diciembre de 2007

Publicado por primera vez en Art South Africa Volumen 6: Número 02

Anthea Moys; Simon Gush


JUEGA CONMIGO
PARA ANTHEA MOYS HACER ARTE ES UN MEDIO PARA CAPTURAR, DEMOSTRAR Y RECORDAR TODAS LAS ALMAS DISPUESTAS COMO SIMPLEMENTE JUGAR, ESCRIBE TEGAN BRISTOW.

Anthea Moys, 94.7 Cycle Challenge, 2007, aún por su actuación en Johannesburgo.

A principios de este año, en una noche de lunes a viernes en agosto, la Fábrica de Bolsas organizó Reacción, una sola noche de arte dramático dirigido por Johan Thom. Al entrar en la Fábrica de Bolsas, vi a Anthea Moys dirigiendo una banda de voluntarios absurdamente vestida haciendo ejercicios aeróbicos: tenía una sonrisa igualmente absurda en su rostro. Aunque no soy del tipo participativo, quería unirme y reírme de la chica que estaba sacudiendo su botín de la manera incorrecta.
Moys exige muy poco de su audiencia, pero a través de su actuación y trabajo en video, ella lo agarra del brazo y le recuerda las tardes que pasó jugando con otros niños, la celebración de lo que su entorno puede ofrecerle, el momento en que se metió en un charco y Pensé que era el chiste más grande del planeta. Sin embargo, es con cierto peso que Moys, que actualmente completa su MFA en la Universidad de Wits, explica la seriedad de sus intenciones.
A principios de 2006 visitó Sierre, Suiza, para participar en un programa de Maestría en Artes en el Espacio Público (MAPS). Fue en Suiza donde las nociones de juego y espacio público se unen para Moys. Comenzó con La serie de accidentes, una secuencia de video en la que tiene accidentes, literalmente. No era su intención hacerse sufrir accidentes; Moys simplemente tropezó con ellos inicialmente. Comenzó en una caminata exploratoria un día soleado cuando saltó una valla a un hermoso campo nevado y se hundió profundamente en la nieve. Ella se salvó al "nadar en la nieve".
"Esta experiencia significa para mí lo que realmente significa jugar", dice Moys. “La situación era potencialmente juguetona y peligrosa, y es en la tensión entre estos dos que existen mis ideas de juego.
Una vez que Moys había nadado, colocó su trípode (que había nadado con ella) y se grabó nadando en la nieve.
Con su brillante contraste de color y actividad, La serie de accidentes recuerda el trabajo en video del artista suizo Pippilotti Rist. En un segmento, Corrimiento, Moys se desliza sobre el hielo una y otra vez hasta que se cae y se golpea la cabeza; en Corredizo literalmente se desliza por una pendiente resbaladiza hasta que se corta el dedo en el hielo. Estos trabajos ansiosos pero divertidos demuestran la fascinación de Moys por el juego: no solo juega con los límites del entorno, sino que también empuja sus propias capacidades, empujando hasta que algo como un dedo sangrante interviene y se termina el juego.
"Jugar es algo transitorio que depende de las estructuras existentes", dice Moys, desempacando su noción de juego. "En el juego subvertimos las intenciones y funciones reales de las estructuras en nuestro entorno inmediato". A su regreso a Johannesburgo el año pasado, Moys participó en el 94.7 Cycle Challenge: vestida con ropa de ciclismo completo, colocó su bicicleta estática en un tramo ocupado de la carretera y pedaleó, solo que no iba a ir a ninguna parte. “El acto fue algo anecdótico, ahora lo ves, ahora no lo ves. Fue mi compromiso con el momento presente mientras todos los demás estaban comprometidos con el abrumador objetivo de ganar ".
Las intervenciones vitales de Moys, que se han manifestado en varias ocasiones y lugares alrededor de la ciudad este año, están diseñadas para cambiar las perspectivas de las personas sobre los eventos cotidianos y brindar un nuevo potencial a entornos demasiado funcionales. Más recientemente, a fines de septiembre, organizó el espectáculo público, Have City Will Play. "Estamos aprovechando el área 'segura' establecida en Newtown Johannesburgo por el cierre de Arts Alive", declaró Moys. Ella organizó una carrera de obstáculos sin sentido, una carrera competitiva que consta de siete juegos en Mary Fitzgerald Square y sus alrededores. Para muchos fue una invitación a explorar un espacio por el que solo habían conducido anteriormente, para otros permitió un momento de compromiso lúdico entre extraños en la calle. Lo más memorable para mí fue ver a los jugadores, que seguían gratificantemente las reglas, tratando de convencer a los transeúntes de participar en una carrera de tres patas. Imagínese a un friki informático maltrecho que convence a la vendedora que vende papilla para saltar por el camino; o ver a un equipo de guardias de seguridad ofreciendo sus servicios como voluntarios vigilando y guiando a los jugadores con los ojos vendados mientras navegaban por un campo minado de puestos de mercado. Con las intenciones más serias, Moys hizo reír a toda una calle de personas.
Tegan Bristow es un artista y profesor con sede en Johannesburgo en medios digitales interactivos en Wits School of Arts.
Acerca de Anthea Moys: desde que completó su BFA en 2004, Moys, con sede en Johannesburgo, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, incluida la muestra curada de videoarte de Trasi Hennen, Arte en la oscuridad (2005) Kazoo: es una cosa de arte en vivo en The Premises Gallery (2006), y Respuesta armada 2 en el Goethe Institut (2007), que co-comisarió. Un participante en Kin: Be: Jozi, un proyecto de intercambio entre artistas de Berna, Kinshasa y Johannesburgo, Moys presentó recientemente Interrupción, su primera exposición individual en cumplimiento de su MFA, en Intermission Gallery, 195 Jeppe Street, Johannesburgo. La pieza de video de Moys, Nadar en la nieve, ha sido seleccionado para Spier Contemporary. Para ver Proyecto de boxeo, Visite http://kinbejozi.blogspot.com/ or www.antheamoys.com .

