MARZO de 2005

Arte Sudáfrica Volumen 3: Número 03
Nandi Mntambo; Dineo Seshee Bopape; Stefanus Rademeyer; Langa Magwa; Jacki McInnes


DIVAS DE HIRSUTE

Nandi Mntambo, Idle, 2004, piel de vaca, fibra de vidrio, resina y acero, 900 x 470 x 590 mm.

Los escultores emergentes que desafían la tendencia actual hacia la instalación y los nuevos medios de vanguardia aún necesitan mantener un pie lo suficientemente firme en el campo de vanguardia para permanecer en el radar del mundo del arte contemporáneo. Nandi Mntambo, quien el año pasado se graduó de la Escuela de Bellas Artes Michaelis de la UCT, ha logrado este acto de equilibrio con aplomo. Los espectáculos de posgrado son tradicionalmente peinados por observadores de talentos y Mntambo fue seleccionado el año pasado. Su trabajo transmitió un fuerte impacto visual, habilidad técnica y profundidad conceptual junto con su sorprendente medio.
Mntambo moldeó moldes parciales de figuras femeninas en pieles de vaca, inspiradas en un sueño y elegidas por sus múltiples asociaciones culturales. La propuesta absurda pero exitosa de las sensuales figuras femeninas cubiertas de cabello largo era atractiva y repulsiva. En el centro, una mujer se agachó a cuatro patas. Una serie de cinco figuras colgaban como ropa en un armario y un torso de la pared. Tres pares de piernas cruzadas se sentaron en sillas altas como un comentario sobre la interacción femenina.
Mntambo dice: "Se trata de cómo se supone que las mujeres deben comportarse unas con otras. Mucha gente prefiere permanecer en silencio o mirar desde la distancia porque es más seguro ... También desafía los estereotipos de cómo deberían ser las mujeres: la esposa o novia peluda. Es a la vez inquietante y sexy ".
Su trabajo habla mucho de su personaje. Es atractivo, divertido, desafiante, subversivo y fuera de ritmo. “No soy valioso sobre mi trabajo. Es fácil detenerse y comenzar de nuevo ”, dice ella.
Mntambo también está interesado en cómo las perspectivas son influenciadas por la historia percibida. Este año estudiará para obtener una maestría en Bellas Artes mientras investiga el papel de las mujeres negras en la historia del arte sudafricano. A este ritmo, lo más probable es que se convierta en parte de ese mismo canon.

Kim Gurney es periodista independiente y editora de ArtThrob en Western Cape.


CRECER A TRAVÉS DEL RUBBLE

Dineo Bopape, Creciendo todos los dias, 2004, instalación de medios mixtos, dimensiones variables.

Dineo Bopape recientemente completó su Licenciatura en Tecnología en el Departamento de Bellas Artes del Instituto de Tecnología de Durban (DIT) y es uno de los artistas más prometedores que ha surgido de esta institución en los últimos años. Después de haberse especializado en escultura, Bopape es un artista joven versátil y articulado que trabaja en instalaciones y videos por igual en casa. Ella debe aparecer en dos exposiciones notables en 2005: el Proyecto de Jóvenes Artistas de la NSA y un espectáculo comisariada por Kathryn Smith para el Festival de Artes Klein Karoo 2005.
Gran parte de la práctica de Bopape hasta ahora se refiere a su obsesiva recolección y empaque de cosas en su mayoría insignificantes. Su recolección neurótica, custodia y archivo obsoleto se convierte en una investigación de lo no dicho y reprimido, una metáfora de la historia y la experiencia vividas. El resultado físico de su atesoramiento y desorden interior desestructurado son estructuras sueltas, húmedas y flexibles que apenas se sostienen.
Para su show del último año, Bopape presentó una instalación en un espacio comercial vacío ubicado en un centro comercial en el CBD de Durban.

Dineo Bopape, secretar), 2004, instalación de medios mixtos, dimensiones variables.


El espacio estaba dominado por una estructura en forma de carpa medio derrumbada llena de masas de bolsas de plástico selladas, papeles, notas, globos y "secretos". Recogidas del público, las obras se cosieron en los bolsillos, se sujetaron, se guardaron y se esparcieron.

