MARZO de 2009

Arte Sudáfrica Volumen 7: Número 03
Inge Beckmann; Anters pegajosos; Encaje Bronwyn; Dawit Petros


LA VOZ ES EL INSTRUMENTO

LA EX VOCALISTA DE LARK INGE BECKMANN ES LA REINA REINANTE DE KOOKY COOL DE LA CIUDAD DEL CABO. GIDEON UNKELESS DISCUTA DE SU “MADRE-PERRA SOPRANO” SOBRE TÉ Y SANDWICHES.

Estoy en la Asamblea del Distrito Seis. Inge Beckmann Live acaba de subir al escenario. Beckmann es algo sacado de una película de Tim Burton: mórbidamente impresionante, vintage y extraño. Flanqueado a ambos lados por un gran bajista con pantalones de cuero y un acordeón / trompetista nofrills, Beckmann se sienta en el trono de un baterista detrás de un teclado Roland. Los tres están vestidos de negro. Justo enfrente del teclado hay una pequeña mesa abarrotada de cosas espeluznantes (velas, bola de cristal, calavera) sobre un paño rojo cubierto. Las luces se atenúan, las sombras se alargan y se te presenta un repertorio de notas inquietantes e impecablemente impactantes.

No he inventado ni una sola cosa y si suena a notas de teatro es porque Inge Beckmann Live es tanto un actuación ya que es un concierto en este momento. Pero después de una encantadora pieza de introducción que suena como un siniestro cantante de escenario entrando en calor, se nota que Beckmann habla en serio. Con los músicos de apoyo estableciendo el ambiente, la banda no es ambiciosa, pero eso le permite a Beckmann mostrar sus habilidades vocales, que van desde el blues hasta una verdadera carcajada. En el piano, su habilidad limitada obliga a una mayor concentración y el resultado es una interpretación moderada pero valiente. La otra versión tiene a Beckmann retorcido detrás de un micrófono vertical, enrollando un brazo de alabastro alrededor de él como una vid. De vez en cuando pisa fuerte como un pirata vigoroso o una mujer dando a luz verticalmente: “es divertido. Con su talento y gusto por lo ecléctico, parece que Beckmann está a punto de agregar algo nuevo al paisaje sonoro de Sudáfrica. La conocí para un té y unas rodajas de pepino en el hotel Mount Nelson para hablar sobre su floreciente nueva carrera en solitario.

Inge Beckmann, enero de 2009. Foto Daniel Naude.

Esta entrevista podría hacer o deshacer su carrera. ¿Estás listo?

¡Te romperé con mi brazo biónico!

Eres mayor que el Bright Young Thing promedio, y luego está tu paso anterior con Lark. Preséntanos a Inge Beckmann.

Cuando era niño disfrutaba imitando voces: masculinas, femeninas, mayores y jóvenes. También solía aullar con mi perro y cantarle muy alto a los fans. Y haz el ejercicio vocal de 'puerta chirriante'. Entonces se podría decir que soy autodidacta. Uso mi voz para hacer melodías que son partes de noir francés, vampiro, actitud hip-hop y estilo de ópera. En mi perfil de Myspace digo que mi estilo es "Graveyard Cabaret / HypNOIRtica / Música clásica de hip hop metal esclavo hillbilly". Pero odio las cajas aunque cuando tenía tres años disfrutaba trepar dentro de ellas. Inge Beckmann Live es una banda de tres miembros conmigo, un bajista y un acordeón / trompetista. Por mi cuenta, he colaborado con Scratch from the Roots, Notembi, Queen of Ndebele y Markus Wormstorm de Real Estate Agents. Así que me interesan muchas cosas.

No encajas fácilmente en categorías.

Intento conscientemente no hacerlo. Mi música es muy visual y de hecho trato de pintar lo que estoy viendo; pintar marcos con mi voz y piano, o lo que tenga a mano. Quiero que cada canción o proyecto tenga un propósito momentáneo. Quiero que cada bocado tenga un sabor diferente. También me gusta hacer música para cine y teatro. Tengo ideas y, afortunadamente, he podido dar forma a estas ideas a través del canto y otras formas creativas.

Tienes un mega rango tanto en tono como en estilo. ¿Como es que?

