Boletín de AA GavinRain

Andrew Lamprecht en conversación con Gavin Rain

Andrew Lamprecht se reunió con el artista sudafricano Gavin Rain en Worldart en Ciudad del Cabo para discutir su proceso creativo, neuropsicología, su Maestría en Estudios Espaciales y su participación en el 54a Bienal de Venecia. Rain es mejor conocido por sus pinturas puntillistas de op-art que combinan matemáticas, precisión y amor por la fotografía analógica. Practicando como pintor a lo largo de su carrera, desarrolló su estilo puntillista específico a partir de 2003. Desde entonces ha acumulado una impresionante colección de retratos puntillistas, paisajes urbanos y otros temas interesantes.

Boletín de AA GavinRainGavin Rain en su estudio. Octubre de 2015. Fotografía: Dale Yudelman.

Andrew Lamprecht: Quiero comenzar contándoles una historia que sucedió no hace mucho. Estaba dando un discurso de apertura para una muestra de diseño y arte en la galería Eclectica Design and Art (en Ciudad del Cabo). Mientras tomaba fotografías del interior y su trabajo en la parte de atrás, sucedió algo muy extraño. Cuando miré tus pinturas a través de la lente del teléfono celular, se disolvieron y parecían totalmente diferentes. Todo lo demás se veía igual, pero de repente tus pinturas se ven bastante diferentes. Fue como un fenómeno neuropsicológico o una ilusión óptica.

Gavin Rain: ¿Sabías que estudié neuropsicología? Comencé este proceso tratando de encontrar un estilo de arte diferente, como todos lo hacen. Me tomó cerca de dos años llegar a este estilo de pintura, esta forma de expresarme. Sabía que quería decir algo con el arte y transmitir un mensaje. Estoy cansado de entrar en galerías

y no poder entender el arte. Culpo al artista, porque creo que el mensaje de uno debería llegar fácilmente. Como artista, siento la necesidad de que una persona 'lo entienda'. Creo que es una gran tragedia no "atrapar" a Klein o Rothko. En la superficie, Rothko es quizás bastante difícil de entender, pero si no es así, entonces extrañará lo elegante y hermoso que es realmente su trabajo.

En un nivel, sí. Pero en otro nivel, solo 'entendí' tu trabajo cuando lo miré a través del lente de una cámara.

Nunca pensé en la lente de una cámara. Lo que planeé fue el mensaje detrás del arte. La idea de que la gente debería dar un paso atrás y pensar en las cosas en sí misma se formuló antes del arte. Quería que el arte fuera el vehículo que te hace retroceder físicamente para experimentar la pintura. De cerca, existe esta abrumadora masa de puntos, que es difícil de interpretar, además de algunos pequeños patrones. Es difícil ver otra cosa. De esta manera, mis pinturas son como nuestras vidas, donde para darle sentido, necesitamos dar un paso atrás para ver el panorama general. Está compuesto por todo lo que informa la vida; personas, ideas, etc. Mi tema son las cosas que hacen que las personas sean quienes son.

Boletín de AA GavinRain3Gavin Rain, detalle de Nuevo Biko, 2014. Acrílico sobre lienzo, 150 x 150 cm. Todas las imágenes son cortesía de WorldArt, Ciudad del Cabo.

Entonces, ¿los puntos individuales están cargados de simbolismo y significado?

Si. A nivel de puntos individuales juego o elijo colores contrastantes o complementarios; aquí tengo un poco de diálogo o licencia artística. Pero a nivel de grupo, los puntos crean una inmersión de color y patrón donde hay una forma, pero está oculta a plena vista. La belleza de esto es que sabes que estás mirando algo, pero no puedes tener una idea de lo que es hasta que te retiras.

¿Qué hay de los colores que usaste para crear la bandera de la copa del mundo?

