Maestros que necesitamos dominar

António Ole y Tapfuma Gutsa

En un artículo publicado en el Wall Street Journal Al cubrir la muy publicitada sección de arte africano de Armory Show en 2016, Kelly Crow intentó el siguiente análisis de los catalizadores del arte africano contemporáneo:

“Los coleccionistas dicen que ahora están examinando más de cerca el arte africano contemporáneo porque toda la escena del continente está haciendo una ruptura sísmica con la tradición. Poco de esto toma prestado de los tropos visuales tradicionales de África: 19th Figuras de madera talladas del siglo, trajes de rafia y cestas tejidas que alguna vez se consideraron primitivas pero famosas por artistas modernos como Picasso ".

António Ole, Sobre o Consumo da Pílula, 81 x 64,8cm. Cortesía del artista.António Ole, Sobre o Consumo da Pílula, 81 x 64,8cm. Cortesía del artista.

Si bien están equivocadas, declaraciones como ésta no pueden descartarse a la ligera. Es parte de una narrativa dudosa suscrita por muchos marchantes de arte ansiosos por que sus jóvenes estrellas emergentes encajen en los discursos internacionales y los presupuestos de los coleccionistas de arte contemporáneo.

Tal deseo de elevar el arte contemporáneo en el continente negando el pasado, no solo tiene defectos en los hechos, sino que afecta la historia del arte en el continente. Así como la continuidad de la tradición que ha apoyado y nutrido el arte emergente. Además, al observar los movimientos en el mercado del arte, ya no está sincronizado con la evolución del mercado.

Para aquellos que han investigado, parecería que no hay un cambio sísmico en el desarrollo del arte en todo el continente, sino un desarrollo firme sobre los cimientos existentes. El trabajo de El Anatsui, según él mismo admite, está profundamente arraigado en las tradiciones textiles de su Ghana natal y esto ha inspirado a una multitud de artistas emergentes locales como resultado. Numerosos artistas jóvenes del continente basan su práctica en tradiciones de objetos encontrados, que se remontan a siglos más que a descubrimientos del modernismo francés. El tejido de Nnena Okere e Ifeoma Anyoji tampoco es un cambio sísmico y tampoco lo es la práctica de los muy jóvenes. La fotografía de Aida Muluneh puede rastrear su genealogía tanto a los iconos cristianos etíopes. Además, el trabajo de Troy Makaza aplica el tejido y la narración de historias que son completamente indígenas y tradicionales, aunque usa silicona industrial e importada.

Tapfuma Gutsa, The Cypher, 2002. Búfalo de agua, cuerno y granito, 107 x 31 x 30 cm. Cortesía del artista.

Tapfuma Gutsa, El cifrado, 2002. Búfalo de agua, cuerno y granito, 107 x 31 x 30 cm. Cortesía del artista.

Los artistas emergentes no nacieron de forma aislada. No debemos ignorar a la generación que ha venido antes, en busca de la próxima novedad joven y atractiva. Esta búsqueda ha caracterizado el auge del arte contemporáneo y coincidió con la preeminencia del arte emergente a nivel mundial. Parecería que en un continente de más de mil millones de personas, solo tenemos un puñado de artistas de las generaciones anteriores, ya que nuestro enfoque ha estado en otros lugares.

Sin embargo, si no nos hacemos más conscientes de esto, el sector del arte contemporáneo africano no solo se verá afectado, sino que también perderá la sincronización con el mercado mundial del arte. A partir de 2016, el entusiasmo de los coleccionistas internacionales por los artistas jóvenes se ha enfriado drásticamente. En cambio, estamos viendo una reevaluación de los artistas de la generación anterior. Se consideran opciones de inversión más seguras y valiosas. Estos artistas, a diferencia de sus colegas más jóvenes y en desarrollo, tienen experiencias ricas adicionales. Muchos han vivido el colonialismo, el apartheid y las guerras de independencia. Han perseverado para construir cuerpos de trabajo sustanciales e importantes listos para ser descubiertos.

Hacerse cargo de la narrativa de la historia del arte contemporáneo de África significa reconocer esta historia y fortalecer su visibilidad. En un esfuerzo por restablecer este equilibrio, hemos comenzado una serie centrada en el coleccionista, que perfila a los artistas de la generación anterior, quienes, en nuestra opinión, son fundamentales para la historia del arte en el continente. Para nosotros, estos artistas merecen ser descubiertos y redescubiertos, así como el apoyo institucional, curatorial y de coleccionistas. Durante los próximos 12 meses, cada número de Collector contará con dos artistas destacados de todo el continente.