Empecé a cantar en la escuela primaria. Hice duetos con mi profesora de música, Helicia Groenewald. Fue divertido y cantábamos en almuerzos y reuniones de fin de semana. Ella cantó mezzosoprano y yo hice la soprano de puta. En la escuela secundaria me enfoqué en bailar. Después de la secundaria descubrí el jazz a través de la madre de un amigo. Tenía una colección completa de las mamás del jazz: Ella, Bessie, Billie, Lena Horne, etc. Solía ​​estudiar las heces de Fitzgerald durante horas y horas. Después de eso traté de incorporarlo a mi tipo de estilo operístico y obtuve esta cosa híbrida que pensé que era genial. Lo usé en un conjunto de hip hop en el que estaba en ese entonces.

¿En qué condiciones haces música? ¿Por dónde empiezas y cuáles son los pasos?

Escribo y canto cuando quiero. Tengo muchas visiones y sueños y los escribo. Grabo mis ideas en bruto y trabajo en ellas durante unos días. A veces, una idea realmente divertida me obsesiona de inmediato. Otras veces los dejo unos meses o incluso años para que se sienten en una especie de tanque de ideas. La mayoría de las veces hago la música para entretenerme y nunca la comparto con el resto del mundo. Me gusta eso de alguna manera. Es como si el mundo nunca los conociera, pero la energía aún se libera en el universo. Nunca son apreciados, criticados o calificados, pero aun así tienen un propósito. Podría deprimirme por no 'lograr' ciertas cosas a mi edad porque el mundo es un club de membresía lleno de personas desesperadas que buscan reconocimiento y remuneración constantes. Pero busco la realización, soy así de egoísta.

Canciones como 'Oso polar'Y'Serenity'son quizás un poco tontos, incluso angustiados. O tal vez son las pistas de acompañamiento las que le dan a la actuación una especie de ambiente de karaoke de David Lynch ...

Soy algo así como un camaleón con mi trabajo en solitario. El propósito no es unirse y hacer un género musical, sino más bien hacer un ruido hermoso. Sin embargo, es una música difícil de comercializar y, de alguna manera, darle sentido, y lo entiendo. Los medios tratan de decirte qué hacer con tu cabello, qué ponerte, cuánto pesar, cómo actuar y qué cantar. Esto es muy triste. Es como decirle a un río qué tan profundo debe ser. Joder eso. En cuanto a las pistas de fondo, sí, a veces hay demasiada presión con las pistas y siento que si me trago una mosca me perderé el estribillo. Quiero armar un conjunto que sea aún más simple. Quizás solo voz y algún otro instrumento.

Quiero citar tu canción 'Soy humano': “Soy Af-ri-can. Si miras más allá del color de, mi cerdo-men-tary, sí, salté del barco 17 centu-r (ar) -y, pero eso no es realmente relevante, no realmente ". ¿Ser sudafricano influye en tu música?

Soy sudafricano pero no hago música tradicional sudafricana. Creo que la industria de la música nacional está retrasada por su mentalidad de imitación. Hay muchos artistas que copian bandas internacionales famosas y hacen 'covers' genéricos pero a menudo diluidos de lo que se ha demostrado que vende. Preferiría que nuestros artistas, público e inversores demuestren valor y hagan de Sudáfrica un centro de sinceridad e integridad musical, con una arrogancia silenciosa por ser único. Sin embargo, hay muchas cosas que deben cambiar para que eso suceda: mejores lugares en vivo, mejor sonido, mejor patrocinio, mejor administración, mejor marketing. Ya estamos en la cima de nuestro juego con tantas cosas, ¿por qué no aumentar también la industria de la música?

Acerca de Inge Beckmann: Beckmann (1977), nacida en Ciudad del Cabo, comenzó a cantar a la edad de 4 años. Con una gran variedad de estilos (clásico, jazz, hip hop, alternativo), es miembro del colectivo de hip hop The Spindle Sect y la favorita de los niños indie. Alondra. Ella debe lanzar una obra extendida bajo su último apodo, el autodenominado Inge Beckmann Live. Dejando a un lado la música, Beckmann aparece en Orgía, una promoción piloto de 10 minutos para una adaptación cinematográfica sudafricana de la novela de 1965 de André P Brink. El cortometraje de ritmo frenético se desarrolla en la actual Sudáfrica con el telón de fondo de la escena artística de Ciudad del Cabo. (Disponible para ver en http://facebook.com/video).