Una de las obras bidimensionales en exhibición muestra imágenes pornográficas hardcore yuxtapuestas de mujeres negras y genitales con imágenes brillantes de comida rápida. Un trabajo valiente e impactante, resultó inusualmente franco dado el contexto más amplio en el que la imagen de los cuerpos de una mujer negra es un terreno tan disputado.
"Mi trabajo se desarrolló a partir de una expresión paranoica de trazar límites entre lo privado y lo público, y una obsesiva protección de los mismos", dice Bopape. “Sin embargo, este proceso invariablemente conduce a la asfixia. La historia es el equipaje que llevamos y, a menudo, también es una carga de la que no podemos escapar. Estoy interesado en revelar lo grotesco, fuera de tono y lo repugnante en lo mundano, para revelar también los secretos (lo no dicho / inmencionable) dentro de espacios íntimos y aparentemente públicos / privados.

Tormenta Janse van Rensburg.


OBJETOS ANTI PRODUCCIÓN EN MASA

Stefanus Rademeyer, Fisura, 2004, contrachapado laminado, 100 x 185 x 37,5cm.

La singular escultura de Stefanus Rademeyer entró en el dominio público sin previo aviso. Reconstrucciones diferidas (1999) y Reconstrucciones miméticas (2000), sin embargo, existen como ejemplos fundamentales de un arte que es sutilmente ecléctico. Basándose en influencias tan diversas como la música electrónica de campo izquierdo, la arquitectura minimalista, la filosofía postestructuralista y las metáforas sistémicas, el arte de Rademeyer es un agregado inusual compuesto de muchas partes. Dicho esto, lo mejor es mantener la referencia a sus influencias al mínimo. Después de todo, Rademeyer es ante todo un arte conceptual en el que los objetos son meticulosamente renovados, reconstruidos o, como lo sugieren los títulos de sus primeros trabajos, reconstruidos. Las superficies seductoras de Rademeyer rara vez están destinadas a presentar una copia o una ilusión. Cuando recrea un objeto, es a través de un proceso de trabajo salpicado de una serie de obstáculos intencionales. Y si él simplemente dice "Creo estructuras, las someto a diversas tensiones y luego mapeo cuidadosamente las mutaciones emergentes", es una forma de explicar que sus recreaciones están marcadas por una perturbación calculada que perturba las células compuestas dentro del sistema .
Los resultados son sorprendentes. Los materiales se vuelven ajenos a sus propiedades tácitas. Las masas sólidas se agitan en estados semifluidos. Una catedral virtual se convierte en una aparición de dragón en una secuencia animada en 3D con vistas a una versión soldada de acero de sí misma (en Reconstrucciones diferidas) En una serie paralela, las cajas de luz provistas de espejos fracturan la coherencia de los conjuntos de símbolos gráficos multiplicándolos infinitamente. Frente a una de estas piezas, el espectador se encuentra con un campo visual interminable, sinuosamente cambiando a patrones impredecibles. Otra pieza de animación de 2001, Tabula rasa, pone en movimiento estos patrones de aglutinación.
En el trabajo más ambicioso de Rademeyer hasta la fecha, las enormes piezas de piso de madera presentadas como parte de profundidad de superficie (Warren Siebrits Modern and Contemporary Art, 2004), las caras intrincadamente segmentadas de sus esculturas de madera palpitan con una complejidad óptica que compite y desafía sus propiedades materiales.
RADEMEYER STEFANUS EN CONVERSACIÓN CON FRIKKIE EKSTEEN
