Dale Lawrence, Six of One, 2017. Linograbado sobre papel, 76 x 76 cm. Edición de 5. Cortesía de SMITH Studio.

Otra ayuda

En conversación con Dale Lawrence

El artista sudafricano Dale Lawrence ha regresado a SMITH con 'Another Helping', una investigación crítica sobre las numerosas, y quizás divertidas, complejidades de la producción de arte.

Basándose en la noción de que los artistas se enfrentan a la presión de producir un trabajo idéntico a exposiciones anteriores, pero ceden a un conjunto de ideas y un medio preferido para comunicarlas, se ven obligados a crear un cuerpo de trabajo bastante similar al de sus artistas. trabajo previo - producir, en otras palabras, otra ayuda.

ARTE ÁFRICA habló con Dale Lawrence sobre 'Another Helping', la comparación de la comida con el arte y las influencias que ha tenido en el camino.

Dale Lawrence, Guarnición para la ensalada, 2017. Monotipo sobre papel, 100 x 50 cm. Cortesía de SMITH StudiosDale Lawrence, Guarnición para la ensalada, 2017. Monotipo sobre papel, 100 x 50 cm. Cortesía de SMITH Studios.

ARTE ÁFRICA: En una entrevista con Matthew Freemantle, afirmó que una similitud notable entre la comida y el arte es su capacidad para comunicarse; sin embargo, se puede decir que la comida es mucho mejor para comunicarse como herramienta cultural y social que el arte. ¿Cómo llegaste a la comparación con la comida para tu exposición, 'Another Helping', actualmente en SMITH Gallery, y por qué fue importante para ti explorarla?

Dale Lawrence: Creo que la gente suele pensar que la cultura del consumo se refiere al consumo de objetos y experiencias, pero es posible que se relacione con mayor precisión con el consumo de ideas y mensajes a través de objetos y experiencias. Aquí es donde se puede ver la similitud entre el arte y la comida.

Cualquier comida contiene el valor nutricional obvio, pero igualmente importante tiene valor sensorial (gusto / estético) y valores abstractos (cuidado, habilidad, esfuerzo, novedad, ética, etc.). La comida es un recipiente para la comunicación al igual que el arte, solo el arte está desconcertado hasta el punto en que la mayoría de la gente afirma no tener las herramientas para comprenderlo en absoluto. Cuando se enfrenta a un plato de comida, es probable que uno se pregunte '¿qué estoy comiendo? ¿Cuales son los ingredientes?'. La gente debería tener el mismo enfoque para ver arte, o comprar zapatos o ver una película, para el caso.

Igualmente importante es la comparación en la otra dirección: pensar en las cosas cotidianas, como la comida, como algo similar al arte. Cualquier cosa puede involucrarse y entenderse como comunicación. Todo tiene, escrito en su tejido, mensajes de las intenciones y creencias de sus creadores. Desde la ropa más obvia, religiosa o tribal, hasta la más sutil, como objetos de diseño "funcionales" que afirman no tener ningún mensaje. Si es consciente de los componentes de la comida que tiene delante, estará en una mejor posición para decidir si quiere comerla.

'Another Helping' llega después de su exposición individual aclamada por la crítica 'Look Busy', donde ha reelaborado ideas y métodos anteriores y ha completado trabajos inacabados en un intento de comprender mejor el 'momento cambiante de la novedad'. ¿Puede decirnos exactamente qué quiere decir con "momento cambiante de novedad"?

Si tengo una nueva idea o desarrollo una nueva técnica, hay un momento en el que el aspecto nuevo es realmente nuevo. Ese momento puede capturarse o materializarse en una obra de arte (o cualquier objeto o experiencia). Pero lo que fue realmente nuevo en el último trabajo que hice no será nuevo la próxima vez que lo haga. Puede que aún sea válido y valga la pena realizarlo, pero no puede ser "nuevo" de la misma manera. En cierto sentido, es una reproducción del momento original.

Mirando el ejemplo del descubrimiento / invención de Jackson Pollock de la pintura por goteo en 1946, cuando hizo esa primera pintura, fue algo verdaderamente novedoso. Después de eso, desde una perspectiva, pasó a explorar todos los posibles resultados de esta nueva forma de arte. Desde otra perspectiva, recreó ese momento durante el resto de su carrera.

Lo que quería hacer con el trabajo en esta exposición es reposicionar aquellos aspectos de una obra de arte que son responsables de su valor percibido, como novedad en este ejemplo, con la esperanza de hacer más visibles los 'ingredientes' del trabajo y, por lo tanto, hacer nuevos obras de arte canibalizando / reciclando las viejas.

Jugando con los dos mecanismos contradictorios impulsores dentro de la industria del arte: se espera que los artistas sean experimentales, porque las cosas nuevas crean nuevas ideas, y hacen más de lo mismo, porque necesita ser sostenible económicamente: has creado un nuevo cuerpo de trabajo de viejos linóleo y placas desfiguradas. ¿Crees que este tema es exclusivo de la escena artística sudafricana, considerando el escaso apoyo a las artes por parte del gobierno, o dirías que es un síntoma del mundo del arte a nivel mundial?

Creo que es un ejemplo agudo de un fenómeno global que no se limita al arte. Existe una tensión entre las dos fuerzas que impulsan la producción de cualquier cosa: la de satisfacer las necesidades (el "propósito" aparente) y la de generar ingresos. Una fuerza se esfuerza por lograr un compromiso profundo y significativo, la otra defiende despiadadamente la eficiencia.

