Johno Mellish, Una familia de extraños, 2018. Impresión cromogénica en papel Fuji Crystal Archive, 100 x 125 cm. Edición 1/6

Susurros enfáticos en el arte

Compartir vulnerabilidades es un medio para ayudar a derribar barreras entre grupos dispares de personas

SMITH presenta 'Emphatic Whispers', una exposición colectiva que investiga el potencial del arte para convertirnos en seres más empáticos y transformar la forma en que nos relacionamos con otras personas. La empatía se extiende más allá de la simpatía y la compasión; es la capacidad de relacionarse con otros humanos en un plano en el que imaginas y comprendes su experiencia vivida como si fuera la tuya. Los seres humanos siempre están en el proceso de "convertirse" mediante el aprendizaje de nuevas habilidades y el fomento de las relaciones, sin embargo, esta exposición considera si la exposición a ciertas prácticas artísticas puede hacernos mejores personas, más afectuosas y ayudarnos a relacionarnos con personas fuera de nuestra experiencia inmediata. Esta exposición presenta las obras de Stephen Allwright, Katherine Bull, Alka Dass, Jess Holdengarde, Claire Johnson, Strauss Louw, Sepideh Mehraban, Johno Mellish, Garth Meyer, Elsabé Milandri, Thandiwe Msebenzi, Gabrielle Raaff, Talia Ramkilawan, Amy Rusch, Shakil Solanki , Brett Charles Seiler y Marsi van de Heuvel.

Brett Charles Seiler, Armario, 2019. Acrílico, lienzo, MDF y tiza, 52 x 93 x 57 cm. Todas las imágenes son cortesía de SMITH.Brett Charles Seiler, Armario, 2019. Acrílico, lienzo, MDF y tiza, 52 x 93 x 57cm. Todas las imágenes son cortesía de SMITH.

'Emphatic Whispers' nutre un espacio para que la creación de arte cree una experiencia compartida. Los trabajos aquí presentados, a su manera, incitan respuestas afectivas que pueden considerarse empáticas. Para que una experiencia sea transformadora, es necesario que haya un momento mágico. De alquimia. Eso es la empatía. A través del proceso artístico, la imaginación de la audiencia y la conexión humana, el arte puede tener poderes transformadores. Los artistas conectan personas e ideas a través del tiempo y el espacio y pueden ser arquitectos del cambio.

In Sobre el dolor de los demás, El ensayo seminal de Susan Sontag de 2001, Sontag sostiene que el valor del impacto y las imágenes vívidas de la guerra no son suficientes para hacer que las personas se conecten y generen empatía. La guerra convierte a las personas en cosas, "las fotografías objetivan: convierten un evento o una persona en algo que se puede poseer". La creación de arte que se aleja del acto potencialmente inútil de intentar documentar las atrocidades se acerca más a llenar los vacíos en nuestra comprensión del dolor de los demás.

Talia Ramkilawan, Untitled IV, 2019. Lana, tela y arpillera, 91 x 68 cm.Talia Ramkilawan, Sin título IV, 2019. Lana, tela y arpillera, 91 x 68 cm.

La empatía puede manifestarse dando voz a las comunidades marginadas. Los tapices ricamente tejidos de Talia Ramkilawan celebran la complejidad de las identidades del sur de Asia. En un contexto sudafricano, estas identidades han sido menospreciadas y erróneamente hechas para parecer homogéneas. La visibilidad es una forma convincente de usurpar las estructuras de poder existentes. Para ello, la visibilidad a través de las artes es un acto radical de resistencia. Brett Charles Seiler usa una prosa pegadiza y símbolos reconocibles asociados con la experiencia gay, visto en Calvin Kleins y Plaga, para hablar de su experiencia como hombre queer navegando por el paisaje romántico moderno. El subtexto aquí es que no somos tan diferentes unos de otros; todos podemos experimentar un trauma en el amor. Su radicalidad exige honestamente una empatía radical. La empatía radical es la idea de que la empatía no es solo un sentimiento o un encuentro emocional, sino más bien una llamada a la acción y un catalizador para el cambio.

Stephen Allwright, tendiendo a un campo de murmullos, 2019. Tinta, acuarela y grafito sobre Fabriano, 70 x 50cm.Stephen Allwright Atendiendo a un campo de soplos, 2019. Tinta, acuarela y grafito sobre Fabriano, 70 x 50cm.

Compartir vulnerabilidades es un medio para ayudar a romper las barreras entre grupos dispares de personas. Las dos figuras fantasmales de Shakil Solanki invertidas una sobre la otra
in Suspirium de Profundis II (suspiros desde las profundidades) hable de las vulnerabilidades asociadas con los actos de intimidad. Stephen Allwright comparte algo de lo más recóndito de su mente cada vez que pone tinta en el papel. En Atendiendo a un campo de soplos, su cabeza es reemplazada por labios sensuales y al fondo, un mar de labios se vislumbra. Los dibujos de Stephen Allwright revelan vulnerabilidad y fragilidad internas. La vulnerabilidad es la clave para la conexión interpersonal y la conexión, a su vez, puede conducir a una acción transformadora.