Tierra poco común
MIENTRAS QUE EN UNA RECIENTE VISITA A CHILE, SIMON GUSH CHATÓ CON PHILIPPE VAN CAUTEREN Y THOMAS CARON, DEL MUSEO DE FUMAS DE BÉLGICA EN GANTE, SOBRE LAS LATITUDES, TOMANDO POSICIONES Y BAJANDO EL CONSUMO DE ARTE.

Simon Gush y Dorothee Kreutzfeldt, 3 Point Turn, 2007, realizado por Sam Matentji Point Blank Gallery / Twist Street, Drill Hall, Johannesburgo.

Philippe Van Cauteren: Santiago está en la misma latitud que Sudáfrica. Menciono esto porque, en su trabajo, está investigando contextos, entornos o situaciones. ¿Cómo percibes a Santiago?
Simon Gush: Me resulta difícil hacer declaraciones generales sobre Santiago. Soy reacio a comentar después de tan poco tiempo.
CLORURO DE POLIVINILO: Sin embargo, su acción específica del sitio en Kolkatta, India, Casa movil (2006), que también se produjo durante un corto período de tiempo, podría leerse como un comentario sobre ese contexto. Usted eligió específicamente el Chaudhuri Bari como su ubicación y contrató a siete rickshaws de bicicletas para intentar impulsar el edificio hacia adelante.
SG: Estaba interesado en explorar la cuestión de trabajar en un contexto extranjero. Creo que cuando un artista hace esto, se produce una transacción por la cual a menudo toma más de lo que da. La experiencia de viajar en los rickshaws en India fue interesante para mí en relación con esto porque los conductores tienen su propio poder, en el sentido de que están sindicalizados y, por lo tanto, tienen agencia. Pero incluso si uno es consciente de esto, todavía está pagando para ser arrastrado por otro ser humano. Lo encontré muy incómodo. Quería exponer de alguna manera este tipo de sentimiento. La obra, Casa movil, se trata tanto de la contratación de los rickshaws como de que realmente están tratando de sacar la casa hacia adelante.
CLORURO DE POLIVINILO: Los artistas de Chile a menudo están conectados con la historia de la dictadura de Pinochet o la genealogía del arte contemporáneo chileno. Como artista joven con una relación particular con el apartheid, ¿cómo le afecta la historia política de su país al posicionarse como artista en otros contextos?
SG: Desde que me mudé a Europa, he sido más consciente de hasta qué punto crecer en Sudáfrica ha definido cómo me acerco al mundo. Dicho esto, no quiero ser visto como un artista sudafricano exclusivamente. Creo que esta etiqueta tiene demasiado efecto sobre la manera en que una audiencia no sudafricana lee el trabajo. Intento evitar esto porque el espectador tiende a confiar en ideas preconcebidas cuando interactúa con una pieza.
Thomas Caron: ¿Pero puedes distanciarte de ser sudafricano cuando el tema de tu trabajo está relacionado con haber crecido en este contexto? Por ejemplo, ¿sus intereses en las relaciones de poder?
SG: Creo que es importante que los sudafricanos comiencen a posicionar sus debates en un contexto más global y a participar en debates más amplios. Las cosas que me interesan no solo existen en Sudáfrica.
TC: ¿Es posible transportar estos problemas a un nivel global cuando siempre son muy específicos del contexto?
SG: No creo que cuando estoy trabajando en Bélgica, Chile o India mis problemas sean específicos de Sudáfrica. Mi objetivo es tratar de evitar generalizaciones examinando cómo los detalles particulares en diferentes situaciones pueden contribuir a un debate más amplio.
CLORURO DE POLIVINILO: En una de nuestras discusiones anteriores, fuiste el único participante que dijo que un artista debería tomar una posición. ¿Cómo te posicionas como artista y cómo ves la posición del artista en general?
