Creando espacio: un panel de discusión en Greatmore Studios, Ciudad del Cabo

Hacinamiento en el recién renovado Estudios Greatmore en Ciudad del Cabo, una congregación de artistas, escritores, galeristas, curadores, educadores y facilitadores se sentaron a un panel de discusión titulado apropiadamente, 'Making Space'. Esta conversación tuvo lugar hace un par de meses, pero a la luz del movimiento actual #FeesMustFall, parece que la necesidad de tales conversaciones y la necesidad de crear espacios alternativos para la educación y el crecimiento es más frecuente ahora que nunca.
Boletín de AA 12Oct MakingSpace 1Sikhumbuzo Makandula, detalle de Izilo (ii), 2016. Como parte de la exposición 'En busca de una nación' en la Njelele Art Station, Harare, 2016. Imagen cortesía del artista y Njelele Art Station, Harare.
Organizado por Thupelo, convocado por Pamela Dlungwana y moderado por el prolífico curador, académico y escritor Thembinkosi Goniwe, el evento se llevó a cabo en junio y buscó plantear preguntas sobre la responsabilidad que tienen los administradores de las artes en la creación y mantenimiento de espacios que permitan a los artistas desarrollar su vocabulario. al mismo tiempo que les concede acceso a mercados y redes.
La necesidad de tales espacios en Sudáfrica (y en todo el mundo) siempre ha existido. Un ejemplo improvisado sería la formación de la Drift Art and Crafts School de Rorke en 1963, uno de los únicos lugares en Sudáfrica donde los artistas negros pudieron estudiar y practicar el arte durante el período del apartheid. Otro es el movimiento Thupelo Workshop, a quien le debemos el placer de esta discusión.
Thupelo es una creación de Bill Ainslie y David Koloane. Su primer taller se llevó a cabo en Hunter's Retreat en 1985, solo dos años después de que Koloane asistiera a un Triangle International Artists Workshop en Nueva York. "Cuando salí del país por primera vez en 1983, fui a un taller llamado Triangle International Artists Workshop en el norte del estado de Nueva York, y mientras estaba allí conocí a algunos artistas de Londres", dijo. ARTE ÁFRICA. “Iba a estudiar a Londres después de la experiencia del taller. Estos artistas me invitaron a trabajar con ellos en sus estudios… El hecho de que apenas me conocieran pero que me recibieran calurosamente me hizo sentir la generosidad de los artistas, y sentí que era importante iniciar el mismo tipo de cosas en Sudáfrica. "
Ahora, treinta años después de esta conexión inicial, los esfuerzos de Koloane para establecer ese espacio en casa han demostrado ser una característica valiosa y esencial en el paisaje artístico del país. Las conexiones que se han desarrollado desde los años de formación de Thupelo fueron evidentes por el alcance de las voces presentes durante la mesa redonda, una de las cuales incluía a Alun Williams del mismo Triangle, Nueva York. Desde su creación en 1982, esta red de base de artistas y practicantes se ha extendido a casi treinta países diferentes en todo el mundo. Su éxito se debe en gran parte a la filosofía de colaboración vagamente definida de la organización a través de la cual se intercambian ideas para servir a la relevancia contextual en casa. "No es como Starbucks, se ve igual en todas partes", dijo Williams, "se trata más de cómo la idea de intercambio puede funcionar a nivel local".
Este sentimiento formó uno de los hilos principales a lo largo de la mesa redonda y fue compartido por todos los demás representantes organizativos presentes, incluido Alessio Antoniolli (Fábrica de gas, Londres); Joost Bosland (Stevenson, Ciudad del Cabo); Josh Ginsburg (A4 y Atlantic House, Ciudad del Cabo); Dana Whabira (Estación de arte de Njelele, Harare); y Jonathan Garnham (Proyectos en blanco, Ciudad del Cabo).
Boletín de AA 12Oct MakingSpace 2Stevenson Gallery, Ciudad del Cabo, 2008. Imagen cortesía de Stevenson, Ciudad del Cabo
Joost Bosland
Stevenson Director, Ciudad del Cabo
Yo era estudiante de Historia del Arte en la Universidad de Ciudad del Cabo. Tuve un buen número de conferenciantes marxistas que me dijeron lo malvado que era el mercado; cómo las galerías manipulaban la creatividad de los artistas para su propio beneficio. Decidí solicitar una pasantía en una galería comercial para descubrir cómo funcionan estas entidades malvadas. Solicité un montón de pasantías con varias galerías en Ciudad del Cabo y Stevenson fue el único que me respondió.