Ahí es donde comenzó mi pintura en color. Inicialmente solía pintar solo en diferentes colores del mismo tono. Me mudé a varios colores para ese proyecto de FIFA. No sé mucho de fútbol y decidí probarlo como un experimento. El proceso implicó tomar todas las banderas del mundo y crear un conjunto de cinco colores. Inicialmente había creado todas las matemáticas para cinco anillos, y luego llegué a Sudáfrica (que es el único país con más de cinco colores en su bandera) y me di cuenta de que había cometido un error.

Hablemos de las matemáticas: su método de trabajo es fascinante. He leído que el tiempo de preparación puede tardar hasta once meses antes de que se coloque pintura sobre el lienzo. ¿Qué procedimiento sigues para crear este increíble efecto?

Hay dos procedimientos matemáticos que se realizan de forma independiente y luego se combinan. El primero es un poco como un corte de semitonos y una creación en la que tomo una fotografía, la divido en una cuadrícula y luego fotografío cada sección de esa cuadrícula con mi cámara desenfocada. Desdibujo la imagen de la cuadrícula para obtener un solo color o tono en escala de grises en todos los bloques. Tengo un juego de diez a quince cartas que van del blanco al negro y luego elijo la más cercana en color. Esto me da el tamaño del círculo y crea un medio tono. La proporción de negro sobre un fondo blanco oculta todo el blanco o muestra el negro a través del fondo blanco. Esto hace la forma general de la pintura.

Es más complicado obtener el mismo resultado con colores. Repito el proceso para obtener un desenfoque, pero en este caso el color estará más cerca de un tono melocotón. Creé una biblioteca de 12462 puntos fotografiándolos y difumándolos individualmente. Luego, con los colores resultantes, creé un índice de desenfoques. Es casi como esta guía telefónica de índice inverso de desenfoques. Entonces, cuando necesito un color específico, entro en mi índice y miro las diferentes versiones para elegir la más cercana.

Debido a que el efecto óptico de su trabajo es tan abrumador, es fácil pasar por alto cómo este proceso es metafórico de las relaciones humanas entre personas cercanas y lejanas. ¿La textura tiene algo que ver con esto?

La textura es importante ya que muestra otro lado de mi pensamiento. La textura es quizás la razón por la que se me ocurrió este estilo; vuelve a centrar la atención en la pintura, el aspecto tangible y basado en la creación de mi trabajo. Creo que hemos perdido mucho de esto debido al advenimiento de la fotografía digital y la digitalización de imágenes. Esto es importante para mí, ya que la fotografía siempre ha sido una gran parte de mi vida. Al crecer, aprendí fotografía de mi abuelo, que era un fotógrafo profesional de retratos y paisajes. Solía ​​llevar sus bolsas de cámara y sentarme con él en el cuarto oscuro.

Aquí fue donde me enamoré de la magia de la fotografía analógica porque la belleza de ello se encuentra en el proceso y el arte del trabajo. Todo eso cambió con el chico nuevo de la cuadra; fotografía digital. En ese momento, realmente no me gustaba la fotografía digital, la calidad de las imágenes era terrible, ¡pero era muy conveniente! Ese es el trabajo pesado de nuestra sociedad hoy y es una gran analogía de quiénes somos. Si es más fácil, lo hacemos. Digital significa en realidad "intervalo distinto" o falta de flujo. La fotografía de película permite un degradado hermoso e ilimitado de tono y color que simplemente no puede obtener con la tecnología digital.

Boletín de AA GavinRain2Gavin Rain, detalle de Venus, 2014. Acrílico sobre lienzo, 120 x 120cm.

Creo que la fotografía digital es algo bastante distinto a la fotografía. A nivel visual, se ve igual, pero en realidad es algo completamente diferente.

Sí, las imágenes digitales son muy diferentes y existe una gran brecha entre los dos enfoques. Actualmente estoy estudiando una Maestría en Ciencias Espaciales y uno de los módulos trata sobre la aplicación espacial, el estudio de imágenes satelitales y su funcionamiento. Observamos cosas como imágenes hiperespectrales o multiespectrales que te permiten ver las cosas más asombrosas. Pero es importante saber que eso es imágenes, no fotografía, aunque ambos crean una imagen. Usar datos para crear algo visual no lo convierte en una fotografía y creo que esa debería ser la división.

