diciembre de 2008

Arte Sudáfrica Volumen 7: Número 02
Stuart Bird; Latifa Echakhch; Dada Masilo; Blk Jks

DICK, DICK, DICK, DICK!

LOS OBJETOS DE STUART BIRD A VECES PUEDEN SER DIFÍCILES DE MIRAR, VISUALMENTE AGRESIVOS, PISANDO UNA FINA LÍNEA ENTRE LO CONTROVERSIAL Y EL OFENSIVO, ESCRIBE ROBERT SLOON.

arriba - abajo Stuart Bird, Dead Wrong, 2008, neón;
Stuart Bird, Heart to Heart, 2006, imbuia tallada, anzuelo;
Stuart Bird, Armas tradicionales (detalle), 2008, madera tallada,
acero, dimensiones variables.

Stuart Bird es un escultor, pero con talento en una variedad de medios; su trabajo se intercambia en juegos de palabras visuales y gags visuales con remates sombríos. De hecho, la idea de un puñetazo es bastante significativa ya que sus bromas casi siempre tratan sobre la intersección de la masculinidad, el sexo, la violencia y la política. Como un buen golpe, sus objetos a veces pueden ser difíciles de mirar, visualmente agresivos, trazando una delgada línea entre lo controvertido y lo ofensivo. Como buen comediante, es un buen lugar para operar. Su particular estética está encapsulada en su serie de bronce pintado. Galletas Zuma (2007), que recibió una amplia atención en la prensa nacional después de que se exhibiera por primera vez en una exposición colectiva a principios de 2007.

"¿Tenemos que hablar de eso?" él pide. "No", miento. Sin embargo, Galletas ZumaEl humor negro y la elegante presentación son una buena introducción. La obra parodia una conocida galleta, Baker's Iced Zoo, sustituyendo sus íconos de animales amigables para los niños con símbolos (un AK-47, escudo tradicional zulú, falda y ducha) que representan opiniones contenciosas expresadas por Jacob Zuma en el momento de su juicio por violación. en 2006.

Bird, quien está completando su maestría en la Escuela de Bellas Artes Michaelis de la Universidad de Ciudad del Cabo, dice que eligió la galleta debido a su popularidad entre los niños, “como base para resaltar la naturaleza seductora de su retórica y su posición de influencia como político del pueblo ”. A diferencia de su Galletas Zuma, la mayor parte de la producción de Bird adopta una mirada más general, aunque más dura, a la sexualidad y la violencia masculinas. Armas tradicionales (2008) es una serie de penes de madera que se asemejan a los knobkerries (o bates de béisbol). Dick como porra es una vieja broma, establecida desde hace mucho tiempo en psicología, pero el giro está en que las armas adoptan una forma "tradicional". El chiste se ha normalizado, forma parte de nuestra herencia, y la violencia contra las mujeres por parte de los hombres se ha generalizado increíblemente. Sin embargo, debido a la forma, el trabajo puede considerarse culturalmente específico.

Bird dice: “Se busca situar con firmeza la violencia habitualizada y normalizada contra la mujer y la niñez
dentro de la cultura hegemónica impuesta. El trabajo busca ser culturalmente inclusivo en
su acusación a través de la gama tonal que se encuentra en los falos. La alusión al club, o específicamente en el contexto sudafricano, el knobkerrie, funciona para cimentar el trabajo en lo local, sin embargo, la especificidad cultural implícita se ve socavada por la gama tonal ".

Heart to Heart (2006), que se muestra en su exposición de grado en la Galería Michaelis, lleva más allá esta noción de violencia sexual arraigada. Dos placas en forma de corazón, una rosa bebé y la otra azul pálido, se enfrentan entre sí. La placa masculina tiene un anzuelo que sobresale de ella, mientras que la versión femenina tiene forma de vagina. Los colores infantiles y específicos de género implican el adoctrinamiento de estos valores desde una edad temprana.