Al final de la pasantía me di cuenta de que me había topado con esta gran contradicción. Mis profesores me habían dicho que los artistas son increíbles, las galerías comerciales malvadas y, sin embargo, a los artistas les gustan mucho las galerías porque les permite hacer nuevos proyectos cuando las invitaciones de las instituciones no llegan. También les permite comprar sus alimentos todas las semanas mediante la venta de obras de arte.
Entonces, ¿qué significa que estos artistas, que son buenos, como estas galerías, son malos? A través de las conversaciones me di cuenta de que siempre es más complicado de lo que parece. Me di cuenta de que una galería realmente puede agregar valor al permitir que un artista se dé cuenta de sus ambiciones creativas. Estoy generalizando aquí, pero los artistas son la razón por la que existimos y cada vez que hacemos algo nos preguntamos "¿cómo beneficia esto a nuestros artistas, estamos perdiendo de vista?" En medio de todo eso, tenemos que mantener contentos a los clientes, tenemos que hacer ferias de arte, tenemos que lidiar con las realidades del mercado, y lo hacemos y lo disfrutamos y somos buenos en eso, pero realmente todo está en servicio del artista, creando un espacio que les permita prosperar.
Alessio Antoniolli
Director de Gasworks, Londres
La palabra independiente no es una palabra que yo usaría para Gasworks. Somos muy, muy dependientes; de patrocinadores, de artistas, dependiente de todos los constituyentes. Usamos el término 'arte-ecología' cuando recaudamos fondos. Es una palabra útil cuando piensas en los distintos jugadores. Como dice Joost, los artistas necesitan galerías comerciales, pero también necesitan un lugar para pensar: cometer errores, experimentar, realizar investigaciones. Creo que cuando podamos establecer una buena sinergia entre estos diversos jugadores, podremos servir a la comunidad artística de una manera útil. La gente va a ver a un artista exitoso en Tate, pero necesitan empezar por algún lado y necesitan pasar por todos estos canales. Todos estamos ahí, jugando un papel en eso.
Somos una red de organizaciones de base, en su mayoría dirigidas por artistas, una red que tiene socios en alrededor de veinte a treinta países a nivel mundial. La razón por la que no les estoy dando una cifra exacta es porque somos una asociación muy vaga. Es una forma de trabajar, una filosofía construida en torno a la necesidad de los artistas de unirse en una situación donde el diálogo, el intercambio y la experimentación son primordiales.
El proceso sobre el producto hace que Triangle funcione, crea esa movilidad dentro de la red. Es algo que los artistas han podido apropiarse y llevarse a casa, para desarrollar en diferentes lugares, y creo que lo interesante de esto es que cada miembro de la red realmente responde a la necesidad de su comunidad local.
Aunque tenemos una forma de pensar similar, la forma en que se manifiesta es muy independiente. No es como Starbucks que se ve igual en todas partes. Se trata mucho más de cómo esa idea de intercambio puede ser útil a nivel local.
Boletín de AA 12Oct MakingSpace 3Justin Davy y Sean Jacobs: Intersecciones de arte y protesta de Sudáfrica y más allá, como parte de 'Art &… Decolonizing The University', 15 de marzo de 2016 en Triangle, Nueva York. Imagen cortesía de Triangle, Nueva York.
Josh Ginsberg
Atlantic House / A4 Foundation, Ciudad del Cabo
Hace cuatro años comencé a trabajar con miras a construir una colección sudafricana de obras de arte contemporáneas y modernas que finalmente se convertiría en un instrumento educativo público. Esa conversación rápidamente se volvió bastante compleja. Empezamos a analizar qué tipo de obras estaban bien representadas en las galerías y qué tipos de prácticas no estaban particularmente bien representadas. Empezamos a darnos cuenta de que una colección en sí misma, y ​​la forma en que se construye, podría estimular idealmente formas de práctica que de otra manera no estarían bien representadas. Esto era algo cercano a mí porque había sido estudiante de maestría en Michaelis y había estado involucrado en una comunidad de artistas. Muchos dejaron la universidad y no tenían muchos lugares para mostrar trabajo. Esa colección comenzó a analizar cómo podría influir en la Galería Stevenson, Ciudad del Cabo, 2008. Imagen cortesía de Stevenson, Ciudad del Cabo 043 o prácticas de apoyo a través de políticas de recolección, y de ahí surgió el entendimiento de que la necesidad era mayor, que había fue esta brecha radical dentro de la ecología del arte sudafricano, entre las academias y el sector comercial; ambas cosas parecían radicalmente intimidantes para muchas de las audiencias curiosas, pero hasta cierto punto alienadas, ya sea por los lenguajes asociados con la academia o por las finanzas asociadas con el sector comercial. Nuestro mandato era intentar ampliar el acceso al arte contemporáneo y apoyar a los artistas.