BAILANDO EN EL VOLCAN

LOS ANTLERS PEGAJOSOS SON UN CUARTETO DE PRETORIA CUYA MÚSICA TRANCE-LIKE CONJUNTA IMÁGENES DE PERSONAS CON CAPUCHA QUE CAMINAN EN UNA LARGA PROCESIÓN, DESTROZANDO LOS PIES, SUCUMIBLES A UN RUIDO PAGANO ABUSIVO. POR FRED DE VRIES.

arriba - abajo Gráfico promocional Sticky Antlers; Astas pegajosas
gráfico de banda. Cortesía de Sticky Antlers.

Una de las razones por las que finales de los setenta y principios de los ochenta fueron un período tan fructífero para lo que ahora llamamos “música indie” es que no había nada que hacer. Una recesión golpeó a Europa, Nueva York estaba en bancarrota y el desempleo abundaba en todas partes. No fue un caso más flojo de “aquí estamos ahora, diviértete”; más bien fue un grito desafiante de “nadie lo hace por nosotros, así que hagámoslo nosotros mismos”.

La supervivencia consistía en reconocer la belleza del declive. Fábricas vacías, viviendas quemadas, barrios abandonados, astilleros oxidados: todo tenía su propio atractivo romántico. La sociedad de consumo estaba implosionando, lo que dio a un grupo de artistas y músicos una sensación casi eufórica de bailar en el volcán.

Una de las formas artísticas más fáciles de digerir y reflejar lo que estaba sucediendo en la sociedad era formar una banda. Punk había enseñado que todo lo que necesitabas eran dos acordes y algunas palabras. Luego se redujo a grabar tus canciones, diseñar tus fundas, imprimirlas, doblarlas y luego distribuir tu disco. La premisa básica era: sé un héroe, crea tu propia mitología y escapa de la monotonía de la vida cotidiana. Algunas de las bandas más memorables nacidas de este
Los valores del bricolaje fueron Gang of Four, Wire, Einstürzende Neubauten, DAF, Sonic Youth y, localmente, Koos, cuya formación incluía al actor Marcel van Heerden y al artista conceptualista Neil Goedhals.

Como sucede tan a menudo, la historia se repite. Un colapso económico mundial está provocando un pánico generalizado. La industria de la música se encuentra en una crisis casi más profunda, con mp3, uso compartido de archivos y blogs que hacen que los costosos CD sean casi obsoletos. Las tiendas de música y los locales en vivo están cerrando uno por uno. Una nueva generación grita: "aquí estamos ahora, pero ¿dónde está el entretenimiento?" Entonces, con un guiño a aquellos fértiles finales de la década de 1970, los músicos, artistas y socios de Pretoria Andreas Schonfeldt y Martinique Pelser decidieron que el bricolaje era la respuesta. Transformaron su hogar en un estudio, una sala de práctica y un lugar de encuentro para personas con ideas afines, todos centrados en la idea de hacer música decididamente anticomercial. La banda sonora de la casa es una mezcla ecléctica de ruido, Krautrock, hip-hop y baladas sencillas.

Pelser y Schonfeldt son dos veinteañeros excéntricos de pelo largo que se conocieron hace siete años a través de amigos en común. “Me gustaba, pero éramos un poco tímidos”, recuerda Pelser. “Así que no hablamos durante un año. Finalmente tuve el valor de preguntarle si quería hacer música juntos. Llevamos jugando desde siempre ".

Comenzaron como un dúo, llamándose a sí mismos Ecto Kid & Plasma Girl, evolucionando a Poodlepiss, que eventualmente se convirtió en Sticky Antlers después de que encontraron compañeros conspiradores en Jaco Wolmeraans y Damon Civin, el baterista y guitarrista respectivamente, ninguno de los cuales tenía experiencia con la batería. palos o una púa.

