MARZO de 2010

Daniella Mooney; Alexandra Makhlouf


ALQUIMIA DE VER

SEAN O'TOOLE SE HABLA MUCHO SOBRE EL SEGUIMIENTO DE SU EXPOSICIÓN DE GRADUADOS, SEAN O'TOOLE CON LA JOVEN ARTISTA DE CAPE TOWN DANIELLA MOONEY PARA PREGUNTAR SOBRE UN DERRAME DE PETRÓLEO.

izquierda derecha Daniella Mooney, Tu cielo, 2009, técnica mixta, aceite de motor usado, 244 x 244 x 25 cm; Nota de advertencia instalada después del 'accidente' en el estudio; Daniella Mooney, Si las puertas de
La percepción se limpió
, 2009, Caoba Sapele, metacrilato con aerógrafo, 35.5 x 35.5 cm.

El contexto: una exposición de posgrado en la Escuela de Bellas Artes Michaelis. La hora: primeras horas de la tarde, diciembre de 2009. El lugar: el estudio de un artista en un primer piso. El texto de la pared explica que los objetos escultóricos expuestos pertenecen a Daniella Mooney. Una obra en particular domina el espacio. Intitulado Tu cielo, no se describe fácilmente. Aquí va. Suspendido en el espacio por aparejos de cables, un objeto de forma cuadrada se cierne sobre dos escaleras de madera. Las escaleras son una invitación a asomar la cabeza por la parte inferior del objeto flotante. Por supuesto que sí. Es entonces cuando te encuentras con un lago de aceite de motor inmóvil y contaminado, 40 litros de esa sustancia.

Como estas cosas tienen la costumbre de hacer, el aceite logró manchar a un curioso visitante de la exposición de Mooney, titulada Un arco iris en el aire curvo (después del segundo álbum del compositor minimalista Terry Riley de 1967).

"Creo que tenía un poco de 'fro' y se le llenó de aceite", se ríe Mooney, antes de Nelspruit pero ahora residente de Ciudad del Cabo, cuando nos encontramos. Vestida con una blusa blanca y jeans negros, sus modales vacilantes pero confiados, sus pequeñas manos animadamente ayudándola en muchas explicaciones, Mooney cuenta cómo el espectador enojado finalmente la localizó, por teléfono. “Me disculpé profusamente. Me di cuenta de que debería haber puesto un cartel ".

Texto. Es un aliado y enemigo de lo visual. Para su exposición de posgrado, que le valió a Mooney la máxima nota en su año (pero no el premio Michaelis), preparó una breve declaración del artista. Proporciona una visión útil del pensamiento que sustenta la escasa variedad de objetos escultóricos en su exposición, entre ellos una esfera curva hecha de madera de caoba y una lámpara de mesa tallada con su haz de luz solidificada.

“Este cuerpo de trabajo se ha desarrollado como una exploración y comprensión de la luz”, ofrece la declaración de Mooney. “La luz, al ser de naturaleza multifacética, impregna todos los aspectos de la realidad, y tan fácil como es saber qué es la luz, es más difícil saber qué es la luz. Muchas de las obras intentan capturar algunas de las cualidades intrínsecas que posee la luz; ya sea el efecto trascendente de mirar hacia el cielo azul, la esencia efímera de un arco iris o los rayos intangibles que se extienden desde el sol ".

Supervisada por Jane Alexander y Gavin Younge, le pregunto a Mooney de dónde vino el impulso inicial de su trabajo. Su exposición de tercer año, dice, refiriéndose a un dosel de hojas que instaló en una habitación pequeña: "Traté de recrear la luz que cae a través de las hojas, esa sensación de anochecer". La idea era evocar las sensaciones de la luz en un entorno desconocido para “hacer que el espectador lo vea de otra manera”.

Ella menciona al artista danés Olafur Eliasson, también James Turrell. Referencias obvias, una vez que lo piensas, no obvias cuando consideras cómo sus ideas se involucran localmente. Ya que estamos trazando influencias, le pregunto por su ex compañero, el joven escultor de Ciudad del Cabo Rowan Smith: “Admiro su habilidad. Fue genial porque a los dos nos encanta trabajar con madera. Realmente me abrió los ojos al tallado y ensamblaje de madera ".

