'En contexto: africanos en América:' En conversación con Julie Mehretu

“En cualquier momento dado, mientras trabajo en una pieza, los eventos se desarrollan a mi alrededor y son parte de mi vida, el estudio y mi práctica; la Primavera Árabe / Africana es un ejemplo. Tenía las noticias constantemente mientras pintaba. Todo esto encuentra su camino en mi trabajo; abrazar las diversas historias, contradicciones y complejidades; para triturarlos, atarlos y tal vez encontrar los descansos ".

Boletín de AA 2017 Ene05 JulieMehretu1Julie Mehretu, Mogamma (Una pintura en cuatro partes: Parte 1), 2012. Tinta y acrílico sobre lienzo, 457.2 x 365.8 cm. Colecciones privadas. Crédito de la foto: Ben Westoby. © Julie Mehretu. Imagen cortesía del artista; Galería Marian Goodman y White Cube.

ARTE ÁFRICA: Has vivido en numerosos lugares, desde Addis Abeba hasta Dakar, Berlín y Nueva York. ¿En qué momento de su carrera artística se dio cuenta de que el entorno construido era una especie de metáfora o núcleo de sus procesos de pensamiento?

Julie Mehretu: Comencé a dibujar sobre la cartografía y la arquitectura, su historia y la historia de la ciudad, bastante temprano en mi trabajo e investigaciones; poco después de la escuela de posgrado. La historia espacial de la ciudad y su arquitectura me proporcionó metáforas socialmente específicas para los sistemas de pensamiento, deseo y poder. En ese contexto, las marcas participaron en la construcción y deconstrucción de la mecánica espacial y la experiencia de la obra. Era una forma de colapsar el espacio y el tiempo en los que dibujaría, pintaría y evolucionaría. En cierto modo, fue un esfuerzo por dar sentido y destilar mi experiencia en y del mundo, una forma de ubicarme a mí mismo. El último cuerpo importante de trabajo que se basó en gran medida en el dibujo arquitectónico fue mi Mogamma serie. Desde entonces hice algunas pinturas que usan este mismo lenguaje (El Cairo, 2013; Damasco, 2015) pero en los últimos años ese lenguaje ha encontrado su camino fuera de las pinturas.

En una entrevista anterior dices que tus obras "no podrían existir con el pensamiento racional". ¿A qué te refieres con esto?

Confío mucho en mi intuición. Es una gran parte de mi proceso, prestar atención, sacar mi cabeza fuera del camino, dejar que el instinto y el azar guíen mi creación, pero también minar mi dirección e intereses. Viene de la destilación de horas y semanas de pensar en el trabajo, investigar, mirar, sentir y responder. No hago arte en el vacío, trabajo desde dentro de mi mundo - mi trabajo, mis deseos, mis atracciones - es mi brújula. Este es un sentido como cualquier otro, y es uno en el que he trabajado durante años para desarrollarlo y comprenderlo. No se puede hacer sin un sentido de dirección, sin pensar en el proceso. Es parte de un continuo, tanto mío como de una conversación histórica del arte más amplia.

Boletín de AA 2017 Ene05 JulieMehretu2Julie Mehretu, Mogamma (Una pintura en cuatro partes: Parte 2), 2012. Tinta y acrílico sobre lienzo, 457.2 x 365.8 cm. Colecciones privadas. Crédito de la foto: Ben Westoby. © Julie Mehretu. Imagen cortesía del artista; Galería Marian Goodman y White Cube.

Trabajas predominantemente a gran escala. ¿Cómo se pretende que tus cuadros ocupen espacio?

Comencé a trabajar en cuadros de gran formato porque me interesaba la relación dinámica del cuerpo con la extensión del cuadro. Estaba interesado en crear una experiencia inmersiva cuando uno estaba cerca de una pintura, y una experiencia y comprensión muy diferente cuando uno estaba lejos y podía ver la pieza completa desde un punto de vista. Me interesaba imitar la experiencia de navegar por la ciudad, su dinamismo laberíntico y caleidoscópico. La experiencia de perder el lugar, ser subsumido, sumergirse en la complejidad y contracciones de la pintura y el dibujo.