Así que formar una banda no fue tan difícil. Tampoco la impresión de folletos y carteles, la producción gráfica de Sticky Antlers recordaba el estilo ilustrativo de Raymond Pettibon, pero ejemplar de una moda reciente de ilustraciones degradadas. Luego se redujo a comenzar un sello discográfico. En diciembre de 2007, Pelser y Schonfeldt crearon la etiqueta KRNGY, que lleva el nombre de una frase utilizada en animación. En el transcurso del próximo año, KRNGY lanzó 19 álbumes, en su mayoría como CD-R grabados en casa, de bandas locales como Suicycle, Unicorn Rizla, Revenge Radio y el malvado If You Are What You Eat Then I Could Be You By Tomorrow.

“Tratamos de ayudar a las otras bandas y ponerlas en nuestro sello y vender sus CD en nuestros shows y pasárselos a personas que podrían estar interesadas”, dice Pelser sobre el underground de Pretoria que han excavado. "Nos gusta echar una mano, pero somos snobs de la música, no firmaremos algo que no nos guste".

Hasta ahora, KRNGY ha lanzado solo un CD adecuado, producido en fábrica, un álbum con título propio empaquetado en una exquisita portada hecha a mano. Las referencias musicales son diversas: PJ Harvey, Sonic Youth y The Boredoms; el suyo es un sonido que elude el ruido, el zumbido y el canto. Distorsionado e inquietante, este sonido ocasionalmente puede rayar en lo histérico. Tiene una calidad de motorik tribal, de trance, que evoca imágenes de personas encapuchadas caminando en una larga procesión, pisando fuerte, sucumbiendo a un abrumador ruido pagano.

“Grabamos en casa, donde tenemos una grabadora de 4 pistas, computadoras y magnetófonos. También grabamos en viejas cámaras de video, cualquier cosa que podamos encontrar para almacenar magnéticamente algo ”, dice Pelser sobre la fuerte distorsión que funciona como un quinto miembro de la banda.

Como pequeños animales asustados, han salido de la carpintería, forjando vínculos con otras personas de ideas afines: One-F Records de Paul Riekert en Jo'burg, Righard Kapp y Buckfever Underground en Ciudad del Cabo, y el periodista Lloyd Gedye, quien los invitó para el tercer número. de su Especial Pavimento CD y concierto.

¿Una escena? Pelser sonríe con cautela. "Todos somos centros pequeños, de alguna manera conectados".

Fred De Vries es periodista y autor del libro. Club Risiko (2006), un relato de la escena musical underground europea de los años ochenta.

Acerca de Sticky Antlers: Formada en 2006 por Andreas Schonfeldt, Martinique Pelser y un tercero conocido solo como JHC, la banda se presentó inicialmente bajo el nombre artístico Poodlepiss. Después de la partida de JH-C, el grupo se reinventó a sí mismo como Sticky Abtlers y tocó sus primeros shows en Cafe Arc, en 2007. En diciembre de 2008, la banda fue invitada a tocar en el lanzamiento del tercer número de Especial Pavimento, una revista de música editada por el periodista Lloyd Gedye y diseñada por el artista Michael MacGarry. El evento se llevó a cabo en Arts on Main. Sticky Antlers describe su sonido como "ruido / improvisación / experimental / indie kewlness".


CUANDO SE ROMPE EL TAZÓN ... EL PÚBLICO ESTÁ CONOCIDO

“MIS HERRAMIENTAS SON ESCALA Y ESPACIO”, BRONWYN LACE HA DICHO DE SU PRÁCTICA. ROBYN SASSEN SE ENCUENTRO CON ESTE ARTISTA DE JOHANNESBURGO PARA HABLAR SOBRE MATEMÁTICAS Y GOLDFISH.

en sentido horario desde la parte superior izquierda Encaje de Bronwyn, Desprendimiento justificado, actuación en Art Extra, marzo de 2008, materiales de instalación: hilo de pescar, metacrilato, cuenco,
peces de colores y agua; Encaje de Bronwyn, Desprendimiento justificado, actuación en Art Extra, marzo de 2008, materiales de instalación: hilo de pescar, metacrilato, cuenco,
peces de colores y agua. Fotos de la actuación John Hodgkiss; Encaje de Bronwyn, Negentrofia, 2008, instalación específica del sitio encargada por Johannesburgo
Agencia de desarrollo para festival Cuando la vida sucede celebrada en diciembre de 2008.