Alun Williams
Triangle, Nueva York
Parece que el subtexto real de esta discusión es la interfaz entre la sección sin fines de lucro, los programas de residencia que apoyan las prácticas de los artistas y el sector comercial. Me han sorprendido un poco algunas de las discusiones que hemos tenido durante los últimos días, donde la gente ha hablado sobre los programas de residencia que le permiten a un artista la oportunidad de desarrollar una práctica que sería comercialmente exitosa.
Hay tantos tipos diferentes de éxito para los artistas. Podría ir un poco más lejos diciendo que si está haciendo un buen trabajo, no se venderá, porque nadie lo entenderá. Hay tantos buenos ejemplos de eso en la historia. Mi favorito es René Magritte, el pintor surrealista belga. Hoy todo el mundo piensa que es un pintor bastante convencional, pero en 1947 se embarcó en una serie de pinturas de mala calidad, y todo el mundo decía "¡esto es horrible!" Su esposa dijo: "¡Nos vamos a morir de hambre!" Lo hizo durante aproximadamente un año y luego se detuvo. Posteriormente, cuando vendía una pintura, las pinturas convencionales que todos conocemos mejor, regalaba una de estas malas pinturas como un pequeño bono porque nadie realmente las quería. Cuarenta años después, en la década de 1980, todo el mundo intentaba hacer pinturas de mala calidad similares a las que estaba haciendo Magritte. Solo quería decir eso porque es realmente importante apoyar las prácticas, la innovación y la experimentación. Puede ser que si intenta encontrar un nicho en el mercado para su trabajo, esté perdiendo el rumbo, no esté haciendo el mejor trabajo.
Boletín de AA 2016 Oct13 MakingSpace2Buhlebezwe Siwani, actuación en la inauguración de 'Indlovukazi' en la Njelele Art Station, Harare, 2016. Fotos: Tinashe Hwindlingwi. Imagen cortesía de Njelele Art Station.
Dana Whabira
Estación de arte de Njelele, Harare
La estación de arte Harare Njelele es un laboratorio urbano; un espacio donde se encuentran diferentes practicantes, un espacio donde las ideas se generan y resuenan en la ciudad. Nuestro edificio tiene una peluquería y una tienda de repuestos para automóviles que realmente respalda el espacio. Así que va más allá de los artistas. La gente de la localidad, los habitantes, informan y definen qué es y cómo podemos conectarnos, no solo a través del arte sino de los encuentros cotidianos. Creo que es esta idea de conexión la clave. Comprender qué es realmente Triangle y comprender las posibilidades de las redes y la conexión es interesante.
Njelele Art Station tiene actualmente una exposición de Buhlebezwe Siwani (que tiene su sede aquí en Ciudad del Cabo) y Sikhumbuzo Makandula. El año pasado participé en una exposición llamada "Hacia las intersecciones" en Johannesburgo y Pretoria. Thembinkosi fue el curador de esa muestra, y creo que esto destaca las posibilidades de estos encuentros, porque aquí es donde comenzamos a hablar sobre la idea de que Buhlebezwe y Sikhumbuzo pudieran venir a desarrollar y expandir el proyecto que ahora se muestra.
Sikhumbuzo hizo una actuación en colaboración con Moffat Takadiwa, que es un artista de Zimbabwe. Su colaboración tuvo mucho que ver con este intercambio transfronterizo, no solo entre personas sino también entre productos, y eso continúa desarrollándose ... Creo que realmente quería resaltar esa idea de conexión personal y relaciones humanas que tan a menudo se pasa por alto cuando hablamos de estos iniciativas. Es esta idea de movilidad, colaboración e intercambio.
