo navegas dibujando desde una narrativa profundamente personal y creando trabajo para un mercado de arte?

Creo que como artistas, nuestro punto de partida es, la mayoría de las veces, un lugar personal. Extraemos de lo que sabemos, consciente o inconscientemente. Lo que me entusiasma del arte es su capacidad para evolucionar más allá del individuo. El trabajo no se trata de mí, a pesar de que comienza con exploraciones personales. ada el Alien como alter ego se siente como un comienzo lejano para ella (ahora) como forma. En los primeros dibujos de ella, representaba un aspecto de mí, pero las razones por las que era necesario ya no existen. Ahora, ella es un personaje como el resto de ellos. Ya no la dibujo y me veo a mí mismo.

En términos de narrativa personal, creo que hay una humanidad que trasciende el tiempo, la cultura y la etnia. Creo que hay historias que se comparten… no son exactamente iguales… los detalles están matizados; pero la esencia de mi historia híbrida, por ejemplo, no me pertenece solo a mí. Recuerdo sentirme así cuando leí la novela de Chimamanda Ngozi Adichie Americanah. Reconocí la 'voz' con la que habló y aprecié que, una historia de hibridación se estaba contando y haciendo visible para 'nosotros'.

No estoy contando una historia de la que me sienta dueño, ni estoy expresando algo que siento que es profundamente personal. Ni siquiera estoy contando una historia, al menos no concreta. Simplemente sugiero una historia, una 'historia' muy fluida, no lineal y en su mayoría inventada. Algunos elementos son personales. Por ejemplo, la apertura del espacio sin pistas a una ubicación singular proviene en parte de una mentalidad (o relación) que tengo con el espacio, como una persona que se ha movido mucho. Pero también se trata solo de decisiones formales. Cuando las personas se conectan con el trabajo, es porque pueden acceder a él, relacionarse con él y verse reflejados en él. Y la única forma en que eso es posible es si yo, como artista, creo espacio.

Preguntaste sobre la creación de obras para el mercado del arte. Nunca lo pienso de esa manera… que estoy haciendo trabajo para el mercado. Si ese fuera el caso, dictaría o influiría en lo que hago en el estudio, y no es así. El estudio y el mercado son dos espacios completamente separados y tengo mucha intención de mantenerlo así. Estoy agradecido de tener acceso para vender mi trabajo en ciertos foros, así que de ninguna manera estoy negando mi participación en el mercado. Pero hago el trabajo por dos razones principales: primero y principal, por el puro placer de hacerlo, y segundo, para contribuir a una conversación que pueda vivir más allá de mí. Por esta última razón, el mercado parece ser un aspecto inevitable de cómo sucede eso y aunque no me sirve de nada resistirme, sí me sirve para asegurarme de que no cambie el trabajo que hago. Siempre haré el trabajo que quiero hacer y si alguien quiere comprarlo después de que salga de mi estudio, entonces genial.

Boletín AA 7 de julio Amanza3ruby onyinyechi amanze, Kinfolk, 2015. Grafito, tinta, fototransferencias, lápices de colores, esmalte metalizado, 127 x 96.52 cm.

Ha sugerido que el papel es uno de los medios más efímeros e intangibles. ¿Cómo se cruza el uso del papel con su proyecto para celebrar su hibridación?

Amo el papel Siempre tengo. Estudié textiles en la licenciatura y luego volví a trabajar en papel en la escuela de posgrado. Se sentían similares, papel y tela. Como máscaras que contienen información ... esa información o memoria se puede enterrar dentro. Además, me atrae su fuerza frente a su temporalidad, impermanencia y fragilidad. Hay papeles que han perdurado bastante intactos durante siglos. ¿Fibras de pulpa entretejidas que se pueden rasgar o arrugar fácilmente, que se desintegran continuamente, pero aún están presentes? Eso es sorprendente para mí y parte de la razón por la que amo tanto el papel, porque se siente vivo. No es un comentario temático. Es más una elección material y estética.

No creo que esté celebrando la hibridación. no soy no celebrarlo, pero se siente demasiado centrado en torno a un 'mensaje' (mi trabajo es más una lectura abierta ...) para que pueda abrazar completamente la noción de celebrar algo. Eso fue más exacto en los dibujos de hace unos años. Solía ​​hablar de los espacios intermedios en mis dibujos como "válidos", "auténticos" e incluso "ventajosos". En ese momento, necesitaba reclamar eso para mí.