No ha estudiado matemáticas, no formalmente, no puede leer música y no tiene una religión, pero Bronwyn Lace crea un trabajo que coquetea y elude los preciosos valores que informan estas disciplinas. Ella llama a su trabajo “instalaciones escénicas” y se siente profundamente seducida por la belleza. The Golden Mean, la espiral Phi y la secuencia de Fibonacci se encuentran entre sus herramientas para crear su obra finalmente efímera.

Co-instigador del sitio web SA Arts Emerging, junto con Nathaniel Stern, Simon Gush y Rat Western, Lace está interesado en la proactividad. Desde 2005, este proyecto ha proporcionado una plataforma para los artistas marginados por el mundo del arte debido a su "estado emergente".

“Cuando era estudiante, veía las Trinity Session como si fueran una vanguardia”, dice. “Desde entonces he aprendido que los estudiantes actuales ven SA Arts Emerging con una inspiración similar”. No sería justo llamar "conceptual" la estética de Lace, aunque se relaciona con
las ciencias matemáticas. “Se permite que las ideas crezcan en mi cabeza durante mucho tiempo. La logística que determina cómo se verá el trabajo es mi desafío ".

Entonces, ¿qué tal un artista de performance? “Nunca me imaginé a mí misma como una artista de performance”, responde. "En 2007, se hizo evidente: el rendimiento se estaba imponiendo en mis instalaciones". Esta fue la piedra angular de Desprendimiento justificado, una obra realizada inicialmente en 2007, en Bag Factory, pero expuesta fotográficamente un año después en Art Extra (ahora Brodie / Stevenson), como parte de la exposición colectiva Secuelas. "David Brodie fue el primer galerista comercial que se fijó en mí".

Lace describe las reacciones trilladas y emocionales del público a una versión temprana de Desprendimiento justificado, que contó con un pez de colores como su protagonista central. “Me preguntaron si pensaba que el pez estaba solo. Tuve que asesinarlo, para impulsar el trabajo en una nueva dirección ”.

Como resultado de su participación en un taller dirigido por John Thom, Lace admite que el medio de actuación fue aterrador. "Me vendaré los ojos, lo que también pareció justificar mis acciones". El pez dorado se colocó en un recipiente de metacrilato, con agujeros perforados alrededor de su borde y se adjuntó a una red de tripa de pescado. El papel de Lace en el trabajo fue romper gradualmente los hilos que sujetan la pecera en esta red, con sus dientes, lo que finalmente hizo que se estrellara contra el suelo y que el pez muriera. “Cuando el cuenco se rompe y el pescado se cae, el público se sorprende”, explica. “Esto se entiende como el clímax dramático de la pieza. Es interesante, porque es tan predecible desde el principio que los peces morirán de esta manera. Es como la vida. La gente se sorprende a pesar de que el final de una situación es tan obvio ".

Le pregunto qué intenta comunicar la obra.

“Puede que se trate de la muerte, pero también de la belleza de las matemáticas. Creo que la belleza es la máxima seductora y puede cambiar la forma de pensar. Las matemáticas y la ciencia informan nuestras realidades y superan a la religión. La ciencia está llena de hermosas metáforas. Por ejemplo, se habla de partículas impredecibles junto a otros átomos. Es una forma de entender que la vida pasa cuando menos te lo esperas, y que las aberraciones en la rutina afectan quiénes somos ”.

Mientras ella era estudiante, los amigos de Lace estaban estudiando ingeniería. “Nuestras conversaciones me llevaron por otros caminos. Siempre había una sensación de intimidación, la comprensión de que quienes cursaban títulos profesionales en ciencias eran más sabios, que podían entender cosas que yo no podía. En realidad, no pudieron ver la relevancia de descubrir el panorama general ".

Su trabajo es laborioso, hasta el punto de ser irracional.

"Irracional fue una pieza que construí en Outlet en 2006, de hecho. En este trabajo, creé 4000 grullas de origami que encajan entre sí, trabajando lógicamente en una espiral, pero luego en un estado de caos y viceversa. Se trata de orden en medio del caos y viceversa ".

