Haciéndolo en color

por Sean O'Toole

Es mejor conocido por sus retratos en blanco y negro de mujeres nigerianas que lucen elaborados peinados esculturales, pero JD 'Okhai Ojeikere - o simplemente "Pa" Ojeikere para sus muchos admiradores de Lagos - también hizo fotografías en color. En 1966, mientras trabajaba para West Africa Publicity Ltd., una empresa de marketing especializada que surgió de un negocio colonial que ofrecía servicios de publicidad, Ojeikere asumió su primer trabajo en Lintas, el departamento de publicidad interno de Lever Brothers, la empresa británica detrás de Jabón Lux.

“La empresa me trajo la primera Miss Nigeria para que la fotografiara”, recordó Ojeikere, de 83 años, en una entrevista en 2009. Como ya era costumbre entonces en la publicidad, Ojeikere, quien, como Santu Mofokeng, comenzó su carrera profesional como asistente de cuarto oscuro: utilizaba películas en color para el trabajo. El color todavía era una novedad costosa en Nigeria en ese momento.

JD 'Okhai Ojeikere. Cortesía: Gallery Fifty One,
Amberes

“Después de tomar las fotografías de manera convencional, que era uno de mis mayores desafíos en esos días, le entregué las películas a mi jefe para que las procesara en el extranjero porque en ese momento no había laboratorio de procesamiento en el país”, dijo Ojeikere.

Cuando sus fotografías de Miss Nigeria llegaron de Londres, había una nota adjunta: "Se utilizó luz o película incorrecta para la fotografía". Resultó que el problema era la iluminación. Ojeikere, cuyo legado como fotógrafo siempre dependerá de sus estudios monocromáticos de la cultura y la invención nigerianas, tuvo que dedicarse rápidamente al color. Miss Nigeria fue debidamente invitada a su estudio.

“Hice otro trabajo que resultó ser bueno”, dijo. "Después de eso, me convertí en asesor de otros fotógrafos".

Ojeikere no es el único fotógrafo africano que lucha, si no técnicamente, al menos en actitud, con la fotografía en color. David Goldblatt, el austero fotógrafo humanista de Johannesburgo, aunque competente durante mucho tiempo con el medio, se resistió a usarlo para su trabajo personal durante el mismo tiempo.

“He disfrutado trabajando en color, pero todavía es demasiado colorido para mí”, me dijo en su casa en Fellside en 2002. “Una de las razones por las que no persistí con el color en mi trabajo personal fue porque era demasiado dulce, demasiado colorido ". Como compromiso, él, o al menos su técnico fotográfico Tony Meintjes, extrajo el color de las fotografías en color más recientes de Goldblatt.

Sydelle Willow Smith, Entrenador SoftWalls Dino, (detalle).
© Sydelle Willow Smith

Una generación más joven de fotógrafos africanos (incluidos Thabiso Sekgala y Sydelle Willow Smith de Sudáfrica Lakin Ogunbanwo de Nigeria y Filipe Branquinho de Mozambique) están menos influenciados por una tradición en la que el color representaba el lenguaje del comercio, al menos entre los fotógrafos, mientras que la fotografía seria, es decir, el trabajo impulsado por la investigación personal, era un asunto en blanco y negro, particularmente en Sudáfrica.

Thabiso Sekgala, Las huellas, Jabal Webdin, 2013.
Cortesía: Goodman Gallery

"Desde el comienzo de la fotografía, la interpretación de imágenes basadas en lentes orientadas hacia los grises, negros y blancos de la impresión offset", escribe el fotógrafo nigeriano con sede en Berlín. Akinbode Akinbiyi in ¡Solo pregunta!, un próximo libro de ensayos sobre fotografía. Según Akinbiyi, que todavía produce trabajos en blanco y negro con una cámara réflex de doble lente Rollei clásica, el sesgo hacia el blanco y negro para la fotografía de documentales, arte y reportajes serios solo comenzó a cambiar en la década de 1970 e incluso más tarde en Sudáfrica.

Mientras estudiaba en la Escuela de Bellas Artes Michaelis de Ciudad del Cabo, el consumado retratista Zwelethu Mthethwa también trabajó en blanco y negro. Ejemplos de sus primeros trabajos (fotografías de Crossroads, un asentamiento en las afueras de Ciudad del Cabo) aparecen en Okwui Enwezor y Rory Bester's Ascenso y caída del apartheid exposición, una muestra enciclopédica de la tradición sudafricana de fotoperiodismo y fotografía documental, mayoritariamente en blanco y negro.

