Tamara James, Clench, 2010. Impresiones por inyección de tinta de archivo en papel mate mejorado, 42 x 59,4 cm. Edición de 25. Imagen cortesía de la Galería de Bellas Artes Candice Berman.

Reflexión corporal

En la era de la tecnología digital, los teléfonos inteligentes capturan millones de selfies todos los días. Las publicaciones en las redes sociales contienen innumerables imágenes de cuerpos y rostros humanos, todas 'etiquetadas' y etiquetadas para que los seguidores del individuo las encuentren en el ciberespacio. Las imágenes no solo se producen a un ritmo astronómico, una vez que están disponibles en el ciberespacio, se copian, descontextualizan y redistribuyen libremente a pesar de las advertencias y restricciones de derechos de autor. Uno no puede evitar preguntarse por qué los artistas todavía están tratando de capturar la forma humana en medios más tradicionales como la pintura, el collage e incluso los medios escultóricos, si la facilidad con la que se producen las imágenes digitales domina e informa nuestra cultura visual. Al mismo tiempo, el surgimiento de estudios culturales, de género y poscoloniales han puesto de relieve la necesidad de reconocer la amplia diversidad de culturas, las diferentes creencias y costumbres, al tiempo que se cuestiona la forma de representación del cuerpo, que tradicionalmente ha sido la de un enfoque sesgado y predominantemente occidental.

Nuestra fascinación por capturar la forma humana se remonta a nuestro registro de las primeras obras de arte, que se remontan a los fetiches prehistóricos de la fertilidad. Pero es realmente en el Renacimiento donde la representación del cuerpo adquiere una cualidad sobrehumana que ha marcado el tono del arte occidental desde entonces. El perfecto 'hombre universal' está ejemplificado por Leonardo Da Vinci hombre de Vitruvio, un espécimen humano perfecto, encajando en un espacio geométrico perfecto, existiendo en perfecta armonía con Dios y la naturaleza. El cuerpo a menudo se idealizaba y generalizaba. El artista renacentista no solo tenía que poseer un excelente conocimiento de la anatomía humana, sino que el artista también tenía que ser experto en manipular el cuerpo y la perspectiva para adaptarse a los ángulos de visión de cada obra una vez creada, a menudo colocada en techos o huecos elevados en basílicas. o edificios públicos. Arte, matemáticas y perspectiva estaban a la orden del día. Como registra Vasari, el pintor florentino Paolo Ucello (1396 / 7-1475) estaba tan obsesionado con la perspectiva que se rumoreaba que pasaba la mayor parte de las noches trabajando en los puntos de fuga de sus pinturas, para consternación de su esposa que lo esperaba. para unirme a ella en la cama. El hombre 'perfecto' en su entorno 'perfecto' era el ideal por el que luchar.

John-Michael Metelerkamp, ​​Diamond, 2014. Acrílico sobre tabla, 900 x 900 cm. Imagen cortesía de la Galería de Bellas Artes Candice Berman.John-Michael Metelerkamp, ​​Diamond, 2014. Acrílico sobre tabla, 900 x 900 cm. Imagen cortesía de la Galería de Bellas Artes Candice Berman.

Con la invención de la fotografía, las representaciones visuales experimentaron un cambio fundamental que liberó al artista de tener que capturar esta perfecta 'realidad' y ha sido sin duda la influencia más radical en la representación del cuerpo en el arte contemporáneo. Un tema específico de relevancia aquí es la capacidad de la fotografía para enmarcar y fragmentar el cuerpo. Muchos teóricos como Nicolas Mirzoeff y Linda Nochlin razonan que la tendencia a representar el cuerpo como fragmentado es un síntoma posmoderno, que refleja la naturaleza caótica, desarticulada y esquizofrénica de la vida contemporánea. Las partes del cuerpo están colocadas, contorsionadas y expuestas. Los cuerpos se cortan, se cortan en secciones y se presentan como "objetos" carnosos que a menudo niegan al individuo como persona. En este sentido, los trabajos fotográficos de Tamara James son buenos ejemplos. Por ejemplo, la obra Clench presenta al espectador un par de pies, despegados de su cuerpo y descontextualizados. Todo esto contribuye a la ambigüedad visual y plantea la cuestión de si estos pies sin género experimentan dolor o placer.