¿Y cómo se relaciona eso con tu estilo de pintura?

Quería tomar algo aparentemente digital y volver a ponerlo en el ámbito analógico. En términos de estilo, esto se logra señalando que los espacios entre los puntos son un área muerta. Funciona de la misma forma queentre MC Escher y Vasarely. Fueron mis dos grandes artistas. Me encantó la precisión y las matemáticas que crearon la dimensionalidad en su trabajo. El año pasado tuve la oportunidad de hacer una exposición en Venecia junto con algunas obras de Vasarely.

Quería preguntarte sobre el tema. Trabajas principalmente en el retrato, aunque sé que has hecho paisajes urbanos y tetas. ¿Cuál es el vínculo entre el tema y la técnica y la forma?

A menudo hay un vínculo. Me gusta pintar íconos populares como Audrey Hepburn y Marilyn Monroe. Marilyn Monroe ha estado muerta durante cincuenta y tantos años y, sin embargo, probablemente todavía hacer zoom en una fotografía digital, ya que la imagen comienza a pixelar. Entonces, esta área muerta en realidad solo está sacrificando la calidad en aras de la conveniencia. Para volver a esa calidad y artesanía, utilizo pintura para texturizar las imágenes digitales, que considero inherentemente muertas, planas y sin vida. Sin embargo, con el tiempo, las imágenes digitales me han parecido enormemente útiles, por lo que mi percepción ha cambiado.

Parece tener una frustración generalizada con el arte. ¿Hay algún pintor con el que no experimente esto?

Admiro a los artistas que pueden traducir su mensaje. Adoro artistas como Rothko y los expresionistas rusos como Kandinsky y Stepanova. Disfruto el chutzpah tienen y me gustan sus actitudes. A menudo, los movimientos artísticos se nombran solo después de la muerte de los artistas, pero los expresionistas se levantaron e hicieron su propio movimiento. Dijeron: "Esto es lo que defendemos, esto es lo que vamos a hacer y por eso lo vamos a hacer".

Hablando de los expresionistas y los chutzpah al nombrar su propio trabajo, al referirse a su trabajo, se han utilizado los términos 'puntillismo' y 'neo-pixelismo'.

Supongo que si me preguntaran, me llamaría puntillista o neopuntillista, aunque mucha gente me llama artista de operaciones como Victor Vasarely. Cuando era más joven, alternaba uno de los íconos del pop más conocidos. Todavía son impulsores de nuestra sociedad. Me fascinan los individuos que se vuelven nodales en nuestra sociedad. Están en el centro de los grupos relativos que componen nuestra sociedad y quiero saber por qué.

Entonces, ¿te impulsa la celebridad o la identificabilidad?

Creo que es identificable, pero generalmente los dos se vuelven iguales. También disfruto de las figuras políticas.

Cuéntanos más sobre Aung San Suu Kyi, la figura política que es una gran inspiración para ti.

La pinté para la 54ª Bienal de Venecia. Pensé que sería esta enorme declaración política, pero a nadie le importaba un carajo. Estaba en la parte trasera de la bienal, así que tal vez no fuera tan visible. Pero he estado en contacto con su fundación y estamos tratando de llevar una de las obras a la London Portrait Gallery. Creamos una obra por cada año que estuvo bajo arresto domiciliario. Hice once trabajos idénticos en un intento de aplicar ingeniería inversa a un ícono pop. Quiero sacar su cara para que se dé a conocer, porque lo peor de ella es que nadie sabe quién es, a pesar de que es una fuerza tan importante en la zona.

Boletín de AA GavinRain4Gavin Rain, detalle de Marilyn, 2014. Acrílico sobre lienzo, 120 x 120cm.

¿Y por qué se sintió atraído por ella en particular?

