JUNIO de 2007

Arte Sudáfrica Volumen 5: Número 04

Pierre Fouché; Lawrence Lemoana; Sacos Ruth


EXORCISMO EMOCIONAL
PIERRE FOUCHÉ PARTICIPA EN PARTE DE CUESTIONES DE SEXUALIDAD PERO NO QUIERE QUE SU TRABAJO SEA ETIQUETADO PARA NINGUNA AUDIENCIA ESPECÍFICA, ESCRIBE KIM GURNEY.
izquierda derecha Pierre Fouché, La distancia entre nosotros I, 2003, acrílico y bolígrafo sobre rompecabezas de cartón encontrado, 135 x 195 cm;
Pierre Fouché, La distancia entre nosotros III, 2006, lienzo de 13 cuentas, hilo de algodón de 9 hilos, bolígrafo, lápiz, marcador, 105 x 107 cm.

Conocí a Pierre Fouché el año pasado durante una noche de estudios abiertos en Greatmore en Woodstock, Ciudad del Cabo. Estaba creando un pequeño tapiz, tejiendo laboriosamente hilos en un telar autoconstruido. Otra curiosa visitante se declaró más intrigada por el reverso del trabajo, con sus telarañas de hilos entrelazados, que por la imagen de la superficie ordenada y ordenada. Su astuta observación se centró en el núcleo de la obra de este artista, que se trata esencialmente de socavar la fijación de cómo elegimos ver el mundo, en particular, la falsa sensación de seguridad que transmite la fotografía de retratos domésticos.
Sin embargo, la exploración del artista va más allá de la autoabsorción. Fouché tuerce el tema personal para hacer un punto político. Expone la parte inferior de las relaciones que preferimos eliminar de la memoria a favor de un conjunto blanqueado cohesivo. Y se las arregla para lograr esto de manera bastante subrepticia: uno de sus retratos recientes de sí mismo y su novio ahora aparentemente cuelga en un restaurante familiar en Londres, para satisfacción del artista.
Este trabajo formó parte de su último solo en Bell-Roberts, La distancia entre nosotros. Fouché manipuló digitalmente los retratos cotidianos de sí mismo y de sus seres queridos en patrones que sirvieron como plantillas, posteriormente traducidos a través de un trabajo de amor teñido de locura en obras creadas obsesivamente compuestas por miles de dados, piezas de rompecabezas o hilos entretejidos. El efecto neto es una subversión peculiar de la normatividad: una imagen a la vez familiar e inquietante. Su estética artesanal también contradice el gusto contemporáneo por los objetos producidos en masa, el trabajo subcontratado y una cultura de conveniencia general, tal vez aprovechando simultáneamente una creciente tendencia contraria a estas mismas nociones.
Fouché es consciente de que los rigurosos sistemas de producción a los que somete sus obras de arte son, como instantáneas, otro intento de recortar la realidad en paquetes convenientemente administrados. Estas estrategias inevitablemente fallan en algún momento o exponen una debilidad inherente en sus fórmulas impuestas artificialmente. Estas peculiaridades se aceptan como parte de la lectura de la obra de arte, como descubrió el espectador de Greatmore enamorado de los hilos desordenados. Fouché agrega: "Es casi como si las obras llevaran las cicatrices de su creación forzada".
"ME GUSTA TRABAJAR CON MATERIALES TRADICIONALMENTE VINCULADOS A GÉNERO,
Y ESTABLECER MI PROPIO LUGAR EN ESO ... SOLO PARA MOSTRARLO UN POCO ".
Su última pieza, realizada como parte del evento marginal de CABO 07, extendió este compromiso con instantáneas al ámbito del rendimiento. Convirtió el espacio de su estudio del Observatorio en un escenario improvisado mientras pronunciaba las palabras en una cadena de canciones angstridden sobre el deseo, el amor y la pérdida, temas que se repiten en su trabajo. Según el artista, las canciones pop funcionan como instantáneas pero de una manera más visceral. Gran parte de su producción creativa parece un tipo similar de exorcismo emocional.
Fouché se involucra en parte con cuestiones de sexualidad, pero no quiere que su trabajo sea etiquetado para una audiencia específica: "Realmente estoy tratando de cuestionar todo tipo de categorización ... Nunca hay una instancia en la que el etiquetado encaje perfectamente; siempre hay un individuo que no encaja y, en cierto sentido, todos somos esos individuos ".
Por lo tanto, es probable que Fouché tiende a favorecer a los medios a menudo asociados con la feminidad; él está ocupado haciendo crochet. "Me gusta trabajar con material tradicionalmente vinculado al género", dice, "y apostar mi propio lugar en eso ... solo para estropearlo un poco". Agrega: "La cultura popular en los años 90 tenía una promesa de ambigüedad tan agradable en el sentido de que los hombres estaban representados en roles mucho más feminizados y de género invertido ... Pero parece que estamos volviendo a roles de género más hiper, más tradicionales, donde se espera que los hombres estén hombres 'reales' nuevamente, tal vez como resultado de una crisis de masculinidad, en lugar de simplemente abrazar la igualdad. Es triste y aterrador ver incluso dentro de la comunidad gay lo repentinamente que existe una homofobia tan internalizada ”.
Para marzo, el artista ya estaba teniendo un año ocupado que incluía colgar un trabajo de tapicería en ABSA, participar en una exposición grupal del Festival de Ciudad del Cabo y trabajar en una comisión privada con vistas a una exposición de fin de año 2008. Recientemente renunció a la educación terciaria enseñando, en el Colegio de Ciudad del Cabo, a dedicarse a tiempo completo a la creación artística.
Kim Gurney es una escritora independiente y editora de noticias con sede en Ciudad del Cabo, Art South Africa.

