Huida del juicio

¿Recuerdas una época en la que solíamos tener críticos de arte?

(Si es un coleccionista nuevo, probablemente no lo sea)

En 2003, James Elkins, escribió un librito, no mucho más grande que un panfleto, titulado ¿Qué pasó con la crítica de arte??

"En una crisis mundial ... disolviéndose en el desorden de fondo de una crisis cultural efímera ... [la crítica de arte está] muriendo ... producida masivamente y masivamente ignorada".

La esencia del libro es que el mundo del arte produce más escritos que nunca, desde ensayos de exposiciones hasta comunicados de prensa, periódicos, medios impresos y plataformas de contenido. Sin embargo, la cantidad no solo no ha aumentado el impacto, sino que de hecho lo ha disipado. Una de las razones de la pérdida de relevancia es lo que Elkins identifica como la "huida del juicio y la atracción de la descripción". Para decirlo de otra manera, es la suspensión de las responsabilidades del crítico de arte como experto, con las habilidades y la capacidad de formarse un juicio confiable sobre los méritos de una obra de arte.

Tales juicios nos dieron guerras de prensa en el París del siglo XIX, que dieron lugar al fauvismo y al impresionismo. A pesar de todas las controversias sobre la teoría del arte que ha generado, nadie puede negar la importancia de Clement Greenberg en la defensa de los artistas del expresionismo abstracto desde Rothko hasta Pollock, Frankenthaler y de Kooning.

Sin embargo, si selecciona o hace clic en casi cualquier publicación de arte o contenido de medios relacionados con el arte hoy, verá la “huida del juicio” de Elkins en acción. Las redes sociales y el entorno en línea han facilitado aún más la “huida del juicio”, con contenido predigerido e 'instagrameabilizable', que permite que la tecnología impulse el mercado y el mercado impulse el arte. Por el contrario, la escritura de arte dirigida a un público profesional / erudito no solo se obsequia con un léxico impenetrable y referencias oscuras, sino que, lo que es más importante, casi invariablemente se dirige a temas que el escritor admira y en los que está interesado. Sin comparación, el lector no es capaz de comprender genuinamente educarse a través de dicha escritura.

Vivimos en una época en la que la escritura, en lugar de ser una herramienta y una guía, se ha convertido con demasiada frecuencia en un sustituto del significado y, como resultado, ha despojado tanto del texto como del arte. En un ensayo conmovedor titulado "¿Recuerdas cuando se suponía que el arte era hermoso?" Joseph Bravo ofrece algunas respuestas a la cuestión de la desaparición de la crítica de arte y la preeminencia del texto sobre el significado:

El discurso estético es bastante difícil, pero el cliché políticamente correcto es mucho más fácil y predeciblemente más ubicuo. La estética requiere un dominio de la comprensión del oficio artesanal y la invocación metafísica así como el contexto político; mientras que el cliché de PC solo requiere la afectación de una de estas prioridades y ni siquiera una experiencia auténtica en ella.

También proporciona a los artistas una dinámica relacional, que es milenaria y sin embargo actualmente se prescinde, una relación de responsabilidad empática:

La comunicación estética genuina se basa en la empatía entre el artista y el espectador. Si el arte debe mantener cierta relevancia cultural intrínseca, entonces la audiencia debe ampliarse. Con esa ampliación de la audiencia también debe venir una ampliación de los mensajes y la identidad de los mensajeros, incluso a riesgo de una inquietante cacofonía. Pero idealmente, cada artista se esforzaría por expandir esa comunicación empática para edificar una gama de humanidad lo más amplia posible. Si los artistas van a hablar con su audiencia en lugar de simplemente hablar de ello, entonces deben buscar al menos un punto en común en el que plantar esa semilla de empatía.

En términos de comprensión del proceso artístico, el campo se ha abierto para que personas de prácticamente cualquier otra esfera del conocimiento se sientan calificadas para comentar sobre el arte, trabajar en el arte y junto a artistas. Si bien nunca esperaríamos que un cardiólogo diera una opinión sobre el tratamiento dental, cuando se trata de arte, evitamos declarar que el profesionalismo y la experiencia en el campo es algo para defender y aspirar. Por lo tanto, un teórico político, antropólogo y crítico literario se siente perfectamente calificado para comentar sobre el arte y ejercer influencia en un momento en que se nos dice que todo y todo se puede decir al respecto.