La financiación organizada puede funcionar para aliviar la presión financiera a corto plazo, pero en última instancia, el comercio es el sistema de distribución más estable del mundo hoy en día en todas las industrias, por lo que averiguar cómo equilibrar estos dos elementos opuestos sería lo más beneficioso a largo plazo. .

Idealmente, lo que se convierte en el "producto" consistente es una percepción honesta y nuevas formas de expresión que se adapten a los tiempos (es decir, el arte contemporáneo real), de modo que se convierta en lo que la gente espera. John Berger describe otra forma de arte, que él llama arte 'cínico', donde la presión para hacer una venta o completar un encargo es mayor que el ímpetu interno para hacer la obra. Si una audiencia puede notar la diferencia entre estos dos, los artistas y las galerías son recompensados ​​por mantener el arte relevante y significativo para las personas cuyas vidas se pretende reflejar. Si la audiencia no puede, entonces tanto los válidos como los inválidos son recompensados ​​indiscriminadamente, lo que solo sirve para confundir aún más el tema.

Dale Lawrence, Adquisición, 2017. Acrílico sobre papel, 120 x 80cm. Cortesía de SMITH Studios.Dale Lawrence, Adquisición, 2017. Acrílico sobre papel, 120 x 80cm. Cortesía de SMITH Studios.

“El hecho de que el trabajo esté en una galería para empezar eleva su estatus de objeto cotidiano a objeto significativo. Al colocar el trabajo en las paredes de una galería, estás sugiriendo que este trabajo tiene algo que decir o que vale la pena contemplarlo. Cuanto más espacio se le da, más se carga con eso, por lo tanto, más intimidante pero también más atención requiere. Entonces, la idea de dividir la galería era crear un silencio al tener menos obras de arte visibles a la vez. Te diriges a lo que tienes delante, no es un buffet ". - Si bien 'Another Helping' considera críticamente el espacio de la galería y aún lo utiliza, ¿no sugeriría que es mejor eliminar por completo el espacio de la galería? ¿Cómo sugeriría que "degrademos" el estado del arte para que coincida mejor con el consumo y la inclusión de los alimentos?

La naturaleza enfocada de una galería (su único propósito en un momento dado es la presentación del trabajo que se muestra actualmente) significa que es un entorno increíblemente poderoso y conmovedor cuando se usa bien. Siguiendo con la analogía de la comida, sugerir que deberíamos eliminar las galerías por completo podría ser comparable a deshacernos de los restaurantes. Quizás la respuesta es que las galerías no deberían ser el único lugar para 'llenarse'.

Hay un aspecto social en la comida que a menudo falta en el arte. Uno puede compartir una comida con amigos y disfrutarla de una manera informal y sincera. El arte debe abordarse de la misma manera. Te habla o no. Te gusta el sabor o no.

Creo que si podemos reconocer el arte como una forma de comunicación a la par con la comida, la ropa, la publicidad y la televisión, entonces la gente sabrá cómo participar, aumentando así el alcance y la relevancia del arte formalizado (o 'fino') en la vida de las personas. .

Dale Lawrence, Waste Management, 2017. Linograbado sobre papel, monotipo sobre papel, 76 x 56 x 6cm. Cortesía de SMITH Studios.Dale Lawrence, Waste Management, 2017. Linograbado sobre papel, monotipo sobre papel, 76 x 56 x 6cm. Cortesía de SMITH Studios.

Mencionas el descubrimiento / invención de Jackson Pollock de la pintura por goteo en 1946, y la noción de arte 'cínico' de John Berger, donde la presión para hacer una venta o completar un encargo se volvió mayor que el ímpetu interno para hacer el trabajo. ¿Dirías que estos dos pioneros en el mundo del arte han tenido un gran impacto en tu trabajo y en quién más buscas inspiración?

Creo que lo han hecho, junto con muchos otros. Sería difícil reconocer la influencia de todos. Dicho esto, aquí hay algunos que me vienen a la mente:

La preferencia de John Ruskin por el aficionado sobre el profesional (sugiere que es más probable que los aficionados hagan grandes descubrimientos porque el entrenamiento es, por definición, conservador).

La observación de Jean Baudrillard de que los humanos usan los objetos en gran medida de manera simbólica o comunicativa, sobre sus obvias funciones prácticas.

La sugerencia de John Berger de que la publicidad es la forma de arte más auténtica en la actualidad, relacionándola con los roles que desempeñan en la sociedad las formas de arte premodernas.

La teoría de Jared Ginsburg de que las personas son como Lurpak vacas: tienes que estar en un buen espacio para producir algo bueno.

Andy Warhol's Sopa de campbell .

Banderas de Asafo de Ghana.

Los poemas de Carl Andre.

La honestidad de Leonard Cohen.

Las mentiras de Bob Dylan.

Linograbados de John Muafangejo.

De Laurie Anderson Gran ciencia.

Las pinturas de Bob Thompson.

Instrucciones de Yoko Ono.

Dibujos de David Shrigley.

Brian Eno's Estrategias oblicuas.

Dale Lawrence, After Ghirlandaio, upon a Flash of Inspiration, 2017. Óleo sobre lienzo, 60 x 40 cm. Cortesía de SMITH Studio.Dale Lawrence, After Ghirlandaio, upon a Flash of Inspiration, 2017. Óleo sobre lienzo, 60 x 40 cm. Cortesía de SMITH Studio.

IMAGEN DESTACADA: Dale Lawrence, Six of One, 2017. Linograbado sobre papel, 76 x 76cm. Edición de 5. Cortesía de SMITH Studio.