Tapfuma Gutsa, Tribute to Sango, 2002. Huevos de granito y avestruz. Cortesía del artista & October Gallery.Tapfuma Gutsa, Homenaje a Sango, 2002. Huevos de granito y avestruz. Cortesía del artista y October Gallery.

Tapfuma Gutsa

Nacido en 1956 en Harare, Zimbabwe.

Vive y trabaja en Murehwa, Zimbabwe.

No es posible pensar o imaginar el arte contemporáneo de Zimbabue sin Tapfuma Gutsa. Podría decirse que Gutsa es el primer artista contemporáneo de Zimbabwe. Habiendo comenzado a formarse en escultura en piedra a una edad temprana, Gutsa logró eludir las tendencias paternalistas de las ambiciones de Frank McEwan por la escultura en piedra y se convirtió en el primer receptor de un premio del British Council en Zimbabwe para estudiar en la London School of Art. Inglaterra (1982-1985). Así comenzó la prolífica carrera de alguien impulsado por el espíritu de independencia y experimentación, combinado con un profundo respeto por la tradición. A lo largo de las décadas, Gutsa ha trabajado con una amplia gama de materiales, desde la piedra hasta la cerámica y la madera hasta el tejido, con una visión de las cualidades espirituales y narrativas de los materiales que ha elegido. Se trata de una sensibilidad que ha sido heredada por las generaciones más jóvenes de artistas, desde escultores como Terrence Musekiwa, Moffat Takadiwa y Takunda Regis Billiat, hasta pintores como Wycliffe Mundopa. La carrera de Gutsa es internacional y expansiva y es anterior a la 'moda' internacional actual para el arte contemporáneo africano. Su trabajo fue incluido en la Exposición de Arte Africano Contemporáneo de 1990 en el Studio Museum Harlem, la Bienal de Dakar 2004 y la exposición revolucionaria de los Museos Victoria & Albert, 'Verdades incómodas: La sombra del comercio de esclavos en el arte contemporáneo' en 2007. Se ha desempeñado como director adjunto de la Galería Nacional de Zimbabwe y, en 2011, se convirtió en uno de los representantes en el pabellón inaugural y seminal de Zimbabwe en la Bienal de Venecia.

António Ole, Margem da Zona Limite, 1995. Hierro, ladrillos, aves embalsamadas, fotografía y archivos. 1a Bienal de Johannesburgo. Cortesía del artista.António Ole, Margem da Zona Limite, 1995. Hierro, ladrillos, aves embalsamadas, fotografía y archivos. 1a Bienal de Johannesburgo. Cortesía del artista.

António Ole

Nacido en 1951 en Luanda, Angola.

Vive y trabaja en Angola.

António Ole es un pionero y patriota y el mayor estadista del arte angoleño. Habiendo estudiado cultura y cine afroamericanos en la Universidad de California, y cine en el Centro de Estudios Avanzados de Cine y Televisión del Instituto de Cine Americano en Los Ángeles y viviendo en los Estados Unidos después de sus estudios, regresó a Angola para compartir su experiencia. el difícil camino del país tras la independencia. La práctica de Ole desafía las categorías, “Déjame decirte una cosa: pinturas, instalaciones, largometrajes, videoarte y fotografías son, para mí, parte de lo mismo: la misma actitud hacia la creatividad. No hago ninguna distinción ". Como artista multidisciplinario, ha participado en momentos decisivos tanto de la historia de Angola como del surgimiento del arte contemporáneo como movimiento en el continente y más allá. Como representante más reciente de Angola en la Bienal de Venecia, ha participado en exposiciones fundacionales como la primera Bienal de Johannesburgo, Africa Remix y la sexta Bienal de La Habana. Sus películas, trabajos en papel e instalaciones crean un comentario abierto sobre la vida de sus contemporáneos, con una conmovedora sensibilidad visual y estética, que permite que la obra trascienda lo documental y lo específico de su temática, hacia la compasión de la humanidad compartida. .

Valerie Kabov es historiadora del arte y se especializa en políticas culturales y economía de la cultura. Es cofundadora y directora de Educación y Proyectos Internacionales en First Floor Gallery Harare.