Hay una clara evidencia de esto en el festival anual 'quién quién', el ArtReview 100, que enumera a quienes ejercen la mayor influencia en el arte, personas descritas como "teóricos de la ciencia, la tecnología y el feminismo". Solo 23 miembros de la noble lista son artistas e incluso como tales, necesitan que sus credenciales estén respaldadas por otras actividades, por ejemplo, Luc Tuymans (comisariado) y Wolfgang Tillmans (activismo). Los críticos o escritores no se encuentran por ninguna parte. Ni siquiera la estelar Roberta Smith, la crítica más importante del New York Times, que ha sido el bastión de la profesión durante más de 40 años o la omnipresencia de las redes sociales, Jerry Saltz. Tanto Smith como Saltz, que poseen conocimientos enciclopédicos y experiencia en los campos del arte contemporáneo y la historia del arte, no se consideran lo suficientemente significativos como para figurar en la lista.

Irónicamente, la huida del arte a la relevancia social, al tiempo que proclama defender varias ideologías y causas progresistas, ha servido para facilitar la capitalización del arte. Con artistas y críticos de arte genuinos en la minoría de influencia, los actores que actualmente manejan el mundo del arte podrían no priorizar la promoción de los objetivos del arte, sino más bien buscar instrumentalizarlo ideológica o comercialmente. Después de todo, es más fácil comercializar y vender a audiencias de compras nuevas y poco informadas que dejan de depender de sus ojos y compran en función de lo que leen o se les recomienda comprar.

Junto con la importancia del texto, además del mercado y las ventas como impulsores clave, hemos visto una efusiva carrera hacia la publicidad que se disfraza de contenido y celebración. Numerosas plataformas generan contenido pictórico y publicitario diario sobre arte y son ampliamente leídas, y pocos cuestionan el hecho de que son esencialmente plataformas de ventas con un modelo de negocio. Dependen de la venta de obras de arte pero, lo que es más importante, de suscripciones abonadas por las galerías. Como resultado, tienen un gran interés en escribir contenido predominantemente entretenido que aparece junto con el contenido publicitario. Un análisis reciente de los 'puestos Top 10/20' en ferias de arte por plataformas de arte reveló poca superposición entre las selecciones, pero una gran conexión entre anunciantes y socios en la plataforma. En un clima de celebridades y mercado, las personas comienzan a mirar al Financial Times y al Wall Street Journal para buscar escritos serios sobre arte en lugar de buscar información de historiadores o críticos de arte.

Las redes sociales y el entorno en línea han hecho que la "fuga del juicio" sea aún más fácil, con contenido pre-digerido e instagrammable, que permite que la tecnología impulse el mercado y el mercado impulse el arte.

El alejamiento del discurso centrado en el arte también está íntimamente ligado a las fuentes de financiación de las artes, porque los financiadores también forman parte de la clase de compradores, aunque de una forma ligeramente diferente. La mayor parte del financiamiento está en manos de burócratas que están mal equipados para participar en el discurso estético, pero siguen siendo expertos en ver los "méritos" del arte como una herramienta de política social. La fraternidad curatorial dependiente de fondos ha colaborado en la cooptación y la promulgación de arte que encaja dentro de tales marcos, elevando lo que se conoce como 'arte institucional'. Dado que la comunidad curatorial no es grande y tiene mucha publicidad, sus miembros circulan ampliamente entre los jurados de premios de arte, ayudando en la selección de artistas y representando galerías en ferias de arte.