Los juegos de palabras de los pájaros pueden ser más complejos, como en Uvas de la ira, en el que los pasamontañas azules cuelgan ominosamente del techo. Haciendo referencia a la novela homónima de John Steinbeck, en la que el choque de los viejos valores con el capitalismo moderno deshumaniza a las personas y genera delincuencia, la obra refleja la desesperación y la pobreza en Sudáfrica. Parecidos a frutos extraños (en el sentido de Billie Holliday), miran deliberadamente tanto la situación actual, de una creciente brecha de riqueza, como el pasado, donde la rápida urbanización mezclada con ciudades de apartheid y políticas racistas han creado un vino amargo.

Si bien las frases de Bird pueden ser simples, incluso didácticas, se aventuran en un territorio complejo donde muchos otros artistas se retiran. Tampoco tiene miedo de reírse de sí mismo. En Perdido ese, construyó una vitrina alrededor de su propio diente, noqueado en una pelea. Es un santuario de la violencia masculina, pero al mismo tiempo personal y lamentable, un monumento a la futilidad del golpe.

Robert Sloon es el alias en línea de un artista con sede en Ciudad del Cabo y fundador de http://artheat.net.

Acerca de Stuart Bird: Nacido en Durban (1977), Bird, con sede en Ciudad del Cabo, trabajó como decorador y restaurador de interiores de iglesias antes de inscribirse en Michaelis, donde completó su BA (FA) en 2004, con una distinción en escultura. Su trabajo ha aparecido en una serie de exposiciones colectivas, incluyendo Ven de nuevo: nuevo trabajo de Michaelis Masters Students (2008), en la Substation Gallery; Listo (2008), comisariada por Bettina Malcomess para la Galería Kizo de Durban; y Deportes de pelota (2007), comisariada por Kirsty Cockerill para la Association of Visual Arts, Ciudad del Cabo. Su trabajo Galletas Zuma está en la colección de Iziko South African National Gallery.


LENGUA SIN PALABRAS

EL TRABAJO DE LATIFA ECHAKHCH NO SÓLO EN LAS SUTILES DEL LENGUAJE, MANTENGA UN EQUILIBRIO POÉTICO ENTRE LO ALUSIVO Y LO REFERENCIAL, ESCRIBE BEN BORTHWICK.

Latifa Echakhch, A Chaque Stencil une Révolution ("Para cada plantilla una revolución"), 2007,
papel carbón, diluyentes de pintura, instalación específica del lugar. Foto: Ryan O'Toole.

Como muchos de los mejores artistas franceses de las últimas dos décadas, la práctica de Latifa Echakhch está profundamente arraigada en las tradiciones del arte conceptual y se caracteriza por un enfoque intenso en las sutilezas, vicisitudes y fuerza histórica del lenguaje. Los materiales experimentan la mínima transformación necesaria, dando como resultado una materialidad específica que es crucial para la construcción de su significado. Las conexiones entre los elementos pueden ser a la vez necesarias y arbitrarias, resonando entre sí de manera lógica y lateral. Nacida en Marruecos pero criada y educada en Francia, la práctica de Echakhch encaja cómodamente en una exposición de sus compañeros, cuyo trabajo está saturado de formas - y la forma - del conocimiento literario, como lo hace en una exposición que examina la subjetividad poscolonial. En lugar de detenerse en un sentido abstracto del poder del lenguaje, Echahkch desnaturaliza el lenguaje del poder con una infusión de las afirmaciones surrealistas de la burocracia de la inmigración, mientras que su reflexión sobre la subjetividad poscolonial se beneficia de una hábil sutileza que pasa por alto el tratamiento de mano dura. este sujeto recibe a menudo.

Una fortaleza clave de su trabajo es que puede operar en estos dominios normalmente excluyentes entre sí, mientras se niega a limitarse a lecturas singulares perturbando sus respectivos finales.