FE Es difícil decidir si sus piezas de caja de luz son esculturas o dibujos de luz. No 'desplazan el espacio' como lo hacen las esculturas convencionales, y en cambio, parecen crear un nuevo tipo de espacio ilusionista donde no hay ninguno. Del mismo modo, a veces se ha referido a las piezas monumentales en profundidad de superficie como pantallas. ¿Son los principios o preocupaciones ilusionistas bidimensionales un aspecto importante del trabajo?
SR Hay preocupaciones definidas con la dimensionalidad en mi trabajo. Sin embargo, es muy diferente al "ilusionismo" como se ve en la pintura tradicional, donde el lienzo se convierte en una ventana al mundo. Estoy más interesado en las nociones matemáticas de dimensionalidad. Por ejemplo, cómo se pueden describir las propiedades de un objeto tridimensional en términos de una superficie bidimensional, o cómo se puede mapear un hipotético objeto cuatridimensional en tres dimensiones.
FE En broma te has referido a ti mismo como "estructuralista" en una de nuestras conversaciones. Sé que su proceso de trabajo se trata principalmente de examinar estructuras, ya sean filosóficas, arquitectónicas o estéticas, pero también ha mencionado la vanguardia electrónica como una influencia prominente. ¿Pensar en las estructuras musicales informa el trabajo de alguna manera aparente?
SR Me interesa la noción de "novedad": descubrimiento y creación, en oposición a la representación. También creo que la música de vanguardia explora posibilidades expresivas que son realmente pioneras. La flexibilidad del medio de sonido le permite a uno construir y deconstruir estructuras extremadamente complejas o incluso ficticias. Pero mi interés en la relación entre el arte visual y el sonido no se trata solo de traducir el sonido en imagen. Se trata más de ver los motivos operativos de los músicos, así como el potencial físico del medio y aplicarlo a mi método de trabajo teórico y estético.
FE Al ver que las piezas del piso creadas para profundidad de superficie fueron el resultado de un tremendo esfuerzo práctico, ¿crees que el tiempo invertido en la creación de una obra de arte es de alguna manera inferido por el espectador?
SR El tiempo invertido en el trabajo habla de un interés personal en lo sublime. Para mí, una expresión que no puede cuantificarse o aproximarse, que de alguna manera escapa a la comprensión, puede llamarse sublime. Es una invocación de lo ilimitado. Uno de los mecanismos que uso en mi trabajo para sugerir lo sublime es la inmensa complejidad. Y la mayoría de las veces la complejidad visual solo puede crearse en construcciones minuciosas que contienen miles de componentes.
FE Las superficies de los objetos que crea a menudo aparecen intactas. Los recién llegados a su trabajo pueden incluso ser engañados al pensar que fueron producidos industrialmente. ¿Disfrazar tu participación física para hacer que el trabajo sea una elección consciente?
SR Las esculturas tienen cualidades ópticas y estructurales únicas que dependen fundamentalmente de una ejecución y construcción muy precisas. Para mí, el trabajo celebra un tipo muy dedicado de participación física, donde cada componente se corta individualmente y se incorpora cuidadosamente en las estructuras más grandes. Irónicamente, sería imposible simular los trabajos madereros en profundidad de superficie con un proceso mecánico o robótico automatizado. Tiene que hacerse a mano. Los veo como objetos contra la producción en masa. Frikkie Eksteen es artista, escritora independiente y profesora de artes visuales y multimedia en UNISA