Boletín de AA 12Oct MakingSpace 4Instalación de Cinga Sampson de 'UBUGQOBOKA MAGQOBOKA' en Blank Projects, Ciudad del Cabo, 2016. Imagen cortesía de Blank Projects.
Jonathan Garnham
Proyectos en blanco, Ciudad del Cabo
En 2003 había sólo dos o tres galerías en Sudáfrica, y estas tenían una orientación muy comercial. Vi una falta de espacio y comencé a crear uno. Lo creé en el barrio en el que vivo, Bo Kaap, un espacio diminuto de dieciocho metros cuadrados. El nombre habla de eso, 'Blank'. Abrió en 2005 y para entonces había conocido a algunas personas en la comunidad. Vi que había una necesidad porque estábamos inundados de solicitudes de artistas para hacer algo en ese espacio.
Creo que una cosa de la que deberíamos seguir hablando son los desafíos de hacerlo. Dirigí ese espacio durante siete años, hasta 2012. Recibí financiación de una fuente alemana y suiza. No me ganaba la vida con lo que hacía. Tengo una familia, y después de algunos años sentí que andaba con un cuenco de mendicidad y mucha gente no ponía nada en él. Lo que estábamos haciendo era ofrecer una plataforma a artistas jóvenes, principalmente sudafricanos, a menudo su primera exposición individual.
Al no poder ganarme la vida con eso, estaba enseñando a un lado, haciendo fragmentos de mi propia práctica, era difícil. Por otro lado, hicimos unas cien exposiciones durante esos siete años. Durante ese tiempo veía venir a un artista, ir un proyecto, ir, ir. Empecé a sentir que esto debe funcionar a largo plazo con los artistas. También sentí que podría ser más significativo, no solo para mí, sino también para esos artistas y la comunidad. Una combinación de estar harto de ser pobre, administrar el espacio y el deseo de trabajar a más largo plazo con artistas y desarrollar su práctica me persuadió de pasar a la esfera comercial. No comenzó con un plan de negocios. Fue una transición bastante natural. Debo decir que no me arrepiento en absoluto de la decisión. Me resulta bastante gratificante ver cómo se han desarrollado las cosas para los artistas con los que trabajo y para el espacio.
Ahora mismo estamos montando una exposición de Cinga Sampson, de Khayelitsha, y Bronwyn Katz, una joven de 22 años que acaba de graduarse de Michaelis. Trabajamos con un pequeño grupo de artistas, diez personas. Son realmente ellos ahora los que definen lo que es esta galería. A veces pienso que se habla de 'comercial' como una mala palabra, pero como Joost decía antes, los artistas con los que trabajamos se ganan la vida con su arte o se acercan a él, y eso es algo que me alegra mucho. con.
Boletín de AA 12Oct MakingSpace 5'Making Space', un panel de discusión en Greatmore Studios, 2016. Foto: Scott Williams. Imagen cortesía de Greatmore Studios.
DISCUSIÓN ABIERTA
Audiencia: La red de Triangle proporciona un gran modelo de cómo organizaciones, ONG y espacios de proyectos geográficamente dispares y tal vez no relacionados pueden trabajar juntos para crear algo más grande. En Sudáfrica, a menudo hay redes informales, pero las redes formales no existen, salvo quizás VANSA. Me pregunto si no hay algo para que los visitantes internacionales, que han trabajado en proyectos exitosos de esta manera, y los artistas sudafricanos, consideren la noción de colaboración entre redes formales y redes informales.
Alessio Antoniolli: Triangle ha sido y sigue siendo una red informal por necesidad. Si tuviéramos un flujo regular de financiamiento, una forma regular de apoyarnos unos a otros, probablemente nos formalizaríamos. También creo que la financiación vendrá con una estructura mucho más formal, pero creo que para hacer frente a los altibajos, el momento de la ráfaga, el momento en que algunos de los socios se quedan inactivos o están ocupados con otra cosa, entonces la informalidad permite para que la conexión permanezca. Está menos agobiado por las estructuras formales y todo lo que conlleva.