Un ejemplo de uso del lenguaje 'encontrado' es hospitalidad (2006). La frase “Espace a Remplir Par l'Etranger” (“Espacio que debe llenar el extranjero”), apropiada del formulario de inmigración francés, está toscamente tallada en la pared de la galería. Al final de la exposición, la cavidad grabada debe ser reparada, el tipo de trabajo de construcción que generalmente realizan los mismos inmigrantes cuyo trabajo mantiene bajos los salarios pero no son elegibles para beneficios de desempleo durante una recesión. Incluso si este espacio se llena perfectamente y se vuelve invisible con una capa de pintura, la frase seguirá siendo una cicatriz invisible debajo de la pared de la galería. Echakhch ha trabajado anteriormente con materiales culturalmente específicos como el cuscús y las esteras de oración, pero rechaza cualquier vínculo esencializador entre su subjetividad y dichos materiales. “Son tan extraños para mí como cualquier occidental”, ha dicho. “Puedo identificarlos como parte de mi propia cultura y, al mismo tiempo, me son completamente ajenos. No hay vasos de té en mi casa ". En consecuencia, una obra como Errata (2004), en el que miles de vasos de té marroquíes son arrojados individualmente contra la pared, dejando cicatrices en su superficie y cayendo en fragmentos rotos al suelo, es a la vez una articulación violenta de la dinámica trazada por la cita anterior, pero también un rechazo despiadado. de suposiciones complacientes de que 'nosotros' podríamos conocer a la persona que generalmente se describe como “Latifa Echakhch (nacida en 1974, El Khnansa, Marruecos)”.

Tan importante como los materiales es cómo se materializan en el espacio. Cada instalación conserva las posibles lecturas de las fuentes de los materiales, pero simultáneamente ofrece una serie de alternativas, incluidas las conexiones históricas del arte. Los brillantes fragmentos de vidrio de Errata Unir prácticas formales e históricas dispares para mapear (en tres dimensiones) la complejidad visual de la pintura de Colourfield, el retrato abstracto melancólico de las 'alfombras' de envoltorio de caramelo de Félix González Torres, incluso las cualidades temporales y físicas de las de Richard Serra. Lanzar plomo (1969). Recientemente he comisariado la exposición de Echakhch Esquina de oradores en la Tate Modern. Compuesto por dos instalaciones contrastantes, examina diferentes articulaciones del poder estatal y formas de disensión a través de materiales en lugar del lenguaje. La primera instalación, A Chaque Stencil Une Révolution (2007), es un ambiente con paredes cubiertas de hojas de papel carbón en blanco, el material obsoleto de la administración kafkiana que también fue utilizado por los estudiantes en 1968 para duplicar tratados y manifiestos radicales. Las paredes fueron rociadas con disolventes de pintura altamente inflamables que lixiviaron el color del papel carbón en charcos de pigmento seco en el piso, lo que implica que este "plan" para la revolución está desprovisto de posibilidades.

La calidad pictórica de este espacio vuelve a recordar a los pintores de Colourfield, en particular los lienzos vertidos de Morris Louis y la gran pintura abstracta azul de Clyfford Still 1953 (1953), que estos artistas consideraban estrechamente relacionado con su propia política radical. Pero Plantilla ChaqueEl uso del color y la forma inmersiva también apunta a uno de los grandes precursores de la abstracción a gran escala, el techo azul de la Capilla Arena de Giotto (1302-06). (Me siento igualmente tentado a asociar la cuadrícula de papel carbón con el espectro de colores de los textiles Touareg, pero quizás una mejor asociación sea el infinito azul de los azulejos moriscos).

La ambición y el alcance de estas posibles interpretaciones revelan los potenciales de la práctica de Echakhch, ya sea que el artista los conozca o incluso esté de acuerdo con ellos. Su obra mantiene un equilibrio poético entre lo alusivo y lo referencial, donde cada proyecto se ancla a la vez en lo específico, pero abre un amplio abanico de conexiones poéticas. En este sentido, ofrece una visión del papel de lo político en la experiencia vivida, cambiando constantemente entre lo consciente y lo inconsciente, aludiendo a lo histórico como una forma de informarnos sobre el presente. Es posible que estas lecturas no sean obvias de inmediato, pero son claramente identificables si eliges verlas, aunque si miras con más atención aún te harán cuestionar las certezas que inicialmente parecían prometer.

Ben Borthwick es curador asistente en Tate Modern y codirector de Butcher's, un espacio de proyectos en Londres. Recientemente fue curador Latifa Echakhch: Speaker's Corner en la Tate Modern.