Frikkie Eksteen es artista, escritora independiente y profesora de artes visuales y multimedia en UNISA.


CICATRIZ
Langa Magwa, Amabhabhathane, 2000, detalles de instalación, dimensiones variables.
páginas 50-55-3
páginas 50-55-2
Langa Magwa es un escultor en el sentido tradicional de la palabra: produce objetos tridimensionales de metal, madera y piel. Su interés en la piel humana y animal se desarrolló a partir de la sensibilidad de un niño que crecía con la familia Xhosa de su madre en el Cabo Oriental. Llevar la escarificación del clan zulú / swazi de su padre lo marcó como 'extranjero' entre sus compañeros, quienes se burlaban y se burlaban sin parar de las marcas en su rostro.
Crecer con poco conocimiento de esta marca condujo a un interés continuo, fascinación e investigación sobre los rituales y prácticas tradicionales, particularmente en relación con el uso de pieles de animales y materia con fines medicinales y rituales. La ausencia de información de investigación creíble en las bibliotecas durante sus días de licenciatura en el Instituto de Tecnología de Durban ha llevado a una recopilación de información directamente de los ancianos rurales a través de entrevistas documentadas. Esta información ha sido posteriormente alimentada en sus diversos proyectos de arte.
Un trabajo reciente Imibuzo Yethu, ofrece un ejemplo. Este trabajo, que documenta el zulú altamente metafórico e idiomático que se habla en las aldeas rurales, así como el que se habla en el municipio, funciona como una reflexión sobre la pérdida de información tradicional y el impacto del idioma una vez traducido.
"Imibuzo Yethu es un llamado a todos los africanos, especialmente a los jóvenes, para revivir nuestra epistemología ”, dice Magwa sobre su proyecto. “Aunque me he beneficiado de una educación occidental, también siento que este tipo de educación no ha podido ubicarse en África. En Sudáfrica, las palabras de historiadores y antropólogos han tenido un efecto muy perjudicial en la psique de las culturas indígenas. Se han formado palabras en los libros, no solo la base de cómo los europeos miran a los africanos, sino también cómo nos percibimos nosotros, como africanos. Nuestro complejo de inferioridad está bien documentado.
La interpretación y lectura del trabajo de Magwa no está limitada por una política reduccionista de identidad; Esta es una respuesta sostenida y sofisticada al valor del lenguaje y la práctica tradicional en un monocultivo global emergente.
Ya un artista joven prominente, los logros recientes de Magwa incluyen: participación en la exposición itinerante Retrato de grupo: historias familiares de SA; nominación al Premio de Escultura DaimlerChrysler 2002; residencia de un artista en el National Arts Festival 2003, en Grahamstown. Ha completado numerosas comisiones públicas y privadas, y actualmente está completando un gran trabajo para el Centro de África en Mtubatuba, en el norte de KwaZulu Natal.
Cita referenciada desde www.bkaa.co.za/artist_profile.

Storm Janse van Rensburg es un curador con sede en Durban.


EL VOCABULARIO DE AMBIGUEDAD

Jacki McInnes, Oleaje II, 2004, detalle, tiras de plomo tejidas.

Hace más de 10 años, Jacki McInnes trabajó como radioterapeuta en el hospital Groote Schuur, donde el plomo era una protección útil contra la radiación potencialmente dañina. Hoy, ella dobla tiras de metal gris suave sobre un tubo de desagüe para tejer una escultura en su estudio de Woodstock.
McInnes tomó una ruta más sinuosa hacia su vocación. Estudió Bellas Artes a través de Unisa mientras trabajaba en el campo de la medicina y en su segundo año comenzó a experimentar con sal y plomo, que se han convertido en su marca registrada. McInnes disfruta de sus poderosas asociaciones visuales y metafóricas ambiguas. "La sal tiene impurezas, que crean pigmentos ... y tiene propiedades curativas y corrosivas", dice ella. Esta sinergia entre la medicina y el arte también se desarrolló temáticamente. La enfermedad recurre en su trabajo y cuestiones como el aborto han alimentado mucha producción creativa. Su arte visualmente atractivo no está hecho para embellecer el salón.
McInnes obtiene un gran placer al crear piezas que requieren mucha mano de obra y rara vez externaliza la producción. Trabajará en varios proyectos a la vez, gestando ideas e inspirando a su alrededor. Sorprendentemente, la escultura fue un obstáculo en lugar de una obvia primera opción en los primeros años de Unisa. Pero claramente se desarrolló una afinidad con el tiempo. Ella dice: “Creo una imagen usando un objeto en lugar de usar una línea.
McInnes adquirió una maestría de Michaelis en 2003, seguida de una aclamada exposición individual un año después (Bell-Roberts Gallery, 2004). Su trabajo ciertamente se cruza bien con una estética internacional, pero cree que el arte contemporáneo sudafricano tiene perspectivas convincentes.
McInnes, quien recientemente regresó de una residencia en Suiza, admira la lucha creativa que deja huellas visibles de intervención humana. Ella dice: “Gran parte del arte estadounidense y de Europa occidental parece bastante clínico con procesos técnicos muy modernos. Mi percepción del trabajo sudafricano es que se toma de muchas fuentes diferentes y se combina de una manera exclusivamente sudafricana ”.

Kim Gurney