Mi pareja es abogada; le interesan las leyes de derechos humanos y, por lo tanto, se interesó por Kyi. Leí sobre ella y también despertó mi interés. Su vida es básicamente una canción de tragedia y estoy asombrado por su resistencia, es algo que realmente admiro más que cualquier otra cosa. La referencia obvia es Nelson Mandela. Recuerdo haber estado involucrado en el ANC en el equipo universitario. Cuando pienso en eso siento miedo y horror, nunca pensé que iba a terminar. Solo pensé que tarde o temprano vendrían a buscarnos. Me sorprende la gente que soporta ese sentimiento durante años y años. Aung San Suu Kyi debería ser un ejemplo para el mundo de eso, pero es tan conocida como Steve Biko, lo cual es ridículo. Otra figura política que pinté fue un ex alcalde de un pueblo de México. Fue asesinada por los cárteles de la droga porque luchó contra ellos. También hice algunos Steve Bikos, pero nunca quise hacer un cuadro de Nelson Mandela. Pensé que estaba completamente exagerado, luego terminé pintando uno de todos modos.

Como alguien que tiene muchos títulos, logros y áreas de especialización, debe saber bastante sobre la resiliencia. Cuéntanos tu trayectoria desde las Bellas Artes hasta el Máster en Ciencias Espaciales.

Nunca mapeo mis rutas; Por lo general, solo elijo las carreteras frente a mí. Comencé a estudiar Arte en Ruth Prowse y luego hice Historia del Arte, seguido de neuropsicología en la Universidad de Ciudad del Cabo. Después de graduarme hice una licenciatura en psicología. Siempre estaba pintando, pero nunca estaba contento porque sentía que no decía nada. Finalmente llegué al punto en que tenía algo que quería decir y sabía cómo decirlo. Ahora estoy estudiando Ciencias Espaciales. Creo que el arte y la ciencia están tratando de hacer lo mismo: están tratando de llevarte a un área desconocida y hacerte sentir cómodo estando allí.

La pregunta final; ¿Y el futuro?

Mi estilo actual se basa en observaciones en torno a la fotografía y, a través de estas exploraciones, también he realizado observaciones sobre nuestra sociedad en general. Me he inspirado en publicaciones antiguas sobre técnicas fotográficas tradicionales. Al investigar Estos diferentes tipos de fotografía, me encontré con una técnica llamada 'Autochrome Lumière'. Es el intento más hermoso de la fotografía en color de principios de la época victoriana. Consiste en teñir cuentas de almidón de patata y luego distribuirlas al azar en el lienzo en rojos, verdes y azules. Se convierten en pequeños lentes para filtrar la luz, por lo que el sujeto debe permanecer quieto, pero eso es cierto en la fotografía victoriana de todos modos. Crea el grano más asombroso en el fondo y también es diferente porque crea el color. He estado investigando las matemáticas en torno a esta técnica durante bastante tiempo y estoy avanzando hacia el uso de una distribución de puntos completamente aleatoria. Bueno, es pseudoaleatorio, porque trato de asegurarme de que los puntos sean más o menos equidistantes pero en lugar de usar la cuadrícula, baso el tamaño en ciertos puntos de la imagen, lo que crea una textura diferente.

Exactamente. Tu trabajo ha adquirido una suavidad, que es diferente.

Absolutamente. La dureza es el resultado del hecho de que la pintura proviene de una imagen digital. Quería alejarme de eso y acercarme más a una resolución pictórica. He creado estos patrones que permiten que el ojo se mueva de manera geométrica y se desplace mucho más. Como dije, me inspiro en Autochrome Lumière; la forma en que hace que el espectador quiera interactuar con la obra de cerca, de modo que pueda ver los colores. Pero el resultado es casi más pictórico y vibrante, por lo que parece que está sucediendo muy poco. También quería tener un nivel de compromiso con el trabajo desde lejos, que encontré que faltaba aquí.

Boletín de AA GavinRain5Gavin Rain, detalle de Gracia, 2015. Acrílico sobre lienzo, 180 x 180cm.

Andrew Lamprecht es curador y conferencista en la Escuela de Bellas Artes Michaelis (UCT) en Ciudad del Cabo, Sudáfrica.