Acerca de Latifa Echakhch: Nacido en El Khnansa, Marruecos (1974), Echakhch tiene su sede en París y Zurich. Consumada corredora de larga distancia antes de convertirse en artista en ejercicio, sus exposiciones individuales incluyen Interfaz 2007, Dijon; promesa (2006), en la Ecole des Beaux Arts, Valence; desierto (2005), en Show Room, París. Las exposiciones colectivas seleccionadas incluyen Flujo (2008), en Studio Museum, Nueva York, y Feminismo global (2007), en el Museo de Brooklyn, Nueva York. La curadora Hou Hanrou ha elogiado la “sensibilidad sutil y pacífica” que muestra en sus “proyectos artísticos e intelectuales que evocan un compromiso poderoso con la realidad del poscolonialismo y la globalización”.


5-6-7-8, 5-6-7-8… ¡AH, FUCKIT!

LA BAILARINA DADA MASILO ES UNA PROPIEDAD CALIENTE, SUS PRODUCCIONES DE OBRA CANÓNICA ESTÁN DESTACADAS POR UN ICONOCLASMO RESPETUOSO QUE SE APORTA DE UN INTIMO CONOCIMIENTO DEL MATERIAL. POR ROBYN SASSEN.

arriba - abajo Dada Masilo liderando el baile
sesión. Fotos: John Hogg; Dada Masilo en el
papel principal de Romeo y Julieta, Festival Nacional de las Artes,
Grahamstown. Cada semana Dada Masilo enseña
bailar con un grupo de niños de ocho años en adelante.

“Me gustaría morir por combustión espontánea”, dice Dada Masilo. Éste no es un sentimiento convencional para una bailarina clásica, pero Masilo, que bailó en la obra de Tchaikovsky Suite Cascanueces de niño ya menudo entrena en sesiones con SA Ballet Theatre, no es un bailarín convencional. A los 23 años, es una especie de tarjeta de atracción en los lugares de baile locales e internacionales, su trabajo con el coreógrafo PJ Sabbagha empuja el sobre completamente fuera de forma. Hace tres años, Masilo irrumpió en la escena de la danza contemporánea con un compromiso exaltado con la tradición clásica europea que hizo que los críticos se sentaran y tomaran nota. En su examen final en los estudios de investigación y formación en artes escénicas de Anne Theresa de Keersmaeker, una escuela de danza contemporánea con sede en Bruselas, le dijeron que fuera más vulnerable en el escenario. Masilo respondió bailando muriendo, muriendo, muerto, de la obra más famosa de la compositora Camille Saint Saëns El Cisne –Escrito para violonchelo y estrenado en 1886. El juego de pies de Masilo fue impecable. En cuanto a su compromiso con las críticas de su maestra: se fue en topless. Pero Masilo no hace nada por publicidad. Ella argumenta en contra del valor de la belleza en la danza, esta residente de Johannesburgo señala que el mundo contemporáneo lejos de emular eso.

El año pasado, la más joven de los ganadores del Standard Bank Young Artist Award, cautivó al público del National Arts Festival en Grahamstown con su producción de Romeo y Julieta. Con la asistencia de PJ Sabbagha y Gregory Maqoma, los críticos se quedaron asombrados por la interpretación de Masilo como Juliet, afirmando que si veías la producción inaugural de este festival, mejor te ibas a casa: estableció un estándar que no sería superado. Tenían razón. “No lo podía creer”, dice Masilo, la franqueza prevalece sobre la modestia. “Nunca estoy satisfecho con mi trabajo. Cuando tenía 14 años, un profesor me dijo que eres tan bueno como tu última actuación; esto siempre se me ha quedado grabado ".

A los 17, se afeitó el cuero cabelludo, jugando con las nociones de cómo debería ser una bailarina de ballet clásico. Su negrura no es un problema para ella. “La mitad del tiempo, no recuerdo que sea negro. Primero soy Dadá. En Rusia, bailamos en un pequeño pueblo llamado Kostroma. La gente me escupió, pero también les fascinó ver que el color no desaparece ”, sonríe. “Prefiero bailar a coreografiar”, declara maliciosamente esta bailarina independiente. "¡PJ Sabbagha abusa de mí!" Ella ríe. “Me golpean y magullan por el trabajo. El trabajo de PJ opera emocionalmente. No hay pasos involucrados; es cuestión de responder al trabajo ”.