Acerca de Pierre Fouche: Nacido en 1978, Fouche completó el año pasado una Maestría en Bellas Artes (cum laude) en la Universidad de Stellenbosch. Su producción abarca una serie de medios distintivos, que incluyen materiales de bordado, lápiz, papel artesanal y objetos encontrados recontextualizados (lo más memorable, 6000 dados de resina), "Su trabajo es autorreflexivo y silencioso y muy, muy laborioso", observa el historiador del arte. Lize van Robbroeck. La distancia entre nosotros (2006), su exposición individual más reciente, realizada en Bell-Roberts Contemporary, siguió en su exposición individual de 2005, Excluido y sin decir. Ha participado en numerosos shows grupales, incluyendo el Festival de Escultura Pública del Distrito Seis (1997) Servicio débil (1999) Festival de arte queer sexual y kultuur (2004) y El papel nunca miente (2005).


ARRIBA Y BAJO
LAWRENCE LAS BOLAS DE RUGBY BORDADAS Y LAS FOTÁSTICAS FOTASTICAS DE LEMAOANA OFRECEN MÁS QUE COMENTARIOS IRÓNICOS SOBRE EL DEPORTE DEL HOMBRE BLANCO. POR SEAN O'TOOLE.
izquierda derecha Lawrence Lemaoana, El único, 2006, impresión digital sobre lienzo, 42 x 29.7 cm; Lawrence Lemaoana, Jerarquía de color, 2006,
impresión digital sobre lienzo, 84 x 118.8cm.