Me interesan los procesos de estratificación y borrado, y su relación con la historia como algo que realmente nunca se va. Los elementos de la arquitectura que se definen en su obra también tienen sus propias connotaciones históricas, políticas y sociales. ¿Qué pretendes lograr colocando todos estos elementos en la misma página e interactuando con ellos?

Las diversas capas de mi trabajo son la información visual, el lenguaje social, la codificación y el contexto, algunas definibles, descifrables y otras no. En cualquier momento dado, mientras trabajo en una pieza, los eventos se desarrollan a mi alrededor y son parte de mi vida, el estudio y mi práctica; la Primavera Árabe / Africana es un ejemplo. Tenía las noticias constantemente mientras pintaba. Todo esto encuentra su camino en mi trabajo; abrazar las diversas historias, contradicciones y complejidades; para triturarlos, atarlos y tal vez encontrar los descansos. Las pinturas no se pueden leer y comprender simplemente, no son didácticas. Ni siquiera pueden reducirse a ese único evento, incluso si de alguna manera la geografía de una pintura llega a ser definida por él. Los gestos, las marcas, las tachaduras, son una resistencia a la reducción, a ser definido o visto como explicativo. Es una insistencia en la opacidad, la abstracción, la experiencia en la complejidad de un momento que se encierra y se apega al pasado y que avanza hacia el futuro.

Ha elaborado un trabajo en torno a la revolución que ocurrió en la Plaza Tahir, El Cairo. En una entrevista con Modern Art Notes, expresó su frustración por la forma en que esa revolución tocó fondo, se corrompió y sintió que estos comportamientos sociales se estaban repitiendo de alguna manera. En este sentido, ¿considera su trabajo como un espacio alternativo o imaginado, donde se podrían realizar futuros alternativos potenciales?

El impulso es hacia eso, encontrar las roturas, los huecos, las fisuras, pintar a través de ellos, explorar o crear espacios de un posible otro emergente.

Boletín de AA 2017 Ene05 JulieMehretu3Julie Mehretu, Epígrafe, Damasco, 2016. Huecograbado, aguatinta al azúcar, aguatinta al escupir, bocado abierto Hahnemühle Bütten 350 gr. Marcos en total: 247.7 x 574 x 7 cm. Crédito de la foto: Alex Yudzon. © Julie Mehretu. Imagen cortesía de la artista y Marian Goodman Gallery y Niels Borch Jensen Editions.

Si bien la abstracción siempre ha jugado un papel importante en su práctica, su última exposición 'Hoodnyx, Voodoo and Stelae' en Marian Goodman Gallery representa una ruptura muy clara con sus trabajos anteriores. ¿Cómo percibe esta transición en el futuro?

La orientación ha cambiado y las referencias geométricas / arquitectónicas se han eliminado, poniendo este nuevo trabajo en una base más profunda en la abstracción. He evolucionado y profundizado mi compromiso con un sentido intuitivo, que quizás sea un reflejo del paso del tiempo; sin sentir la necesidad de ofrecer las señales visuales que un espectador puede entender o interpretar, sin sentir la necesidad de esa columna vertebral estructural. Tomar la decisión, de hecho, de tirar esa columna vertebral, esas metáforas, ese fundamento, para inventar dentro de un lenguaje de pintura y abstracción, para inventar neologismos visuales. Tomando de la historia de la pintura, sus marcas, su lenguaje, luego mezclando esas citas en otro espacio - 'JUMP – CUT – ZOOM' - una marca parte Nauman / parte Oehlen / parte Guston / parte Hammons / parte Mitchell / parte Bhabha / parte Ofili / parte Mehretu. Los neologismos existen y se inventan a partir de una “cultura de la insatisfacción”, de partes del lenguaje para aquellos de nosotros que sentimos que el lenguaje en cuestión no es suficiente y problemático como lo es para minar e imaginar nuevos futuros. La necesidad, de hecho, de repensar y reinventar como parte de una conversación en curso. En este momento estoy trabajando en dos encargos a gran escala para SFMOMA, que llevarán esta forma evolucionada de creación de marcas, este nuevo lenguaje, a un nuevo lugar, en este caso, a través de las superficies más grandes que he hecho.