El repertorio de Masilo es diverso. Compromete el canon clásico con una iconoclasia respetuosa que se basa en su conocimiento íntimo del material que contradice con creces su juventud, mientras se compromete con las emociones representadas. Utilizando la música como paleta, como hace los gestos, toma la propiedad única del trabajo. Romeo y Julieta, por ejemplo, comienza con la obertura de Prokofiev, "para terminar con eso", explica. Luego fusiona una combinación de música no creada para la danza, que va desde Vivaldi y Bach hasta Phillip Glass.

Ella debutó con su producción El mundo, mi trasero y otras cosas grandes y redondas, un viaje a través del feminismo, con música de Meredith Monk y el compositor estonio contemporáneo Arvo Pärt, en 2005. “Lo hice porque estaba enojada”, dice sobre el proyecto, que es un palimpsesto de 2005 en grupo y trabajos en solitario de 2007. Es una pieza de confrontación que trata sobre las ideas preconcebidas sobre las mujeres en la sociedad. “Siempre estás hecho para ser consciente de ti mismo. No tienes la libertad de serlo ". La construcción de solos es un suplicio para ella, confiesa: "De repente soy muy tímida". Masilo se ríe, ofreciendo bravuconería para cubrir cualquier sugerencia de vulnerabilidad. "Me siento solo en el escenario". Viniendo de una bailarina que tiene la capacidad de captar tu atención, ya sea que esté sola en el escenario o bailando con un conjunto de 50 bailarines, esto es interesante. Es un punto que no se le escapa a esta excitante joven bailarina. "Se trata de confrontación, contigo mismo".

Robyn Sassen es Editora de Artes del Informe Judío SA.

Acerca de Dada Masilo: Nacido en Johannesburgo, Masilo se matriculó en la Escuela Nacional de Artes en Braamfontein, Johannesburgo, en 2002, con especialización en ballet. En 2003, bailó para Jazzart Dance Theatre en Ciudad del Cabo, con Alfred Hinkel. Ganó una beca para estudiar durante dos años en los Estudios de Investigación y Formación en Artes Escénicas de Bruselas. En 2008, recibió el premio Standard Bank Young Artist Award for Dance. Actualmente está trabajando en una pieza para Dance Umbrella en febrero de 2009; el trabajo tiene como objetivo "desentrañar" Bizet Carmen.


AFRO-AVANT-NOISE-ROCK-GRRRRRRR!

LOS BLK JKS SON UN CUATRO PIEZAS DE JOBURG CON UN SONIDO INCLASIFIABLE. SON BUENOS, TAN BUENOS DE HECHO QUE YA TIENEN UNA MITOLOGÍA SOBRE ELLOS. POR FRED DE VRIES.

arriba - abajo Mpumi Mcata en ruta Blk Jks vocalista Linda
La casa de Butelezi en Spruitview, Johannesburgo; Mpumi Mcata
ranurado The Blk Jks (de izquierda a derecha) Tsepang Ramoba,
Linda Buthelezi, Mpumi Mcata y Molefi Makananise. Fotos:
Michael MacGarry, agosto de 2007, agosto de 2007.

¿Puede una banda de rock seguir entusiasmando cuando siente que todo se ha hecho antes y que todo está formateado y dirigido mecánicamente? Cuando la espontaneidad parece una palabrota. Los Blk Jks de Joburg de cuatro piezas todavía poseen algo de esa magia antigua. Está en la forma en que sus dedos se conectan sin esfuerzo con las cuerdas, ese poder natural que también puedes ver en los últimos videos de Jimi Hendrix. Te da una sensación eléctrica de escalofríos, la comprensión de que estás viendo algo especial. También está en la forma en que las guitarras y la sección rítmica se fusionan como trazos de pintura en un lienzo, con patrones y colores que se niegan a seguir las reglas y desafían la categorización.

Es imposible etiquetar a los Blk Jks. 'Rock' no es suficiente. Así que canonicémoslos. Tracemos una línea que se extienda desde Robert Johnson y Jimi Hendrix, pasando por Parliament, King Tubby y Steel Pulse, pasando por Living Color y Basement 5 hasta Bad Brains y Tricky. Lo que todavía no le da la imagen completa, porque en algún lugar de la línea se han agregado a la mezcla trozos de kwaito y municipio jive.

