FNB JoburgArtFair 2016: Grace Cross | HERRERO

Presentado por SMITH, Grace Cross exhibirá un proyecto en solitario en el FNB JoburgArtFair 2016. ARTE ÁFRICA se puso en contacto con Cross para obtener más información sobre el artista y el cuerpo de trabajo expuesto.

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ARTE ÁFRICA: Naciste en Zimbabwe, pero creciste en India, América y Sudáfrica. ¿Cómo crees que esta experiencia informa tu arte?

Grace Cross: El nomadismo cultural que experimenté al crecer informó mi identidad cultural y el arte que estoy interesado en hacer hoy. Encarno muchas de las historias pasadas de los lugares en los que he vivido, así como la de mi familia, que incluye farmacéuticos griegos, juglares holandeses de vodevil, granjeros zambianos, encantadores de serpientes y matriarcas clarividentes boer, por nombrar algunos.

Entro al mundo habiéndome tragado ya muchos mundos. Mi historia, transmitida a través de mi ascendencia sudafricana, es de extracción e inserción en la historia. Pero esa historia, se ha escrito como un discurso terra nullis, como una inscripción en una pizarra en blanco, contada a través de la voz del conquistador. Me interesa minar mi pasado personal y heredado para buscar el potencial de un espacio alternativo imposible, mítico, que pueda llegar a través del tiempo para reconfigurar el pasado en el presente. Mi narrativa personal es la del extranjero; y como extranjero utilizo mi práctica artística como base para reconstruir mi hogar cultural, probándome múltiples máscaras y falsos yoes, simultáneamente verdaderos o falsos.

Su trabajo proporciona una especie de crisol de referencias históricas y transculturales, "ordenado para revelar solo una parte de una historia", sin embargo, a menudo es la otra parte silenciosa la que habla más fuerte. ¿Cuál es el propósito de esta ambigüedad?

Mis pinturas nutren esa ambigüedad para suspender cualquier noción percibida de la realidad como construcción de mitos. A todos se nos transmite una historia mitológica, a través del terror y los horrores del colonialismo y la industria moderna y esta historia, tan poco ligada a la verdad, es un archivo construido de historias cuidadosamente elegidas que excluyen, omiten y reprimen. Mi trabajo evoca una historia profunda para traer sabiduría cultural transformadora y materiales juntos para erosionar y excavar esas historias para la reanimación de nuestro momento presente. Me acerco a la creación de imágenes como una forma de reanimar historias leídas a contrapelo. Esta reanimación es una especie de mimesis, signos operativos y estructuras de producción para traducir otras culturas de otros tiempos. Cada lectura interpretativa de mi pintura es una nueva situación, un nuevo conjunto de líneas en una página y una nueva iteración. Quiero que no sólo se lea el significado obvio y simbólico de una imagen, sino que se sienta el significado arriesgado y obtuso. No puedes probar un hechizo. Decirlo es ponerlo en práctica. En este sentido, mi arte de apropiación, entendido como invocación, se ocupa de las practicidades y gestos materiales que se realizan en la ceremonia de invocación. Mis cuadros se convierten en una superficie de protecciones, recepciones y proyecciones. Al hacer mi trabajo a través y situado en el ámbito controvertido de la experiencia humana y abrazar narrativas contrarias de la historia, intento mejorar la pérdida social y cultural.

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Su uso de pintura, desde colores lavados y planos hasta manchas globulares, tiene mucha textura, su paleta es bastante atrevida. ¿Qué papel juegan el proceso y el medio en el desarrollo o mejora de estas narrativas?

El proceso de pintar es fundamental para la producción de mi obra. Hay una comunicación mágica y rota que se produce en mi atestado estudio entre el material, Mark y yo. La pintura es adaptable; puede adquirir las cualidades de la carne, el hilo dental azucarado o la sangre menstrual en diferentes iteraciones. Su capacidad para invocar funciona de la mano con el sujeto que representa la pintura. Utilizo los colores viscerales, predominantemente el color rojo, en toda mi práctica porque el color tiene una respuesta inmediata y visceral que se siente en el cuerpo. Mis colores llevan rastros de sangre, de un STOP en la calle, de vida, sexo, amor y muerte; el color se comunica directamente como sintético y animal. Mi trabajo investiga cómo la materia de la tierra (minerales) y de la mente y el espíritu (mitología y conocimiento sagrado) se lleva a la superficie, donde sufre una transmutación fundamental en moneda secular y espiritual. Mis lienzos íntimos, una conexión de hilos sueltos, son para mí terrenos sagrados de curación. La marca dibujada en el lienzo restaura pero también puede masacrar, cortar o suturar, honrar o parodiar. Los primeros dibujos en las cuevas utilizaban el ocre como pigmento principal, ya que se puede extraer tanto de la tierra como del cuerpo. El cuerpo es un factor principal en mi producción artística. Soy un pintor muy físico y fabricante de fibras. Uso mi peso para esculpir representaciones sagradas y profanas; abierto a ser engañado y, como la pornografía, sacia un deseo de lujuria. La pintura construye teatros en miniatura a través de vínculos proteicos. Estos vínculos me ayudan a mapear e inscribir mis relaciones sociales, específicamente las demostraciones y negociaciones de poder que están involucradas recursivamente en su propia reproducción y reconstitución corporal.

Por favor, cuéntenos sobre el trabajo que se exhibirá en la FNB JoburgArtFair. ¿Qué lo inspiró?

Mostraré una serie de tapices de pintura bajo el letrero 'Cave Canem'. Esta frase latina significa "cuidado con el perro", un término que se refiere vívidamente a las señales de seguridad que salpican los suburbios de Johannesburgo. El término también se refiere a una cueva; un lugar para refugio y almacenamiento, como una caseta de feria, y "cueva", es un término que transmite rendición y colapso. Las pinturas tratan sobre la idiosincrasia de los rituales tradicionales y modernos de la cosmología sudafricana chocando entre sí. El trabajo dentro del stand deconstruye las nociones del mercado africano antiguo y moderno. Tanto en entornos locales como internacionales, el mercado es una mezcla híbrida de personas, gustos y objetos que se reúnen. Ya sea en un puesto de tostado de nueces en Senegal, ropa de lujo china anunciada con luces LED o comercio en línea en todos los continentes, el mercado es un símbolo de los rituales tradicionales que conviven con las creencias contemporáneas. También es un marcador de gentrificación y apropiación cultural, donde las audiencias del mercado empujan a los negocios locales bajo la veloz e inflexible máquina del capitalismo. Mis pinturas existen como formas de aparición (que hacen referencia a recuerdos, diálogos y movimientos) y poseen una materialidad cursi y excéntrica. Con un telón de fondo más vívido que el cubo blanco, el stand como mercado propone una conexión experiencial con la narración, el intercambio económico y el ritual de la actuación cultural. Este puesto ofrece una oportunidad para resolver y representar visualmente cuestiones tan complejas como la raza, el feminismo y las fronteras culturales que surgen a través de géneros cruzados. Alegorizando lo cotidiano y lo mítico en un mismo espacio, surge una narrativa visual desde perspectivas interseccionales.