Después de mi entrevista con Lawrence Lemaoana, tuve que buscar una palabra de la que no estaba seguro. "El rugby es realmente un deporte enculturado", comentó con un acento vago en los suburbios del norte; resulta que fue a la escuela secundaria en Highlands North. Posiblemente, la web era el lugar equivocado para buscar una respuesta, pero luego los diccionarios que había consultado no eran exactamente útiles: la mayoría de las entradas para enculturación leían, "ver socialización". Eventualmente me di por vencido cuando terminé en un sitio web cristiano fundamentalista donde Dios y Noam Chomsky fueron citados para explicar cómo se imponen las normas sociales a los niños pequeños. Al final resultó que, Lemaoana había sido bastante claro: "El rugby es como una religión".
Quizás sea inusual que Lemaoana trabaje sobre el rugby. Inusual porque aquí tenemos un joven negro articulado interesado en producir declaraciones astutas e irónicas, usando fotomontaje y telas a veces decoradas, para comentar sobre el deporte preferido de su blanco promedio. "En el mundo del arte me enfrento a presiones para producir ciertos tipos de trabajo", responde con franqueza. "A menudo me piden que haga acuarelas, chozas y otras cosas". Él exprime una risa astuta. "Entonces les presento esto".
Dejando a un lado las cuestiones de permisividad, su interés en el rugby no está totalmente exento de resonancias autobiográficas. "Jugué rugby provincial por un tiempo, en Highlands North, Soweto, y luego en mi punto más alto para Gauteng Lions u / 18 en Craven Week 2000", explica. "Jugué al flanco".
Aunque poco a poco pierde su imagen elitista (blanca), el rugby todavía se ve afectado por numerosos problemas, ya que pesa en el presente no racial. Jugando a un nivel competitivo, era inevitable que Lemaoana se sintiera atraído por la política real del deporte. Usando su trabajo Jerarquía de color (2006) como punto de referencia, recuerda una carta que contiene los nombres de los jugadores seleccionados para los Leones. Algunos de los nombres estaban marcados con un asterisco.
"Resultó ser todos los negros", aclara. “En la parte inferior, la carta explicaba la cuota de jugadores negros requerida. Me hizo cuestionarme a mí mismo. Si somos los jugadores de color, ¿cuáles son los otros tipos? ¿Cómo se llaman? ¿En qué categoría caen? En ese momento no era un tema delicado, solo quería jugar, pero cuando comencé a hacer mi arte cuestioné estos temas ”.
No es solo el deporte lo que informa la práctica de Lemaoana. Sus fotomontajes y obras de tela de colores exuberantes también afectan a la masculinidad exagerada de Sudáfrica al tiempo que expresan interés en la decoración y los adornos. "La mayor parte de mi trabajo está en capas", dice sobre los fotomontajes. "Tiene quizás cuatro capas diferentes que se han reducido". Además de fotografiar amigos y escenas de paisajes en Mpumalanga, también levanta imágenes de internet, revistas botánicas y telas de Shangaan. El resultado, en sus fotomontajes, es "un paisaje ficticio, un espacio de ensueño, un espacio construido".
Cuando planteo un punto de que su trabajo puede parecer vagamente kitsch, simplemente sonríe. Ella me señala su trabajo La discusión (2005), un campamento remodelando el mural de Da Vinci La Última Cena. Le ganó el Premio Gerard Sekoto de Absa L'Atelier en 2005. "Si vas a cualquier casa en Soweto, encontrarás la imagen de Da Vinci". Al negociar el "cambio de escenario entre Soweto y la ciudad", una declaración expansiva latente con posibilidades, decidió volver a visitar esta imagen. El resultado recuerda que Yinka Shonibare se filtró a través de la lente de un Tretchikoff católico. De alguna manera funciona
Dado su comentario puntiagudo sobre el rugby y su lucha poco elegante con el tema de la raza, le pregunto cómo se sintió al ganar un premio de arte diseñado conscientemente para abordar un desequilibrio de cuotas en el arte sudafricano. "¿No te hizo sentir como un jugador de color?" Pregunto, utilizando el título de su exposición Alliance Française como punto de referencia.
"Para mí era solo otra forma de crear categorías especiales", dice. “Se relaciona mucho con el rugby. La línea estándar [en el rugby] era que 'tienes gente que ha estado haciendo esto durante muchos años, generaciones y generaciones'. Nuestro argumento fue, '¿Qué pasa con el talento?' ”. Bromeo diciendo que tal vez es hora de que los artistas negros comiencen a participar en concursos con el pretexto de ser blancos, un refinamiento, por así decirlo, de los artistas blancos haciendo lo contrario, Wayne Barker / Andrew Moletsi y , con menos encanto, Beezy Bailey / Joyce Ntobe
"Tal vez", se ríe. "Tienes que negociar constantemente tu camino".

Acerca de Lawrence Lemaoana: Nacido en Johannesburgo (1982), Lemaoana vivió en Welkom antes de regresar a Johannesburgo para completar sus estudios. Graduado del Technikon de Witwatersrand, donde obtuvo un Diploma Nacional en Bellas Artes (2003), ganó el Premio Absa L'Atelier Gerard Sekoto 2005. Actualmente matriculado en la Universidad de Johannesburgo, donde actualmente está completando más estudios para obtener un título, Lemaoana presentará una exposición de nuevos trabajos en la Galería ABSA en Johannesburgo en junio. Una exposición itinerante organizada por Alliance Française se realizará en Johannesburgo (19 de julio - 9 de agosto) y Pretoria (16 de agosto - 6 de septiembre).


¿Qué vuelve a hacer la rutina?
DESPUÉS DE GANAR UNA GRAN COMPETICIÓN EL AÑO PASADO RACK SACKS SALIÓ A LAS ISLAS CANARIAS, LUEGO NO LARGO DESPUÉS PARÍS. HABLA PARA VER A O'TOOLE SOBRE SU PRÓXIMA GRAN PARADA: LA BIENAL DE VENECIA.

Ruth Sacks, Para ti, 2007, cartón corrugado troquelado, dimensiones variables, primer plano de instalación en SMAC, Stellenbosch.