Como resultado, lo que se exhibe y promueve podría no ser necesariamente el mejor, más representativo o históricamente significativo. Este es especialmente el caso del arte contemporáneo de África, donde están surgiendo mercados y galerías locales y la financiación gubernamental para las artes sigue siendo insuficiente. Por el contrario, la atención y promoción del mercado internacional se ha dirigido a llegar a los bolsillos de los ricos del 'Norte Global'. Por lo tanto, no es sorprendente que los artistas que se hacen internacionalmente visibles sean aquellos que mejor encajan con la estética occidental y las nociones de lo que África es y debería ser. Es comprensible que, dada la subrepresentación histórica del arte del continente, exista la necesidad de celebrar y promover los logros actuales. Sin embargo, existe el riesgo de caer en el lado equivocado de la historia del arte, especialmente si creemos que los africanos pueden y desarrollarán sus propias escenas de arte sostenibles, colecciones importantes, instituciones de arte y el objetivo de la autodeterminación en el arte.

Si bien está de moda e incluso es divertido seguir a la prensa y al 'quién quién' participando en ferias de arte internacionales, muchas galerías en África y los artistas con los que trabajan no pueden y no podrán, durante mucho tiempo, poder permitirse participar. en Art Basel o incluso 1:54 Feria de Arte Africano Contemporáneo. El costo de participación, los regímenes de visas y los dramas del sistema financiero, sin mencionar los criterios de selección y las preferencias del mercado, aseguran que la mayoría de las galerías que participan en ferias internacionales de arte africano y eventos relacionados no sean del continente.

Si se quiere apoyar de manera significativa el desarrollo del arte contemporáneo en África, es necesario investigar, seguir y apoyar la producción de arte y las instituciones artísticas con sede en el continente. Las galerías locales y las instituciones de arte invierten no solo en el desarrollo y la promoción de artistas, sino también en sus vidas. Funcionan de una manera tan relevante para África como lo es para el mercado internacional, porque esta es la única sostenibilidad a largo plazo en la que se puede confiar, cuando cambian las tendencias internacionales. Las galerías internacionales que representan a artistas africanos no están en mejores condiciones para hacerlo; su bienestar depende de la capacidad de responder a las inquietudes en su propio entorno y mercados. Comprender esa diferencia es crucial.

En cuanto al desarrollo de una colección personal, es importante reconocer que en el arte, como en cualquier campo vasto en historia y conocimiento, no hay sustituto para la educación personal, con la conciencia de la manipulación ansiosa que es el estado actual del mercado. Puede ser un juego divertido mantenerse al día con los chismes y maquinaciones del mundo del arte para medir los movimientos de los precios. Estos son los factores que definitivamente impactan en los precios a corto y mediano plazo de las obras de arte. Sin embargo, puede estar seguro de que no podrá mantenerse al día con todos ellos, todo el tiempo, lo que también se aplica a aquellos de nosotros que invertimos profesionalmente en el campo. Además, estas salpicaduras de atención son solo pequeños contribuyentes al valor histórico a largo plazo, que se desarrolla durante siglos en lugar de años. Con lo que puede seguir el ritmo y con lo que puede obtener una medida de control y certeza es su capacidad para comprender y apreciar el mérito del trabajo, así como la evolución de su gusto. Claro, puede ser difícil separar la información real de la publicidad, pero no es ciencia espacial. Se trata mucho más de desarrollar una comprensión de la creación artística en lugar de lo que se escribe sobre ella como una racionalización ex post facto. Se trata de aprender a usar sus ojos y dejar que eso guíe sus oídos, es decir, las preguntas que hace sobre el artista, sus habilidades y la importancia de su contribución al campo.

En declaraciones a artnet.com, Laurence Dreyfus, un asesor de arte internacional, comentó sobre los coleccionistas con los que trabaja, afirmando que "no compran con los oídos, pero basan sus elecciones en la cultura" ... "[ellos] conocen la historia del arte muy bien ... lo que recopilan se basa en el conocimiento y la curiosidad ”. Es una buena regla general.

LIBROS REFERENCIADOS:

Elkin, James. 2003. ¿Qué pasó con la crítica de arte? Prickly Paradigm Press: Cambridge, Inglaterra.

Žerovc, Beti. 2016. Cuando la actitud se convierte en la norma: el curador contemporáneo y el arte institucional. Libros de archivo: Berlín.

Valerie Kabov es una historiadora del arte con un enfoque en política cultural y economía. Es cofundadora y directora de educación y proyectos internacionales en First Floor Gallery Harare.