MUCHAS DE LAS OBRAS INTENTAN CAPTURAR ALGUNAS
LAS CUALIDADES INTRÍNSECAS QUE POSEE LA LUZ.

Anteriormente asistente de Paul Edmunds y trabajando arduamente para ayudar a Julia Rose Clark cuando nos reunimos, le pregunto sobre el título de su programa de posgrado. ¿Fue importante?

"Bastante. Lo ató bastante bien. El trabajo trata sobre la percepción. Un arco iris en el aire curvo significaría que el arco iris es recto y el aire está curvando el arco iris. Se trata de cómo eliges percibir eso, lo que lo convertiría en una realidad para ti. Olvidé quién era, pero alguien describió el álbum de Terry Riley como dos espejos separados espacialmente ”, se ríe momentáneamente,“ lo que también encaja bien con mi trabajo ”.

Curiosamente, Tu cielo, la pieza central del espectáculo de Mooney, fue concebida originalmente como una obra al aire libre.

“Quería que el aceite reflejara el cielo real. Trabajar con los elementos, especialmente en Ciudad del Cabo, es un dolor de cabeza. Tuve que reducirlo, lo que se volvió interesante. Trabajar con restricciones te empuja a encontrar soluciones más interesantes e innovadoras a este fenómeno tan intangible ”.

Dado su interés por las cosas efímeras, le pregunto a Mooney si lleva un diario o cuaderno de bocetos para registrar la evolución de sus ideas. Ella me mira bizca. Obviamente estoy siendo lindo, implica, o simplemente anticuado. Su cuaderno de bocetos es una pantalla de computadora, dice, el archivo de su trabajo contenido en sus marcadores diligentemente catalogados. ¿Cómo categoriza sus marcadores? Científicamente: Revolución Copernicana, Buckminster Fuller, Alquimia y así sucesivamente. ¿¡Buckminster Fuller !?

“Tenía esta teoría que equiparaba la luz al pensamiento”, comenta Mooney. “Si puede transmitir y enviar señales de luz y rayos, debería poder hacer lo mismo con los pensamientos. Creía que nuestros ojos son receptores y transmisores del pensamiento. Es simplemente maravilloso, la idea de transmitir tus pensamientos a la atmósfera ".

Sean O'Toole es editor de Art South Africa.


ACUMULACIÓN DE MEMORIAS

ALEXANDRA MAKHLOUF, QUE GANÓ DOS VECES EL PREMIO MARTIENSSEN EN WITS, HABLA CON CATHERINE GREEN SOBRE LIBROS, DIBUJO Y ARTE CON TEMAS PSICOLÓGICOS.

izquierda derecha Alexandra Makhlouf, Espigador, 2008, ejecución y dibujo de instalación, dimensiones variables. Foto: Natasha Christopher; Alexandra Makhlouf,
intitulado, 2009, instalación escultórica, dimensiones variables. Foto: Jackie Carney.

Alexandra Makhlouf es una bibliófila dedicada. Cuando la conocí, me recordó a un personaje de Dickens, intrincado e idiosincrásico. Se sentó con una pila de libros y un capuchino garabateando furiosamente en su cuaderno. Dados los marcadores de biblioteca, le pregunté sobre su aprecio por la palabra escrita. Makhlouf, cuyo trabajo se incluyó en la exposición colectiva Las marcas que hacemos (Goodman Gallery Ciudad del Cabo), respondió: "No puedo separar la literatura o la novela de mi trabajo". Makhlouf se refugia en los libros y la televisión, sus mundos ficticios ofrecen inspiración y estilos de vida para vivir indirectamente. “Leer es mi amigo”, explica. Enumera como musas de ficción a los escritores Aldous Huxley ("por crear un mundo completamente ficticio"), Umberto Eco ("por su sentido del detalle") e Italo Calvino.