Gasworks (u otros socios dentro de la red Triangle) tienen relaciones formales con otros socios porque han estado desarrollando un proyecto que dura una cierta cantidad de tiempo. Estos proyectos tienen un principio, un medio y un final. Hasta ahora, Triangle ha tenido un comienzo y un medio. Con suerte, seguiremos con ese medio, y es por eso que debemos mantenerlo tan abierto como eso.
Joost Bosland: Algo que es interesante es cómo, para el sector comercial, las ferias de arte se convierten en redes formales que hablan en nombre de las galerías; creo que eso es cierto a nivel internacional. Organizaciones como Frieze y Art Basel representan una especie de principio organizativo central. A nivel local, aún está por verse si Matthew [Partridge] o Mandla [Sibeko] de Ciudad del Cabo y la Feria de Arte de Johannesburgo cumplirán ese mismo papel, pero creo que las redes informales son mucho más poderosas y eficientes que las formales. Me aterroriza un poco la idea de una especie de gran consejo de espacios de arte sudafricano. Me sentí bastante incómodo mirando alrededor de esta sala y viendo a todas las diferentes partes y partes interesadas aquí, personas que a menudo no se reúnen ni hablan fuera de paneles como estos. Así que creo que sería difícil de lograr y no sé qué tan efectivo sería.
Audiencia: Por la conversación que estoy escuchando, parece que hay algunas personas que 'hacen' espacio y algunas personas que 'ocupan' espacio. Me pregunto cómo ocurre esa negociación. ¿Cómo negociamos la delgada línea entre inclusión y exclusión al hacer un espacio?
Alessio Antoniolli: Cuando estás creando un espacio, también estás creando una identidad para él, le estás dando una misión. Eso, por defecto, crea una cantidad de personas que se sienten afiliadas a él (su grupo principal) y otras que no se sienten parte de él. Es muy difícil ser todo para todos, y si lo intentas es muy probable que fracases, que te quedes muy delgado o que intentes marcar tantas casillas que al final no hagas nada bien. Ya sea físico o conceptual; cuando creas un espacio, estás creando algo que tiene límites. Es lo porosos que son esos límites y la forma en que puede inyectar flexibilidad lo que es interesante y útil. Sin embargo, en última instancia, le estás dando una forma a algo, y esa es una forma de entenderlo y delinearlo.
Alun Williams: La última vez que hablé en África fue en Kenia. Tuvimos una audiencia de artistas que decían: "Si tan solo pudiera llegar a Nueva York, todo sería genial", pero la gran mayoría de los artistas de Nueva York están luchando como locos. Tienen que trabajar en varios trabajos para poder pagar su estudio, donde nunca pasan tiempo, porque tienen un trabajo. Entonces nunca es un paraíso. Al final es una cuestión de individuos y quién tiene el poder. Si configura un espacio, si logra reunir todo para configurar un espacio, entonces usted será la persona que decida lo que sucede en ese espacio, directa o indirectamente.
Boletín de AA 2016 Oct13 MakingSpace3Gugulective en Blank Projects, noviembre de 2007. Foto: Mendi Pantsi. Imagen cortesía de Blank Projects.
Público: Estas experiencias provienen de ese extremo de la sociedad que tiene privilegios. Pienso en aquellos que han intentado crear un espacio para su propio arte en una sociedad muy dividida, una sociedad de gran desigualdad. No sé si alguien puede hablar de eso, si es posible, pero ¿cómo empezamos a hablar de eso?
Joost Bosland: Hablo desde una enorme posición de privilegio. Soy de clase media, soy blanco, soy hombre, incluso soy heterosexual. Creo que es muy difícil hablar de privilegio desde una posición de privilegio. Podemos reconocerlo, podemos ser conscientes de ello, pero creo que la gente que está creando un espacio, como iQhiya, Burning Museum, lo que solía hacer Guglective, está llevando a cabo la discusión de manera mucho más efectiva ... Hay iniciativas que son lidiando con estas mismas preguntas, y creo que me siento mucho más cómodo escuchando esas discusiones que hablando sobre el tema, porque no hay salida para nosotros.
No lo digo en forma de disculpa. Estamos muy orgullosos de lo que hemos construido, estamos muy orgullosos de lo que estamos haciendo, pero es imposible reflexionar desde ningún punto de vista fuera de nuestro privilegio. Es real y es necesario pensar en ello, pero no creo que pueda agregar nada significativo a esa conversación desde donde estoy sentado ahora.