La hibridación se siente, en este punto, tan arraigada como mi normal que no es necesario que le preste especial atención. Es casi un 'lo que sea' o una parte arbitraria de mi identidad. Fácilmente podría haber nacido en Ghana, mudarme a Francia y luego a Canadá. ¿Por qué importa? Me pregunto cuándo dejaremos de aislar al 'otro' para bien o para mal. Creo que la atención o la celebración, de esa manera, es similar al exotismo y no me interesa exotizarme a mí ni a nadie más.

Boletín de AA 7 de julio Amanze5ruby onyinyechi amanze, detalle de Bautizado (los demás están contigo siempre), 2015. Grafito, tinta, fototransferencias, esmalte, 127 x 96.52 cm.

¿Cómo se relaciona con su africanidad como artista de la diáspora y se considera un 'artista africano'?

¿Qué es la africanidad? No estoy tratando de ser contrario, pero en realidad, ¿qué queremos decir (todos nosotros) con eso? Cada vez más, se me dice, o se destaca en relación con mi práctica, que soy de África. No es mentira, absolutamente lo soy. Y estoy igualmente orgulloso e indiferente al respecto. Pero, ¿cuál es la conversación después de que hacemos esa distinción? Soy de África, ¿y ahora qué?

La verdad es que sé poco sobre "africanidad". Ninguno de nosotros lo hace. Es un concepto general que intenta abarcar y minimizar cosas que son demasiado vastas para ser medidas. Es romántico, a veces sexy, intrigante… y por supuesto comercializable. He visitado un puñado de ciudades en solo cinco países africanos, y cada país tiene desde un puñado de idiomas hablados hasta más de trescientos. Cada país tiene sus propias historias y una pluralidad de historias y culturas. No voy a resumir esas experiencias para aplicarlas a un todo con el que tengo poca o ninguna relación. Por supuesto, reconozco que existen muchos paralelismos entre las culturas africanas, pero también debemos verlos como entidades distintas. Y quizás hablemos de manera más amplia sobre cómo compartimos una masa continental y la humanidad.

¿Cómo sería si se les preguntara a los artistas blancos sobre su 'europeidad' o 'americanidad'? ¿Puedes imaginar? ¿O la alternativa es que ninguno de nosotros necesita ser definido y podríamos simplemente hablar sobre el arte?

Soy africano, por lo que, según algunos contextos válidos, soy un artista africano. También soy un artista que usa jeans y le gusta correr como deporte. ¿Vale la pena mencionar estas clasificaciones? Más específicamente que ser africano, soy nigeriano y, más específicamente, tengo una relación personal y localizada con Lagos (que está a nueve u once horas de mi hogar étnico). Hay poca discusión sobre lo micro cuando hablamos de 'África'. Para mí es importante, por razones muy personales, mantener conexiones, ser visible y participar en la configuración de la conversación sobre el arte en África.

Sin embargo, lo que no haré es limitar la conversación de mi trabajo a la geografía continental. No suscribiré singularmente nada que no tenga sentido para mí si la obra solo puede vivir dentro de los parámetros del "arte africano contemporáneo". Si ser un 'artista africano o nigeriano' significa que estoy excluido de ser un artista que dibuja en papel ... o piensa en arquitectura y diseño ... o tiene una estética mínima ... o está interesado en el juego y el movimiento ... entonces ser un 'africano artist 'es una limitación que no estoy dispuesto a adoptar.

Por último, dado que las ferias de arte se centran cada vez más en la producción artística y cultural de África y la diáspora, ¿ha observado personalmente alguna diferencia en su recepción en el norte y en el sur?

Realmente no. Cuando trabajaba en Nigeria, era evidente para mis estudiantes y compañeros que mis lenguajes visuales se cultivaban en otros lugares. Había una estética, en términos muy generales, que no se sentía 'nigeriana'. Pero eso no fue una sorpresa, ni se convirtió en un factor de separación u obstáculo.

Tengo sentimientos encontrados sobre el enfoque actual de las ferias de arte en África y su diáspora. Creo que la visibilidad que está brindando a artistas como yo es, en general, algo positivo. Si esa exposición conduce a algo más, algo más globalmente inclusivo y sostenible, entonces genial. Y si esa exposición significa participar en cambiar una conversación bastante rancia, entonces necesitamos más. Pero, por otro lado, a menudo se siente como una tendencia pasajera y las tendencias artísticas tienden a carecer de un enfoque curatorial. Nadie hace preguntas ni hace conexiones. Simplemente nos están agrupando a todos.

Este artículo se publicó por primera vez en la edición de junio de 2016 de ARTE ÁFRICA revista, 'The North American Issue'.