Predicción: Joburg no se quedará con los Blk Jks. Son como tu nueva novia deslumbrante que sabes que vas a perder muy pronto. Aquellos de nosotros que los vimos apreciaremos ese recuerdo, y contaremos la experiencia de la misma manera que la gente habla de ver Sex Pistols, Prince o Velvet Underground. No nos quedaremos con los Blk Jks porque serán seducidos por Londres o Nueva York, y serán anunciados como la próxima gran novedad de África. Ya están a mitad de camino, después de actuar en el SXSW de Austin y grabar en los seminales Electric Lady Studios de Nueva York, originalmente construidos para Jimi Hendrix en 1969. Nada mal para un grupo de chicos que crecieron en Spruitview y Soweto y que toman una hora para sintonizar cuando juegan en Brixton House of Ntsako. Incluso esta prueba de sonido se convierte en una jam ambiental, en la que no estás seguro de si se trata de una canción o simplemente de conseguir el tono correcto. Es un poco decepcionante, entonces, cuando después de este interminable toqueteo, el sonido es decididamente kak.

No es así en sus dos EP de vinilo de 10 pulgadas. El primero, lanzado en 2007, en una edición limitada de 500, tenía dos canciones: Lakeside y el lúgubremente pegadizo Uno debe morir. Venía envuelto en una cubierta de papel marrón áspero con un sello que decía "BLK JKS". El segundo lanzamiento, con una imagen borrosa de la silueta de cinco pescadores pisando el agua, vista a través de los juncos, tiene cuatro huellas. Es un caleidoscopio de sonidos y ritmos en constante cambio, con un estribillo pegadizo incluido en buena medida y la clara posibilidad de una reproducción de radio 5FM.

¿El sonido de Joburg? Sería demasiado fácil ver la música como un viaje a través de la metrópoli, digamos desde Spruitview pasando por Soweto hasta Killarney, pasando por edificios abandonados, sueños rotos y campos de fútbol vacíos hasta complejos de seguridad.
con piscinas privadas. Demasiado fácil, porque también está todo en la mente. Ese es el lugar de las infinitas posibilidades, donde las visiones emergen a través de nubes de humo dulce, traduciéndose en un espacio musical donde un dron y una melodía luchan sin un ganador claro.

Pero lo que perdura es ese momento fugaz en la Casa de Ntsako, cuando la guitarrista Linda Buthelezi, vestida de negro, curvó los dedos alrededor del cuello de su instrumento y tocó esos primeros acordes empapados de retroalimentación. Esto fue más allá de lo cool, sexy o funky. No duró mucho, pero por un breve instante sugirió una unidad, una especie de híbrido futurista hombre-guitarra que estaba en contacto con la nube astral donde residen Sun Ra, Coltrane y Hendrix. En el fondo de la oscuridad de Brixton, el pequeño escenario de la Casa de Ntsako se convirtió en la nave espacial, pilotada por los Blk Jks, nosotros los discípulos, a la deriva en la oscuridad, mareados delirantemente en los oídos.

Fred De Vries es periodista y autor del libro. Club Risiko (2006), un relato de la escena musical underground europea de los años ochenta.

Acerca de Blk Jks: formada a principios de 2000 por Mpumi Mcata (guitarra) y Linda Buthelezi (voz), amigos de la infancia de Spruitview en East Rand, la banda se formalizó cuando Tshepang Ramoba (batería) y Molefi Makananise (bajo), ambos de Soweto , fueron reclutados como la sección rítmica de la banda. Después de lanzar un EP debut homónimo (2007), presionado para una presentación en el Museo del Apartheid, la banda fue buscada por talentos por ex-FADER el editor de la revista Knox Robinson, seguido de una oferta del sello Mad Decent, distribución de 10 pulgadas de un coleccionista Lakeside to Other Music (Nueva York) y Rough Trade (Londres), e invitaciones para actuar en Europa y Estados Unidos (incluido el New Museum de Nueva York). La banda apareció en la portada de la edición de primavera de 2008 de FADER. Su sonido, que combina referencias musicales tan diversas como el jazz de barrio, el groove y el reggae de Fela Kuti con el metal de principios de la década de 1970, se ha descrito de manera concisa como "rock de ruido afro avant".