Mthethwa, quien está acusado de agredir fatalmente a la prostituta Nokuphila Kumalo, de 23 años, ha sido un crítico notable de esta tradición al menos desde finales de la década de 1990, cuando su fotografía en color comenzó a atraer la atención internacional. Sus críticas, registradas por primera vez en una entrevista en el catálogo de la Imágenes de la democracia exposición (1998, Umea, Suecia), debe mucho a sus estudios de posgrado en Estados Unidos.

Gracias a una beca Fulbright, Mthethwa pudo inscribirse en una maestría en el Instituto de Tecnología de Rochester (RIT) en Nueva York en 1987. “Cuando estudié en Michaelis no tenían instalaciones de color”, me dijo Mthethwa en 2004. "En RIT teníamos 22 cuartos oscuros de color". Sus primeros experimentos con el color proporcionaron una idea.

“Cuando miré mi trabajo que filmé antes de irme a los Estados Unidos, trabajo que ya había comenzado en 1984, me sorprendió”, dijo. “Mi trabajo parecía perpetuar el mito de que la gente pobre es miserable y decaída”.

El cambio decisivo de Mthethwa al color se ha convertido en una forma de teorizar la estética en la Sudáfrica posterior al apartheid. El color dignifica, dice el argumento. Pero no todo el mundo está de acuerdo con su lógica.

"Sentí que mi trabajo y el de los izquierdistas, grupos y archivos, y otros activistas y organizaciones, junto con sus esfuerzos, estaban siendo insultados y desechados como parafernalia y equipaje del apartheid", dijo Santu Mofokeng en una entrevista por correo electrónico el año pasado. . Mofokeng, quien actualmente tiene fotografías expuestas en el Bienal de Berlín, interpretó las declaraciones de Mthethwa como un ataque oportuno a una tradición particular de fotografía en blanco y negro.

“Sentí que nuestros esfuerzos en la lucha y la agitación para que se disolviera y abandonara el apartheid se estaban arruinando”, dijo. “Apareció casualmente cuando Sudáfrica necesitaba una cara con los desarrollos en el país. Lo apoyaron los ex directores de museos del apartheid que buscaban legitimar sus colecciones y otras políticas, que ignoraban las imágenes de lucha y los documentales ".

Según el historiador de arte John Peffer, autor de Arte y el fin del apartheid (2009), la teoría del color de Mthethwa también es históricamente inexacta. Muchos fotógrafos vinculados a Afrapix, el colectivo de fotografía no racial y antiapartheid fundado por Paul Weinberg y Omar Badsha y atendido por, entre otros, Mofokeng y Guy Tillim, usó color, argumenta. Pero en sus palabras, "No le dieron mucha importancia".

Hasta cierto punto, la discusión sobre el color, en particular sobre su usabilidad y ética como medio para el trabajo serio en la Sudáfrica posterior al apartheid, está siendo alimentada y sostenida por una generación de fotógrafos (y académicos) que se han dedicado a la fotografía analógica.

“Con el advenimiento de la era digital, el color se ha vuelto supremo”, escribe Akinbiyi, con un toque de resignación. "El blanco y negro es ahora visto generalmente como un retroceso a una tradición que alguna vez fue fuerte y que ha perdido más o menos su audiencia". Ojeikere también lo ha reconocido. “Estamos en la era del jet”, comentó el año pasado.

Detalle de Encontrado no tomado serie, marzo de 2013,
Luanda, Angola. © E.Chagas

Es una expresión adecuada, especialmente dado el notable éxito de documentalistas en color como Pieter Hugo y Mikhael Subotzky de Sudáfrica, o Edson Chagas, el fotógrafo angoleño que ganó para su país el prestigioso León de Oro premio al mejor pabellón nacional en la Bienal de Venecia del año pasado.

© Mikhael Subotzky y Patrick Waterhouse,
Ciudad de ponte (detalle)

Completamente fluido con el medio del color, su trabajo, junto con el de Egipto Nabil Boutros, el zimbabuense Calvin Dondo y residente de Lubumbashi Sammy Baloji - ha concretado rápidamente una especie de tradición frágil. Su trabajo ahora es imitado (o rechazado) rutinariamente por una generación aún más joven de fotógrafos que trabajan con el color.