Lace acaba de regresar de un proyecto de vuelo de cometas en Sutherland, donde trabajó en colaboración con astrónomos y niños. Los proyectos colaborativos y con conciencia social siempre han sido parte de su agenda, Lace participó en un festival de VIH / SIDA en diciembre pasado, su trabajo Negentrofia involucrando paraguas invertidos como recipientes de contención. Lo siguiente en su agenda es una exposición en la Durban Art Gallery, con Vaughn Sadie. Incluirá "cientos de mecanismos de reloj y moscas de pesca", dice. Ya es hora.

Robyn Sassen es Editora de Artes del Informe Judío SA.

Acerca de Bronwyn Lace: Nacida en Francistown, Botswana (1980), Lace, con sede en Johannesburgo, completó su BA (FA) en Wits University en 2004. Cofundador del sitio web www.saartsemerging. org, trabaja de forma independiente como académica, curadora asistente y opera como Oficial Educativa de Bag Factory en Newtown, donde dirige un programa educativo de exhibición. Desde 2002, ha exhibido su trabajo en una variedad de lugares experimentales, especialmente en 8/5 (i) en la Parking Gallery de Simon Gush (ahora desaparecida) en 2006 y 8/5 (ii) en la Fábrica de Bolsas en 2007.


MIRANDO HACIA ATRÁS MÍ MISMO

LOS NACIONALES ERITREAN NECESITAN TENER UN PASE Y UNA RAZÓN FIJA PARA VIAJAR DENTRO DE SU PROPIO PAÍS. EL EXPATRIADO DE ERITREAN DAWIT L. PETROS CUENTA A NADINE RUBIN CÓMO SU OTRIDAD LE PERMITÓ LA MOVILIDAD PARA CREAR SU NUEVA OBRA.

2Petros Sin título Confluence IIarriba - abajo Dawit L. Petros, Matthios, 2005, impresión C, 76.2 x 101.6 cm;
Dawit L. Petros, Sin título (Confluence II), Dekemhare, Eritrea, 2008,
Impresión C, 50.8 x 61 cm.

Un sábado por la mañana en noviembre pasado, una pequeña multitud se había reunido en el décimo piso de un edificio en Chelsea, Nueva York, para escuchar a Dawit L. Petros hablar sobre Una instancia total de reflexividad, su primera salida en solitario en Nueva York. En Alexander Gray and Associates, Petros había instalado un conjunto de seis cajas negras brillantes dispuestas en cuadrículas de varios tamaños. Detrás del plexiglás oscurecido había fotografías de dos paisajes distintos pero no identificables y un autorretrato doble tomado desde atrás. Gray las llamó "cajas oscuras" y, al notar su presencia arquitectónica, las describió como una inversión de las cajas de luz de Jeff Wall.

Para hacer el trabajo, Petros investigó cómo los espejos negros se han utilizado históricamente en el arte. Un espejo utilizado por los artistas en el siglo XIX le llamó la atención. “La gente entraba en una gran vista con un pequeño espejo convexo de mano. Cuando se pararon de espaldas al paisaje y alzaron el cristal negro, el paisaje se reflejó en él. Me intrigó la idea de que esta aparente inmensidad fuera considerada en esta pequeña superficie ”, dice Petros, quien luce una perilla y es conocido por su impecable sentido del vestir. La idea de que uno no se enfrentaba a lo que miraba, sino que se enfrentaba al paisaje a través de esta herramienta, se convirtió en la metáfora de Petros para pensar en la relación de los que viven en la diáspora con la propia historia.

Nacido en Asmara en 1972, pasó apenas ocho meses en la capital de Eritrea. En ese momento, el pequeño país de África Oriental todavía estaba envuelto en la guerra de décadas con su vecino, Etiopía, y hubo un éxodo de eritreos que cruzaban la frontera hacia Sudán o, como la familia Petros, atravesaban Etiopía y bajaban. a Kenia en el sur. Petros pasó la mayor parte de la primera década de su vida como refugiado en Nairobi. Finalmente, su familia, patrocinada por un grupo de médicos menonitas, se mudó a Saskatchewan, Canadá. De adulto ha vivido en Montreal, Boston, California y ahora es multicultural en Brooklyn. Inspirado por los estrictos parámetros establecidos por artistas como Adrian Piper, Vito Acconci y Sol LeWitt, Petros utiliza la fotografía, el video y la instalación para construir y deconstruir su existencia itinerante y la experiencia de vivir en varias diásporas. El rigor académico de Petros resuena en su trabajo, pero “es su uso de la historia personal dentro de un marco teórico lo que lo empuja más allá de ser puramente académico o impresionista”, dice Gray. "Hay una emoción tan sincera y cruda allí".