Ha sido un año vertiginoso y un poco para Ruth Sacks. Después de ganar el Absa L'Atelier 2006, se fue a las Islas Canarias a fines del año pasado para instalar una obra en la Bienal inaugural de Canarias. Poco después, se encontró en París, en la Cite Internationale des Arts de París, donde actualmente se encuentra en una residencia de seis meses. Para colmo, documentación de No entres en pánico (2005), su instalación skywrite encantadoramente ligera pero masivamente afirmativa, se exhibe en la Bienal de Venecia de este año. La obra, que forma parte de la Colección Africana de Arte Contemporáneo Sindika Dokolo, ha sido comisariada en la exposición colectiva de Fernando Alvim y Simon Njami Lista de verificación, en exhibición en el Pabellón Africano. En un país propenso al síndrome de la adormidera alta, los logros de Sacks han provocado celos mordaces. Arte Sudáfrica recontextualizó algunas de estas púas, formulándolas como preguntas. La respuesta de Sacks ofrece una elaboración lúcida de su práctica.
Trabajos recientes como No entres en pánico (2005) y Luz de luna artificial (2006) son muy efímeros, distintos de insustanciales. Este último me recuerda el trabajo de Martin Creed No.227: Las luces se encienden y se apagan (2000), que vi instalado en la Bienal de Berlín del año pasado, De ratones y hombres, comisariada por Maurizio Cattelan. Menciono esto por una razón. Su práctica parece compartir ciertas afinidades con sus estrategias conceptuales. ¿De acuerdo en desacuerdo?
Estoy de acuerdo con respecto a trabajos específicos, pero no con sus estrategias generales tal como las entiendo. Pero me gusta su sentido del humor. El mensaje ambiguo de la intervención pública de Creed. Todo va a ir bien (Londres, 2002) siempre me hace sonreír. Yo creo que No entres en pánico recoge esto. Cuando comencé este trabajo por primera vez, miré bastante el trabajo de Cattelan de la década de 1990 (especialmente Otro puto readymade desde 1996) pero ya no tanto. Con Luz de luna artificial, mi intervención fue específica del sitio, a diferencia de las luces ganadoras del premio Turner de Creed que se pueden colocar en diferentes contextos. Cuando adjunté luces giratorias muy potentes al edificio de la galería Los Lavaderos en Tenerife, me refería a la historia de este último. Hay una larga tradición de un festival que se celebra en ese sitio cada año para la Virgen de Fátima, quien debe revelarse a tres niños a través de un espectáculo de luces sobrenatural. Además, de acuerdo con el tema central de la bienal, la pieza tomó el contexto más amplio de la situación política de Canarias a través del cierre de las puertas de la galería tan pronto como se encendieron las luces. Los rayos de luz se movían como reflectores, pero también daban la impresión de que se anunciaba algún tipo de evento. Cuando la gente venía a ver qué pasaba, se impedía el acceso al interior del edificio.
En una línea relacionada, usted mencionó anteriormente (en correspondencia) que su enfoque es generalmente "en aspectos de mi vida personal, especialmente inseguridades, que trato de comunicar a través de una variedad de medios". Doreen Southwood ha seguido una estrategia similar, que veo que algunos de sus críticos han recogido. ¿Eres admirador de su trabajo?
Me interesaría saber a qué críticas te refieres aquí. Pero me gustan los primeros trabajos de Doreen, específicamente El buzo (2003) y Trofeos flotantes (2002) Disfruto el hecho de que a veces compartimos impulsos similares para expresar tendencias neuróticas, mientras que nuestra estética y mecanismos de producción mutuos son muy diferentes. A mí me parece valiente que ella muestre tanto sobre su vida personal en una pieza como Trofeos flotantes. En mi propio trabajo, tiendo a usar señuelos visuales para tratar de pasar por alto cualquier detalle íntimo directo.
Una crítica de No entres en pánico es que todo se ha hecho antes: James Turrel, Sam Francis y Marinus Boezem. Personalmente, no le doy mucha importancia al hecho de que, debido a que alguien más ha hecho algo, ahora es de propiedad exclusiva. Hacer arte sería mucho menos rico si una visión tan estrecha de la creatividad se convirtiera en una ortodoxia. ¿Cuáles fueron tus intenciones cuando hiciste este trabajo? ¿Y cómo responde a la actitud de 'visto todo antes' expresada por algunos en relación con su trabajo?
Yves Klein estaría molesto porque no fue mencionado en esa lista. El hombre estaba convencido de que había firmado la parte posterior del cielo en un viaje imaginario y dijo que odiaba a las aves porque hicieron agujeros en lo que él creía que era su mejor obra de arte. Creo que sería realmente complicado hacer cualquier trabajo si los artistas no pudieran experimentar con medios que ya se habían utilizado. Tendrían que descartarse tradiciones enteras de pintura al óleo, tallado en madera, etc. Lo cual sería una pena.