Este enfoque fragmentado también se puede ver en las obras de John Vusi Mfupi, cuyo proceso artístico depende de la reconstrucción del cuerpo a partir de fragmentos, trozos de medios impresos para formar imágenes en collage de la vida cotidiana. El mero hecho de construir un retrato a partir de los pedazos de los medios físicos que promueven los productos que consumimos a diario, es un comentario bastante irónico sobre la sociedad contemporánea. Si bien sus narrativas suelen ser claras, niegan la identidad real de las personas a las que retratan, reduciéndolas a productos de los productos que consumen (o no consumen). Sin embargo, a pesar de esto, Mfupi aún logra capturar algo de una personalidad, una instantánea de una narrativa personal, al tiempo que reconoce inadvertidamente algo de la obsesión de la sociedad por publicar imágenes digitales de experiencias diarias 'insignificantes' en las redes sociales.

La publicidad, por su parte, también plantea interrogantes sobre la representación del cuerpo idealizado. Se ha criticado mucho a la industria de la publicidad por su participación en la representación de representaciones del cuerpo muy poco realistas. Las figuras femeninas se manipulan digitalmente en una forma orgánica poco realista, cuanto más delgadas, mejor. Las anomalías a menudo solo son detectadas por el espectador crítico que se detuvo para pensar si es humanamente posible que una modelo tenga un tamaño de cintura de un par de centímetros. La mayoría de los espectadores aceptan automáticamente las imágenes manipuladas digitalmente como la "verdad". Usar la pintura como medio, en lugar de la fotografía, podría comentar más sobre la representación del cuerpo en este contexto. El espectador reconoce instintivamente que la pintura no refleja la "realidad" de la misma manera que la fotografía y, por lo tanto, uno acepta mucho más las incongruencias en la representación visual del cuerpo; de hecho, los espectadores esperan que estén presentes. Las obras de John-Michael Metelerkamp, ​​como la obra de 2014 titulada Diamante, podría verse como un comentario irónico sobre las limitaciones físicas del cuerpo. En cierto modo, estos trabajos también se hacen eco del enfoque de las empresas de publicidad de representar el cuerpo femenino como un objeto altamente sexualizado, con poca o ninguna consideración por las propiedades físicas del cuerpo humano. Las pinturas de Metelerkamp se convierten en comentarios sobre los absurdos asociados con las representaciones contemporáneas del cuerpo de una manera bastante reveladora.

John Vusi Mfupi, Duchas de la naturaleza, 2015. Collage de revista sobre papel, 126 x 80 cm. Imagen cortesía de la Galería de Bellas Artes Candice Berman.John Vusi Mfupi, Duchas de la naturaleza, 2015. Collage de revista sobre papel, 126 x 80 cm. Imagen cortesía de la Galería de Bellas Artes Candice Berman.

Evidentemente, el tema de la representación del cuerpo es complejo y muy debatido. Los ejemplos mencionados plantean más preguntas con respecto al uso de medios "tradicionales" sobre los medios digitales. Sin embargo, ¿podría ser (horror de los horrores) que las ideas modernistas sobre el papel del medio y la práctica artísticos sigan informando la forma en que nos acercamos al 'arte' a pesar de todos los intentos realizados para entender el arte dentro de esferas alternativas como la definición institucional del arte? . En este sentido, podríamos considerar el uso de medios artísticos tradicionales como un intento por parte de los artistas de intentar una vez más establecer algún tipo de relevancia en el mundo (y en el mundo del arte para el caso), y específicamente en un mundo invadido por millones de instantáneas. imágenes, un mundo en el que el significado de la representación del cuerpo ha sido cuestionado en varios niveles.

Tamara James, John Vusi Mpufi y John-Michael Metelerkamp están representados por la Galería Candice Berman en Bryanston.

Catherine Terblanche es historiadora del arte, conferenciante y comisaria independiente.

FUENTES CONSULTADAS

Mirzoeff, N. 1995. Bodyscape: arte, modernidad y la figura ideal.

Londres: Routledge.

Nochlin, L. 2001. El cuerpo en pedazos: el fragmento como metáfora de la modernidad. Londres: Thames y Hudson.

Vasari, G. 1965. La vida de los artistas: Volumen 1. Traducido por George Bull. Londres: Pingüino.

IMAGEN DESTACADA: Tamara James, Clench, 2010. Impresiones por inyección de tinta de archivo en papel mate mejorado, 42 x 59,4 cm. Edición de 25. Imagen cortesía de la Galería de Bellas Artes Candice Berman.