Boletín de AA 21 de julio Slemon 2

'Capturado': Seán Slemon en Mariane Ibrahim Gallery, Seattle, por Ts Flock

De un vistazo, los nuevos trabajos de Seán Slemon en Galería Mariane Ibrahim Puede parecer un poco desconectado el uno del otro: un trío de aguatintas, un rayo inclinado de paneles de acero pulido y dos restos de árboles cubiertos con una lámina de oro. Uno de los árboles está suspendido cerca de la entrada de la galería, más o menos paralelo al suelo, y da una impresión tan grande que el resto puede parecer una idea tardía. Sin embargo, hay una lógica unificadora, enriquecida por la ambigüedad del contenido y los trucos ópticos que Slemon juega en cada obra individual.
Boletín de AA 21 de julio Slemon 1Seán Slemon, Pine Tree, 2011. Pino 2x4, pan de oro, cinta, 91.4 x 228.6 x 91.4 cm. Todas las imágenes son cortesía de Mariane Ibrahim Gallery, Seattle.

En un examen más detenido, lo que parece ser un tronco grande y hueco, titulado Pine Tree, sentado en el suelo, es en realidad una recreación hecha con tablas de dos por cuatro, unidas y talladas para producir una superficie irregular y anudada. La mayor parte está cubierta con una lámina de oro, pero las tiras grandes parecen carbonizadas. Estas tiras están coloreadas con tinta negra que, como puedes ver, ha salpicado el interior del 'árbol' donde se rompen todas las ilusiones. El árbol suspendido, titulado In the Black / In the Red: un acto de equilibrio de valor, parece estar sostenida por decenas de cintas negras y rojas que sujetan sus ramas a las paredes de la galería. La imposibilidad física de esto puede registrarse inconscientemente, incluso si uno no reacciona de inmediato, y el efecto es asombroso. Dos sutiles cables conectados al techo en realidad hacen todo el trabajo, permitiendo que el árbol parezca extrañamente ingrávido con su piel escamosa de oro.
Boletín de AA 21 de julio Slemon 2Seán Slemon, En el negro / en el rojo: un acto de equilibrio de valor, 2016. Pino muerto indígena local, pan de oro, cinta de raso roja y negra. Instalación en sitio específico, 457 x 182 x 182 cm.
Aquellos familiarizados con el trabajo de Slemon reconocerán estas técnicas. Ha realizado instalaciones similares antes y algunos de estos árboles han terminado cortados en discos y colocados en cajas; de objetos muertos y mundanos a una visión enrarecida y de vuelta a una forma más mundana, todavía dorada, que lleva la evidencia de esta transformación ritualizada. Esta ritualización es ahora parte de la comprensión que uno tiene del trabajo: Slemon no está negociando con meras novedades ni comentando productos básicos. Por repetición, señala la tendencia humana a decorar y venerar, cómo lo primero puede conducir a lo segundo y cómo lo precioso se vuelve santo. Hay conexiones obvias con el dorado de íconos y reliquias religiosas, pero en el espacio en blanco de la galería cruzado con cintas rojas y negras (todos colores alquímicos), la conversión de hyle en oro puede implicar otros conceptos más esotéricos también.
Las capas no terminan ahí. En el contexto de un mundo del arte donde la preciosidad añadida a través de los materiales en lugar del contenido (o el estilo genuino) son trucos comunes que se usan para engañar a los espectadores, uno debería desconfiar con razón de que Slemon use este truco, si uno se detiene allí. Sus otras obras, menos ostentosas, aclaran esta filosofía y unidad más amplias: el juego entre lo tangible y lo intangible, especialmente el material ligero. Las aguatintas austeras capturan manchas cambiantes de luz sobre una superficie acuosa, recordando obras de otros artistas que se maravillan con la luz en el flujo, especialmente Uta Barth. Sin embargo, la marca deliberada y el monocromo suave de la técnica del aguatinta producen un efecto completamente diferente, uno que le da a la luz un aspecto físico en el papel como espacio negativo. Como tríptico, la amplitud en expansión de la luz que se ve cuando las imágenes se leen de izquierda a derecha puede implicar el paso del tiempo, aunque poco claro. Quizás la luz solo seguirá creciendo y expandiéndose, no simplemente cayendo por el borde con el paso del sol. Al igual que con los otros trabajos, hay lugar para la ambigüedad cuando limitamos nuestras suposiciones.
La inclinación de los paneles de metal reflectantes en una pared, simplemente titulada Light, imita la forma de la luz que atraviesa los cristales de una ventana larga. Palidece en comparación con el trabajo anterior que ha capturado mejor el efecto de la luz que entra por las ventanas con acero pulido y resistente a la intemperie. Han sido grandes obras públicas, sin embargo, imposibles de mostrar en esta galería. Aunque es la oferta menos impresionante de 'Captured', nuevamente refleja el intento central de Slemon de capturar lo luminoso, fugaz e inmaterial en una forma sólida de una manera más inmediata y accesible.
Boletín de AA 21 de julio Slemon 3Seán Slemon, detalle de Light, 2016. Acero inoxidable cortado a láser de pared, 307 x 254 cm.
Con solo unas pocas piezas y una modesta gama de medios, Slemon crea un espacio para la meditación sobre las fuerzas e ideas fundamentales: luz, ritual, lo sagrado, transformación. A pesar de lo llamativos que puedan parecer los árboles dorados, los gestos siguen siendo relativamente simples y sirven como una crítica de la burda mercantilización de los recursos, no como una estratagema cínica para llamar la atención. Pero sería un error limitar la lectura a un comentario meramente social o político. El verdadero diálogo de Slemon es con fenómenos puros, entre lo absoluto y lo ambiguo, y es un placer participar en él.
Ts Flock es el crítico de artes visuales de Seattle Weekly y Vanguard Seattle. Su trabajo aparece en publicaciones regionales e internacionales, con un enfoque en las artes visuales y escénicas.
'Captured' de Seán Slemon se proyectó en Mariane Ibrahim Gallery, Seattle, del 7 de abril al 8 de mayo de 2016