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Daniella Mooney

Arte Sudáfrica Volumen 12: Número 03

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Jody Paulsen, todo tipo de estado de ánimo, 2013. 16 trajes de fieltro sintético, perchas de madera y barandilla. Fotografía cortesía de Malibongwe Tyilo para Skattie ¿Qué estás usando?

Cuando Ed Ruscha comenzó a publicar trabajos de diseño gráfico en la década de 1960, se hizo con el sobrenombre de "Eddie Rusia".1, un gesto que tipifica el tipo de aversión consciente de estar asociado con el diseño que históricamente han tenido los artistas. Las reservas generalmente se centran en la percepción de que debido al cumplimiento pagado de alguna forma de función prescrita, el diseño existe como el primo comercial “vendido” del arte. No sin ironía, es debido a esta misma percepción que los artistas en muchas ocasiones se han inclinado hacia el diseño como un medio creativo para complementar sus ingresos. Lo contrario, "Bueno, el diseño es mi pasión, pero produzco arte para llegar a fin de mes", todavía no es algo común. Sin embargo, más allá de cualquier noción de comercio, muchos artistas encuentran cada vez más que los esfuerzos duales en el arte y el diseño son beneficiosos para su práctica general, formando un diálogo interrelacionado que informa su producción en ambas esferas. Este artículo analizará tres artistas en activo con sede en Ciudad del Cabo que están negociando con éxito la fluctuante cuerda floja entre producir arte y trabajar simultáneamente con el diseño.
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Jody Paulsen, el mapa universal de maricones, 2013. Fieltro y pegamento. Fotografía cortesía de Malibongwe Tyilo para Skattie ¿Qué estás usando?

Un artista que ha abrazado por completo el trabajo entre los dos es Jody Paulsen, recién graduado de Michaelis MFA. Inspirado por artistas como Yayoi Kusama, Tracey Emin y Sarah Lucas, Paulsen se ha hecho un nombre en los últimos tiempos con sus collages de fieltro a gran escala y su colaboración continua con el diseñador de moda Keith Henning para la etiqueta Adriaan Kuiters de Henning. La relación de trabajo de Paulsen con Adriaan Kuiters comenzó a principios de 2013 cuando los trabajos encargados por Julia Rosa Clark, Georgina Gratrix y él mismo se imprimieron en tela y se utilizaron para producir una gama de camisetas de edición limitada para hombres y mujeres. Poco después, la asociación creció hasta el punto en que Paulsen se tomó cinco semanas libres de trabajar en su exposición MFA para colaborar en la gama Adriaan Kuiters, que debutó como parte de la Mercedes Benz Cape Town Fashion Week en agosto de 2013. En un golpe espectacular, la moda La muestra tuvo lugar en la Galería Nacional Sudafricana de Iziko, insertando literalmente arte y moda en el mismo espacio. Aprovechando al máximo la naturaleza del espacio, se colgaron en la sala obras de artistas como Georgina Gratrix y Athi Patra Ruga para dialogar con el evento principal. Paulsen abraza la relación entre el arte y el diseño de moda con los brazos abiertos, con el objetivo de fomentar un diálogo sostenido entre los dos en su trabajo. Por un lado, la realización de un desfile de modas en la galería nacional aseguró que la línea se mostrara en un contexto mucho más rico que el del Centro Internacional de Convenciones de Ciudad del Cabo (donde se dieron a conocer todas las entradas de la Semana de la Moda menos una). Por el contrario, la funcionalidad de la ropa contribuye en gran medida a "mantener el arte en la tierra". Como afirma el artista, “Se siente más humano en cierto modo. Todos los días, sin importar quién seas, vas a abrir tu armario, mirar tu ropa y decidir qué ponerte. Se siente como si estuvieras haciendo algo útil. A veces, el arte puede ser tan embriagador y con el diseño de ropa parece que es algo más arraigado, algo para la gente ". Actualmente trabajando en collages de fieltro para el stand de BRUNDYN + en la próxima Feria de Arte de Ciudad del Cabo, además de una nueva línea con Adriaan Kuiters para Design Indaba, Paulsen parece estar listo para continuar en esta trayectoria paralela.
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Daniella Mooney, Entarimado, 2012. Tejido marino, chapa mixta, lienzo, meranti, caoba africana, caoba sapeli, silla antigua restaurada Bustle-back. Imagen cortesía de Whatiftheworld y Hayden Phipps.