Filipe Branquinho António Muianga, Barbeiro-Barber
de la serie ‚Ocupaciones. © Filipe Branquinho

Formado como arquitecto, nacido en Maputo Filipe Branquinho Creció con las fotografías en blanco y negro de Ricardo Rangel y Kok Nam, distinguidos documentalistas mozambiqueños que registraron las muchas alegrías y agonías del doloroso nacimiento de su país. En su ensayo de retrato en curso Ocupaciones (2011-), Branquinho, sin embargo, asume un enfoque más formal que sus predecesores. Interesado no solo en mostrar lo que la gente hace para trabajar en Maputo sino también dónde lo hace, sus retratos en color muestran que la capital del Océano Índico de Mozambique es un lugar de trabajo y empresa, de funcionarios y atletas, y también de bomberos y vendedores ambulantes. Hugo es un referente, aunque Branquinho es más empático con sus sujetos que su homólogo sudafricano, más cercano en espíritu al abuelo de la investigación ocupacional, el fotógrafo alemán August Sander.

En su exposición debut confidente Paredes blandas, que se mostró recientemente en Johannesburgo y Ciudad del Cabo, Sydelle Willow Smith entrena su lente sobre la experiencia del inmigrante, sobre el difícil proceso de construir un hogar y encontrar trabajo en un país hostil a los inmigrantes africanos. Muchas de sus fotografías en color están situadas en hogares sudafricanos, aunque Smith con la misma frecuencia viaja en autobuses y trenes con sus sujetos, al igual que Goldblatt y Mofokeng en la década de 1980, la década en la que nació Willow. De vez en cuando, también registra los detritos de la vida de la ciudad: un charco de vidrios rotos de la ventana de un automóvil, un pedazo de graffiti vagabundo pintado en un paso elevado.

Smith produjo su ensayo como parte de la Mentoría de Fotografía Gisèle Wulfsohn, un nuevo premio supervisado por la Taller de fotografía de mercado en Johannesburgo. Fundada en 1989 por Goldblatt como un foro para hacer que la fotografía sea accesible a un grupo demográfico más amplio de lo que permitía la cultura del apartheid blanco, los ex graduados de esta institución de capacitación ahora formalizada incluyen Zanele Muholi, Jodi Bieber y Nontsikelelo Veleko. Junto a Smith, otros graduados recientes que generan interés en su trabajo incluyen Mack Magagane, Musa Nxumalo y Thabiso Sekgala.

"Ser africano ciertamente juega un papel fundamental en la percepción de Sekgala, que él acusa con ironía", escribe Njami de este fotógrafo nacido en Soweto. Quizás. Después de ver Running, su debut seguro de sí mismo en la Galería Goodman en Ciudad del Cabo, reconocí a un fotógrafo editorial capaz y documentalista idiosincrásico cuyas fotografías a veces oblicuas sugieren que Sekgala puede ser el heredero aparente de esa frágil tradición que mencioné antes.

Thabiso Sekgala, Iglesia, Jabal Webdin, Ammán,
2013. Cortesía: Goodman Gallery.

Sekgala generó interés por primera vez con su ensayo sobre la vida contemporánea en los antiguos bantustanes de Sudáfrica, esos estados negros nominalmente independientes que apuntalaron la farsa del desarrollo separado durante el régimen del apartheid. Mezclando paisajes con retratos de sujetos juveniles, todos presentados de manera crucial en color, sus fotografías eran un corchete de cierre lógico para Ascenso y caída del apartheid. El trabajo de color más reciente de Sekgala muestra la vida en la calle y la cultura del café en Amman, Bulawayo y Berlín. Sekgala se siente atraído por las esquinas de las calles poco comunes. Sus fotografías muestran una gran cantidad de autos estacionados y sillas vacías. Gokitima KgoPhala kekgo sepela, Bulawayo, un trabajo de 2013 que muestra a un peatón con traje mirando al fotógrafo mientras pasa junto a seis maniquíes desnudos, dramatiza la destreza de observación de Sekgala, el desenfoque y todo.

Una vez, no hace mucho tiempo, los fotógrafos generalmente creían que este tipo de cosas no era posible con el color. Para ser justos, la tecnología disponible no estaba de su lado. Los procesos de color acentúan la dulzura; la impresión no era confiable.

En una entrevista de 2006, Ojeikere comentó que "siempre prefirió" la fotografía en blanco y negro. ¿Por qué? Los resultados duraron más. "Las fotografías en color se desvanecen en muy poco tiempo debido al tinte de color que tienen". Pero eso fue entonces. La era del jet está aquí, y con ella toda una generación dotada de lo que Tom Wolfe alguna vez llamó “el material adecuado”.

¡Solo pregunta!, editado por Simon Njami, se estrenará en el Feria de Arte de Joburg en agosto 2014.

Ascenso y caída del apartheid está expuesta en el Museo África de Johannesburgo hasta finales de junio.

Sean O'Toole es escritor y coeditor de Paisajes Urbanos, una revista crítica para la investigación urbana. Vive en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.