Similar a No entres en pánico, tu trabajo Para ti (2007) usa texto para comunicar una idea o pensamiento. A diferencia de la obra anterior, es verificable un objeto existente en el espacio, una escultura si se quiere. ¿Puedes hablar sobre la relación entre las dos obras, y también tu motivación para hacer la última?
La palabra "LO SENTIMOS" está deliberadamente ausente en la etiqueta para que el espectador tenga que trabajar un poco más y caminar alrededor de montones de letras de cartón de dos metros de altura para descubrir lo que deletrean por la forma de los formularios y el volcado "R" s. La idea era que un entorno en el que la palabra "lo siento" se repite una y otra vez es incómodo y torpe. Entonces, la disculpa explica la presentación de mala calidad, así como la falta de legibilidad.
Me gusta usar piezas de texto porque la forma en que trabajo depende del soporte textual de alguna forma. Mi proceso con estos trabajos es uno que he aplicado a menudo por el cual me refiero a mi colección personal de frases. Estos están tomados de otras obras de arte, novelas, anuncios, graffiti, conversaciones y canciones pop. En los ejemplos de Para ti y No entres en pánico, Me encontré con un medio que pensé que se adaptaría a un contexto específico y luego examiné mi lista para encontrar palabras adecuadas que fueran aplicables.
Su exposición SMAC incluyó una instalación, en sus palabras, "ideada para parecer como si se hubieran realizado 2.5 años de trabajo allí". Sonreí cuando vi dos libros de Walter Benjamin, los cuales poseo, uno de los cuales he leído parcialmente y el otro simplemente un fuerte libro (por ahora). Entonces, ¿leíste a Benjamin? ¿Y cuál de los libros que no has leído pero que has mostrado en el estante leerías primero? ¿Por qué?
Leí a Benjamin y lo mencioné en mi disertación sobre AMF en la vida real con la conciencia tranquila. No pretendo haber superado la totalidad de Proyecto Arcadas, aunque. Con estar actualmente en París y todo, este sería el número uno en mi lista de deseos de lectura. También intenté hojear los libros de segunda mano dentro de las portadas falsas que componen esa pieza. Espero estar acordando correctamente aquí, pero creo que las falsas portadas de Walter Benjamin ocultaban una novela anual ilustrada para niños y también una novela realmente basura con una dama rolliza en apuros en la portada.
La pieza en SMAC era solo la estantería de una gran instalación en la que hice un estudio falso que conscientemente presentaba la ilusión de representar todo el trabajo que había hecho en los últimos 2.5 años. Hubo mucha realización de fantasía allí también. Por ejemplo, incluí fotografías falsas de personas a las que me hubiera gustado que fueran mis amigos en la pizarra (como Richard Prince).
Dos preguntas relacionadas, que espero que responda espontáneamente. Hace un comentario perverso sobre Artheat ¿herir? ¿Y cuál es la diferencia entre una mala crítica y una mala publicidad?
Los comentarios de perra siempre duelen. Ya sea que se entreguen en el patio de la escuela, una fiesta o un blog, ese es su punto. Creo que dicen más sobre las personas que los hacen que el tema de conversación. Por eso no leo Artheat mucho y cuando lo hago evito las secciones de comentarios. He tenido esta política desde que comenzó a ponerse desagradable. Si alguien no está preparado para poner su nombre en una declaración, o mantener algún tipo de identidad anónima fija, entonces toda la diversión se ha ido de tener una gran pelea artística al respecto. Por otro lado, si una revisión está bien investigada y escrita por alguien cuyo trabajo respeto, lo tomo en serio. Malo o bueno.

Acerca de Ruth Sacks: Sacks, nacida en Port Elizabeth (1977), completó una licenciatura en Bellas Artes en la Universidad de Ciudad del Cabo (1999), donde actualmente está leyendo para una maestría en Bellas Artes en la Escuela de Bellas Artes Michaelis. Ella ha presentado dos exposiciones individuales en la Galería João Ferriera, Cuando el interior permanece adentro (2005) y Trabajos en cera y plastico (2003) Ella ha participado en numerosos shows grupales, incluyendo GIMBERG / NERF / SACKS / YOUNG (2007) en SMAC, Lista 06: la joven feria de arte de Basilea (2006) en Basilea, y Lista de Verificación (2007), parte de la Bienal de Venecia de 2007. Ha sido seleccionada para participar en una residencia de tres meses en el iaab International Exchange and Studio Program, en Basilea.