Para tratar de establecer su relación con Nairobi, Petros regresó por primera vez en febrero de 2007 y condujo unos 45-50 minutos hacia el sur hasta Naivasha.

“Me paré en un punto desde donde podía ver el valle del Rift, mirando al norte hacia Eritrea e hice una fotografía”, dice sobre el paisaje que está enmarcado dentro de una de las cajas negras. A medida que te acercas, aparece la fotografía de Petros, como una aparición a través del plexiglás humeante. El paisaje podría estar en cualquier lugar y, debido a la superficie brillante, también te encuentras cara a cara con tu propio reflejo: una meditación sobre la relación universal entre las personas y los lugares que tienen significado para ellos. Usted, como sujeto, está literalmente obligado a navegar por el espacio. Pero cuando comienzas a moverte, la imagen cae en un mar negro y aprendes que, como el fragmento de un recuerdo, la información que te trajo es inestable. “La memoria funciona de manera muy específica para el sujeto diaspórico”, explica Petros. "Es contingente, es flexible y siempre está en proceso de renegociarse en relación con las experiencias en una nueva ubicación".

Los padres de Petros se aseguraron de que él y sus tres hermanos mantuvieran un fuerte arraigo en su propia cultura y les enseñaron a hablar tigrinya. “Creían que si te olvidas de tu conexión con lo que te hace ser quien eres, estás completamente desplazado”, dice. Como adulto, Petros se dio cuenta de que estaba en deuda con estas lecciones de Tigrinya. La primera vez que regresó a Eritrea en 1998, le permitieron conversar con su anciana abuela. Cuando regresó en febrero pasado, decidido a “sellar el gesto” que había iniciado en Nairobi en 2007 y tomar una segunda fotografía mirando al sur desde Eritrea hacia Kenia, le salvaron la vida.

“Pensé que sería muy sencillo encontrar un punto en la cara occidental del Valle del Rift y tomar una fotografía”, dice. “Pero llegué para encontrar un país diferente al que había visitado una década antes”. Los ciudadanos eritreos deben tener un pase y un motivo fijo para viajar dentro de su propio país. No hacerlo podría significar detención. Y dentro de este ambiente tenso, el simple hecho de tomar una fotografía se volvió político. Cada vez que sacaba su cámara de formato medio, él y sus primos eran detenidos y su película confiscada. Poco después, lo soltaron, pero sus primos no tuvieron tanta suerte.

“Una parte de lo que garantizó mi seguridad allí fue que era obvio que crecí en el extranjero. Ser 'otro' en ese sentido es lo que me permitió moverme ”, dice Petros, todavía visiblemente perturbado por la experiencia. Finalmente capturó la imagen digitalmente porque las tarjetas digitales, aprendió, no significaban nada para la mayoría de los soldados. "La no familiaridad se convirtió en lo que me permitió hacer el trabajo". No hay pista en los hermosos paisajes de Petros que sugiera la tensión en la que fueron hechos. El niega con la cabeza. "Parte de mi miedo como artista es que estoy haciendo algo demasiado estéticamente agradable cuando contiene un grupo de cuestiones tan difíciles".

Nadine Rubin es una escritora residente en Nueva York que actualmente está completando su maestría en periodismo artístico y cultural en la Universidad de Columbia.

Acerca de Dawit L. Petros: Nacido en Asmara, Eritrea (1972), Petros, con sede en Nueva York, completó sus estudios universitarios en Montreal y luego se trasladó a Boston, donde obtuvo una maestría en Bellas Artes en la Escuela del Museo de Bellas Artes. Su práctica fotográfica ha evolucionado desde el retrato documental directo, en particular una serie de retratos de norteamericanos-eritreos, para abarcar aspectos de la fotografía conceptual y el arte escénico. Ampliamente expuesto a nivel internacional, ha presentado tres exposiciones individuales, la más reciente una exposición individual homónima en Alexander Gray Associates, Nueva York. Ganador de numerosos premios y subvenciones, fue artista residente en 2008 en el Studio Museum de Harlem, Nueva York.