Para la escultora Daniella Mooney, un problema presente en ambos campos radica en la actitud hacia la artesanía y el proceso de producción de la obra de la nada. El artista señala que “muy a menudo dentro de la escultura existe una tendencia a subcontratar la producción de la obra, lo que en algún nivel intrínseco quita la conexión del artista con el proceso”. Decididamente práctica en su enfoque, la atención al detalle en la construcción se ha convertido en un sello distintivo del trabajo de Mooney. Quizás como consecuencia de esta actitud, ha encontrado su trabajo abrazado por la esfera del diseño sin buscarlo intencionalmente. Como resultado de la compra de trabajo de los organizadores de su exposición de 2011 'Maybe Your Magic is Working' en la galería Whatiftheworld de Ciudad del Cabo, Mooney fue invitada a contribuir con una nueva pieza a la exhibición anual de diseño de Southern Guild en 2012. El objetivo era producir un "funcional objeto ”, una noción que el artista eligió interrogar y desafiar con Entarimado (2012). Al incorporar un aspecto funcional en la forma de la silla, la obra arroja simultáneamente un cuchillo de tallar juguetón a la obra con el parquet cubierto por la parte delantera. Aquí Mooney desafía alegremente al espectador a subvertir la impresión sagrada de "mirar pero no tocar" del objeto artístico y tomar asiento. A pesar de que el artista consideraba el producto final como “puramente escultórico”, el trabajo le valió a Mooney la portada del suplemento Wanted de Business Day en agosto de 2012 bajo el título “Campeones del diseño: el talento local más popular”. Suficientemente impresionada, Southern Guild la invitó a contribuir nuevamente el año siguiente. Fomentando su búsqueda para expandir su conjunto de habilidades prácticas, Mooney colaboró ​​con Yogide Beer, un alfarero especializado en la elaboración de vasijas de ruedas a gran escala. El final resulto, La puerta de entrada a lo invisible debe ser visible (2013), fue un arco de catenaria autoportante realizado en porcelana y granito. Fuertemente imbuido de la quimérica afinidad de Mooney por la naturaleza, Puerta de enlace logró el doble efecto de avanzar más en el territorio del diseño manteniendo los rasgos característicos de su práctica. Se sentaría tan cómodamente en una exposición de arte como lo hizo junto con el trabajo de algunos de los principales diseñadores del país en el recientemente inaugurado Museo de Diseño Africano (MOAD) en el distrito de Maboneng de Johannesburgo.
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Julia Rosa Clark, (Cartel modernista: catástrofe), 2007. Collage y gouache sobre cartulina, cola sin ácido, lápiz, fotocopias. Cortesía del artista y Whatiftheworld.

Artista multifacética que trabaja en diversos medios, Julia Rosa Clark ha producido una amplia producción de diseño a lo largo de su carrera, desde el diseño de escenarios y la fabricación de accesorios hasta portadas de libros, ilustraciones, carteles y diseño industrial 49 con su marca Luminary Lights. Clark también fue responsable del empaquetado del álbum Steady On (5) de la icónica compañía sudafricana de hip hop Moodphase2000ive, además de contribuir con el diseño visual a The Constructus Corporation; una
preMaxNormal.TV y Die Antwoord proyecto de Waddy Jones (Ninja) también con Sibot, Felix Laband, Markus Wormstorm y Anri Du Toit (Yolandi Visser). Habiendo trabajado en proyectos tan variados como este, era inevitable que los elementos del diseño aparecieran con fuerza en su práctica artística, especialmente evidente en obras como la Serie de carteles modernistas (2007) y la navegación lograda del color, el collage y el espacio que definieron su trilogía de exposiciones de instalación 'Hypocrite's Lament' (2007), 'Fever Jubilee' (2007/8) y 'Paradise Apparatus' (2010). Es importante destacar que estas sensibilidades estéticas del diseño en el trabajo de Clark siempre están imbuidas de un sentido de análisis autocrítico. Presionada sobre dónde ubica la división arte / diseño, la artista afirma que “en un sentido tradicional, la distinción para mí radica en el hecho de que el arte se trata de plantear preguntas, mientras que el diseño se trata fundamentalmente de encontrar respuestas o resolver un problema”. Resistir activamente cualquier forma de finalidad o conclusión temática, plantear preguntas es algo en lo que las obras de Clark son particularmente hábiles. A menudo, al parecer exuberantes al principio, las obras resultan concisas y meticulosamente ordenadas tras una inspección más cercana. Hay una economía de exceso organizada y considerada en la obra de arte de Clark que de alguna manera fluctúa entre estar abarrotada hasta el punto de la inmersión y, sin embargo, perfectamente equilibrada. Como parte del equipo responsable de los escaparates temáticos de las festividades, Clark actualmente aplica su astuta sensibilidad de diseño al papel de gerente de diseño de mercancía visual en Woolworths, además de planificar su próxima exposición individual para Whatiftheworld.
1. Coles, A. 2005. “Sobre el romance del arte con el diseño”. en cuestiones de diseño. Vol.
21.3, verano de 2005. 19.
Tim Leibbrandt es un escritor, comisario y músico residente en Ciudad del Cabo.