Strauss Louw, Embodied Landscape, 2019. Tiras tejidas de impresiones en gelatina de plata, 95 x 75 cm.Strauss Louw, Paisaje encarnado, 2019. Tiras tejidas de impresiones en gelatina plateada, 95 x 75cm.

Alka Dass, Strauss Louw y Claire Johnson recurren a sus archivos personales para crear nuevas realidades. Dass utiliza fotografías familiares antiguas y efectos personales como pañuelos combinados con extractos de su diario para desentrañar el trauma intergeneracional. Un pañuelo dice: “Se trata de algo que sucedió hace mucho tiempo pero que me sigue afectando hoy”. Estas confesiones francas crean un espacio para que reconsideremos las secuelas de la historia. En Paisaje encarnado, Louw entrelaza tiras de un exceso de estampados de gelatina plateada para crear un tejido intrincado con sutiles detalles de miembros masculinos que entran y salen de un paisaje exuberante. El trabajo parece delicado; vulnerable al contacto humano. Los fragmentos de imágenes cortadas se conectan para crear un todo que fusiona el cuerpo humano y el paisaje natural.

Gabrielle Raaff, Love me, 2019. Aceite a base de agua sobre algodón, 28 x 39cm.Gabrielle Raaff, Ámame, 2019. Aceite a base de agua sobre algodón, 28 x 39cm.

En su práctica reciente, Johnson se ha sentido atraída por la presencia de ausencia y ha comenzado a recolectar materiales desechados o remanentes. Los presenta desprendidos de su cuerpo original. Restos ceremoniales está hecho de recortes de un abrigo de novia, las piezas despreciadas cobran protagonismo en una reinvención de lo importante. Gabrielle Raaff considera que el acto de pintar es transformador y permite elecciones instintivas en el proceso de creación para producir el resultado final. Raaff dice: "A veces tienes que renunciar a algunas cosas y dejar que el trabajo te lleve". En Raaff's Ámame distinguimos dos figuras; su relación no está clara de inmediato. A través de la ambigüedad y el pensamiento imaginativo, el trabajo de Raaff reconsidera las razones por las que los cuerpos físicos interactúan en espacios confinados. Marsi van de Heuvel también considera que su proceso es parte integral de la comprensión del trabajo. Pasa mucho tiempo en la naturaleza y ha encontrado curativas esas experiencias. Ella espera compartir el poder curativo del mundo natural a través de su delineador minuciosamente elaborado en las obras de Fabriano. Estoy escuchando y Tranquilo son bodegones en blanco y negro en el estilo meditativo característico de Van de Heuvel. Damos flores a los demás como expresión de gratitud, celebración y consuelo. Es una forma humana muy simple para nosotros de mostrar empatía y la tranquilidad de estas obras captura eso.

Las obras de arte pueden generar una respuesta emocional y visceral de quienes las encuentran. En Imágenes y lágrimas: una historia de personas que han llorado frente a pinturas James Elkin escribe: “La gente llora porque las imágenes parecen insoportablemente llenas, complejas, abrumadoras o de alguna manera demasiado cercanas para ser vistas correctamente” o “porque las imágenes parecen insoportablemente vacías, oscuras, dolorosamente vastas, frías y de alguna manera demasiado lejanas para ser entendidas. " Sostiene que cuanto más miras las obras de arte, más comienzas a sentir.

Johno Mellish, Una familia de extraños, 2018. Impresión cromogénica en papel Fuji Crystal Archive, 100 x 125 cm. Edición 1/6Johno Mellish, Una familia de extraños, 2018. Impresión cromogénica sobre papel Fuji Crystal Archive, 100 x 125 cm. Edición 1/6.

El trabajo de Thandiwe Msebenzi, Johno Mellish y Jess Holdengarde espera generar respuestas intuitivas. Msebenzi Imbewu (semillas) transmite angustia internalizada; la tierra está manchada y el cuerpo acurrucado en una posición protectora. El hecho de que nos muestren cuerpos humanos nos hace más conscientes de los nuestros. Las cifras de Mellish's Una familia de extraños se iluminan como en el escenario. Con este drama intensificado viene una mayor conciencia de la desconexión entre los personajes, un momento familiar mundano se convierte en un momento de incomodidad para quienes lo conocen. La creación de collage es un espacio donde se pueden reelaborar piezas de traumas pasados ​​para crear realidades presentes. Collage de fotos de Holdengarde Recogiendo sus lágrimas silenciosas está hecho de fotografías encontradas tomadas en Sudáfrica antes de la liberación. Ella usa estas fuentes para hablar sobre el trauma colectivo. Holdengarde dice: “Este trabajo tiene como objetivo volver a imaginar la narrativa de las fotografías coloniales de un paisaje que ha sido el hogar de tanta agitación y trauma. Cortar y rasgar el pasado es un proceso catártico que crea espacio para el futuro ".

