Carol-anne Gainer

Debo confesar que me siento un poco colgado por el arte impregnado de su propia escatología o impregnado de semántica urológica. Y mi aversión no proviene de un rubor incómodo con ese “tabú final”, lo que Víctor Hugo llamó evocadoramente el 'último velo' que nubla nuestra visión de la verdad.

Tampoco es porque crea que pooh y piss pertenecen más al ámbito de la antropología, la política y la cosmología que a la cultura visual. Es solo que el uso de ambos en el arte contemporáneo se ha vuelto tan engreída referencial, tan conscientemente irónico y completamente derivado, ya sea de Duchamp, Serrano, Gilbert & George, Tracey Emin o Margaret Morgan, que si tengo que contemplar otro elemento visual tratado sobre el inodoro Estoy expuesto a recurrir a una inevitable respuesta de proyectil.

Por tanto, me sentí aliviado al contemplar la exposición más reciente de Carol-anne Gainer Drawn, dado que su anterior exposición individual en el Bell-Roberts había consistido, en gran parte, en dibujos de orina. Visualmente eran bastante atractivos en una especie de expresionismo abstracto. Conceptualmente aludían a marcar un territorio que, contrariamente a la concepción errónea popular, no es un ritual exclusivamente masculino, así como al cuerpo político y las cuestiones en torno al neocolonialismo. Pero si bien el programa parecía extenderse sobre un terreno pertinente, lo que logró en amplitud, carecía de profundidad. Como sugiere el título, Drawn es mucho más introspectivo. Incluye una serie de impresiones digitales, recuerdos de la infancia niquelados, así como dibujos y videoinstalaciones. También desarrolla algunos de los motivos más perdurables de su espectáculo de “pis”, como escaneos de cerámica fragmentada, salidas de aire decoradas, así como cintas y baratijas domésticas, que están imbuidas de violencia y angustia implícitas. Los binarios de vulnerabilidad y amenaza se expresan quizás más abiertamente en las impresiones de figuras de animales de cerámica que recuerdan a los cachorros de porcelana beatíficos producidos por Jeff Koons. Por un lado, personifican la dulzura sacarina del kitsch; por otro, sus asociaciones con el sentimiento vulgar se ven interrumpidas por una sensación de violación inminente. Los juguetes y adornos chapados en níquel y bronce de Gainer se sitúan a caballo entre la dicotomía entre el deseo de preservar y la inevitabilidad de la descomposición. Estas piezas se han oxidado para parecerse al memento mori. Al igual que los botines de los bebés y los zapatos del primer día en la escuela que se bañan en bronce y se les otorga un lugar de honor en la repisa de la chimenea de la familia, los recuerdos de Gainer se han vuelto fetichizados y cargados casi con un poder talismán. Pero sugieren no la inocencia inmortalizada, sino objetos en diversas etapas de atrofia. A través de la instalación de rejillas de ventilación interiores, Gainer también evoca una sensación de claustrofobia y encarcelamiento. Y a pesar de su título incipiente, la videoinstalación Blue Elly sugiere que la inocencia es una temporada exagerada, una construcción mítica, nacida de la nostalgia, el miedo sublimado o ambos. Blue Elly documenta a un niño, presumiblemente, tirando sus juguetes (un elefante de juguete) literalmente fuera de la cuna y contra una pared con un veneno y una violencia implícita que desmiente la presunta inocencia del perpetrador. Pero los elefantes nunca olvidan y en esta obra se percibe el estallido de la rabia reprimida. Hay una intensidad casi blakeana en obras como ésta. Sugieren una confluencia de inocencia y experiencia, de “pureza” y “peligro” que, si bien no son exactamente originales, son temas que no han perdido su resonancia, particularmente para una sociedad en la que la violencia perpetrada contra y por los niños se ha vuelto horriblemente común. Gainer podría haber causado más sensación con su exhibición de dibujos de orina. Pero son las obras de Drawn las que sugieren que se encuentra en algo mucho más profundo que simplemente derivados de moda.
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