SG: No trato de tomar una posición estática o primordial, pero creo que es necesario que los artistas asuman cierta responsabilidad por el sistema en el que han elegido trabajar. Como artista, uno tiene agencia y una voz junto con acceso a un público. En relación con el mercado, por ejemplo, no siento que esté fuera de él. Las obras de arte que son abiertamente críticas con el mercado a menudo se absorben rápidamente en él, por ejemplo, el trabajo de Santiago Sierra. Creo que el mercado del arte es un reflejo del capitalismo global. El poder de este último se refleja en la fuerza del mercado. Siento que tengo la responsabilidad de actuar dentro de él para tratar de frenar el consumo del arte que produzco. Me gustaría que hubiera una forma de retener algo en el trabajo, para que haya una parte que no se pueda comprar y vender.
TC: Pero, ¿cómo funciona tu acción? 21 Gun Salute por la muerte de un coleccionista (2007) resistir el mercado? Estás vendiendo algo, en este caso un saludo de 21 armas que solo puede ocurrir una vez que el coleccionista ha muerto.
SG: El trabajo es parte del mercado y está diseñado en consecuencia. Hay una retención literal del trabajo en el sentido de que el recolector solo puede tener el trabajo después de morir. Pero lo más importante, propone una relación diferente con el coleccionista. El certificado que contiene nuestros dos datos nos vincula. Por lo tanto, tengo que asumir la responsabilidad de mi asociación con el recolector y él / ella debe asumir una responsabilidad diferente al trabajo. El recaudador está legalmente obligado a no vender el trabajo hasta después de la finalización de la actuación. Por lo tanto, no puede ser una inversión para el beneficio personal del coleccionista durante su vida.
CLORURO DE POLIVINILO: En cierto modo, creo que muchos artistas se esconden detrás de su trabajo. Tengo la impresión de que no te estás escondiendo detrás de tu trabajo, sino que estás de pie junto a él. Es un enfoque muy diferente a las cosas que haces como artista.
SG: Siempre trato de implicarme en mi práctica y, en cierto nivel, también en el público. Por ejemplo, en mi pieza con Dorothee Kreutzfeldt, Giro de 3 puntos (2007), trato de hacer que el público asuma la responsabilidad de participar en la pieza, a pesar de que su papel es interpretar al espectador de Sam Matentji, un ex conductor de minibús-taxi, haciendo un giro de tres puntos y conduciendo por un camino ocupado. la carretera. La acción fue vista desde el balcón de la Galería Point Blank, así como las personas en la calle ese día. No fue cómodo de ver.
Creo que estas ideas no están relacionadas con el concepto de Philippe, que al principio puede parecer ingenuo, de intentar hacer un manifiesto en el siglo XXI. Todo el proceso exige preguntas complicadas sobre nuestra capacidad para relacionarnos con la política. Intenta tomar alguna acción positiva, a pesar de que uno entra con el conocimiento de que puede que no haya resultados concretos. Se trataba del proceso.
Philippe Van Cauteren es director artístico de SMAK, el Museo Municipal de Arte Contemporáneo de Gante, Bélgica; Thomas Caron es curador en SMAK.
Acerca de Simon Gush: Nacido en Pietermaritzburg (1981), Gush completó su BFA en Wits (2003). Actualmente candidato a laureado en el Instituto Hoger van Schone Kunsten (HISK) en Gante, Bélgica, recientemente realizó su primera exposición comercial, salud, en la Galería Michael Stevenson. Fundador y curador de la Galería de estacionamiento, un espacio de proyecto temporal en Pritchard Street, Johannesburgo, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, que incluyen Fuera de lugar, abrir archivo # 1, en Argos en Bruselas, y Ver, en la Galería Point Blank, Johannesburgo (2005).
Esta es una versión editada de una discusión celebrada en Santiago, Chile, el 30 de octubre de 2007, durante la preparación de la exposición. El Manifiesto de Santiago / Das Santiago-Manifiesto, iniciado por Philippe Van Cauteren en el centro cultural Matucana 100. El proyecto intentó escribir un manifiesto como su enfoque principal e incluyó a Gush como participante. Para mayor información: www.m100.cl.