Sesión-Estudio de Elsabe Milandri, 2019. Óleo y tiza sobre lienzo, 600 x 670 mm.Elsabé Milandri, Sesión-estudio, 2019. Óleo y tiza sobre lienzo, 600 x 670 mm.

Los objetos de arte no representativos pueden despertar empatía cuando los humanos responden a la violencia ejercida sobre un objeto inanimado; podemos transferir nuestro cuidado y miedo a la mortalidad a estos cuerpos sin vida. El alegre óleo y tiza de Elsabé Milandri sobre lienzo Sesión / Estudio contiene marcas de marca violentas y apresuradas con rastros de marcas más consideradas debajo. La energía frenética presente aquí encarna la respuesta empática del artista en el estudio y provoca una respuesta eficaz de aquellos que son testigos de las secuelas de esta actuación privada.

Garth Meyer utiliza su práctica para llamar la atención sobre nuestra responsabilidad social colectiva. Durante la última década, Meyer ha estado documentando el entorno natural y, en algunos casos, la destrucción de bosques a lo largo de la línea ecuatorial imaginaria. 1.2274 ° S, 59.4580 °.W es una doble exposición de la selva amazónica; La tensión no mencionada que flota en el aire es que el futuro de este hábitat es volátil e incierto debido a la rápida reducción de los bosques para compensar el aumento de la población. Este trabajo insta al espectador a imaginarse a sí mismo en este entorno de otro mundo, que es casi inaprensible para quienes no lo han experimentado de primera mano. Es a través de este proceso de imaginarse y proyectarse a sí mismo en ese entorno que surge un sentido de responsabilidad colectiva.

Amy Rusch, Un homenaje a la primera marca que hace I, 2019. Bolsas de plástico e hilo, 85 x 48cm.

Amy Rusch, Un homenaje a la primera marca que me hizo, 2019. Bolsas de plástico e hilo, 85 x 48cm.

Los artistas usan la narración para conectar personas e ideas en el espacio y el tiempo. Durante los últimos 2 años, Amy Rusch ha pasado tiempo en sitios de excavación arqueológica. Se le encomendó la tarea de hacer réplicas de artefactos para la exposición 'Orígenes del comportamiento de los primeros sapiens' que se encuentra en exhibición permanente en el Museo Sudafricano de Iziko. Esto incluye una réplica del grabado simbólico más antiguo que data de hace 75 000 años. Para 'Emphatic Whispers', Rusch presenta dos obras a saber Un homenaje a la primera marca haciendo I & II, que se inspiró en su tiempo trabajando con estos artefactos. Este tributo conecta a los humanos modernos con estos primeros Homo Sapiens. Rusch dice: “Me he transformado en el tiempo que pude dedicarme a las obras de arte abstractas documentadas más antiguas. Rindo homenaje a nuestros ancestros colectivos a través del gesto simbólico de hacer una pieza ”. La narración expande nuestro alcance del mundo y nos ayuda a entendernos mejor. Sepideh Mehraban es una artista nacida en Irán que utiliza capas y velos para crear palimpsestos inspirados en las cuadrículas de los periódicos que hablan de temas de censura. A través de las capas de pinturas al óleo de Mehraban, comienzan a desplegarse historias olvidadas. La práctica de Mehbaran es un ejemplo de cómo utilizar el poder de la narrativa para fomentar respuestas empáticas.

Katherine Bull, Bull Fighter, 2019. Óleo sobre tabla, 31 x 31 cm.Katherine Bull, Torero, 2019. Óleo sobre tabla, 31 x 31cm.

Katherine Bull explora la posibilidad de que la conciencia se transfiera a través de la tecnología en su pintura BigGan. Aquí ha proyectado un video de YouTube que muestra categorías de imágenes para la transformación de BigGAN. Esta es la tecnología que genera imágenes de IA creíbles y asombrosas. A medida que la tecnología mejora en la reproducción de la experiencia física, comenzamos a preguntarnos; ¿Puede la tecnología reproducir la empatía?

Los artistas no deben soportar la carga de mejorar la sociedad, pero la imaginación artística puede fomentar las relaciones humanas y ayudar a forjar conexiones empáticas que engendren una acción transformadora. La creación de arte crea un espacio para defender la multiplicidad de historias, voces y narrativas. Por mucho que los artistas nos conecten, también nos muestran nuestras diferencias y los desafíos que enfrentamos al conectarnos. 'Emphatic Whispers' anima a los espectadores a confrontar su indiferencia y sentirse interconectados con seres fuera de ellos mismos. A través de la mirada activa, hay un momento en el que puedes trascender quién eres para sentir el dolor de otras personas.

Alka Dass, Dibujando todas las respiraciones juntas, 2018. Objeto encontrado, hilo, dibujo y vinilo, 42 x 42 cm.Alka Dass, Dibujando todas las respiraciones juntas, 2018. Objeto encontrado, hilo, dibujo y vinilo, 42 x 42cm.

'Emphatic Whispers' estará a la vista en SMITH hasta el 27 de julio de 2019.