Makhlouf ha ganado dos veces el premio Martienssen, otorgado por Wits School of Arts, en 2008 y 2009. La primera vez que ganó el premio mostró una proliferación de dibujos realizados mientras hablaba con la gente y miraba la televisión. El objetivo era crear una comunicación creativa inclusiva a través del proceso de dibujo y escritura. Makhlouf identifica el dibujo como su práctica artística preferida: "me hace sentir más cómodo cuando dibujo ... Es como una manta o un objeto de transición".

Una de las obras de instalación mostradas fue la culminación de un proyecto de un año que exploraba conceptos de narración, exclusión y novela. Durante muchos meses, Makhlouf comenzó a dibujar y pintar en las paredes de su estudio, pegando redes de plástico, utensilios, vasos y fibra hueca, desarrollando personajes y moldeando un espacio ficticio. En muchos sentidos, la obra monocromática encarna una novela absurda tridimensional al estilo de Samuel Beckett. El uso excesivo de objetos de plástico transparente fomentó el engaño espacial. Algunas áreas eran inaccesibles, lo que dejaba al espectador desorientado. No había una narrativa clara del espacio, ya que las personas podían navegar por él de acuerdo con sus propios deseos. Makhlouf explica: “Me interesa el poder que tiene el narrador. Puede ser objetivo, puede ser en tercera o primera persona, puedes mentir completamente y guiar a tu audiencia hacia ... Me gusta esa sensación de poder ".

EL ARTE ERA ALGO QUE TENÍA
PARA LUCHAR CONTRA Y POR.

Makhlouf volvió a ganar el premio con una actuación que implicó otra forma de interacción, aunque con trajes de fibra hueca unidos a las manos y la cabeza. Una exploración de cómo la actividad social ha sido cada vez más mediada por otros medios, los trajes forzaron un nivel de interacción física. La alienación de la audiencia de las personas con trajes, así como la abrumadora experiencia de estar en el traje, que se vuelven demasiado calientes y sofocantes si se usan durante demasiado tiempo, crearon una narrativa de múltiples niveles sobre la naturaleza de las relaciones. Los trajes se convirtieron en "un caparazón de la experiencia", similar a una entrada de diario o una fotografía.

La sensibilidad táctil y escultural de Makhlouf es una respuesta a una afección ocular grave que la ha afectado desde la infancia. Esta condición ha ido empeorando progresivamente a lo largo de los años, dando como resultado una ceguera parcial: "El arte era algo contra lo que tenía que luchar y por lo que tenía que luchar". Quizás impulsado por la necesidad de lidiar con situaciones emocionales difíciles, Makhlouf tiene un interés en la psicología y los artistas que exploran temas psicológicos (Andrzej Nowicki, Jonah Sack y Nedko Solakov). La articulación más sofisticada de su estado psicológico ocurrió en su proyecto de último año en Wits. Toda una habitación fue pintada de blanco, una referencia al libro de Milan Kundera, El telón: un ensayo en siete partes. En el libro de Kundera la novela se describe como una utopía, “un lugar donde no hay olvido”. Makhlouf usó objetos arbitrarios relacionados con su historia personal, una colección de gotas para los ojos (un compañero diario para ella porque no puede producir lágrimas) y tenedores de plástico blanco (recibidos de su madre todos los días), que pegó en las paredes. El espacio expositivo les dio valor y creó un depósito para la acumulación de recuerdos. La abuela de Makhlouf, que tiene Alzheimer, fue una inspiración para este trabajo, su estado mental la hizo tejer una cuerda a través de un árbol de plástico de manera repetitiva. Para Makhlouf, la imagen del árbol se refiere a conceptos de memoria, conocimiento y herencia. En sus obras de tinta oscura, suspendidas en diferentes niveles en el espacio central, del papel emergieron figuras borrosas de tinta y formas de árboles, las formas que recuerdan la prueba de la mancha de tinta de Rorschach, aparentes pero indistintas. Su técnica y sensibilidad de línea desestabiliza la utopía en un mar de representaciones en tinta.

Catherine Green es una escritora e investigadora que vive en Johannesburgo.


Publicado por primera vez en Art South Africa Volumen 8: Número 03