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'Un diálogo intergeneracional:' La curadora Amanda Hunt en 'A Constellation' en el Studio Museum Harlem, Nueva York

Las cuestiones relacionadas con la maternidad y el cuerpo femenino se destacan en la exposición de la curadora Amanda Hunt 'A Constellation', que tuvo lugar en el Studio Museum Harlem en Nueva York. Estos temas son tan relevantes hoy como lo fueron para Elizabeth Catlett (1915-2012), quien describió las experiencias de las mujeres afroamericanas a lo largo de su vida artística, o en las preocupaciones materiales (y políticas) representadas por la artista y activista nacida en Harlem Faith. Ringgold. En esta entrevista, la artista participante Billie Zangewa habló con Hunt: descubriendo algunos de los desafíos, procesos e influencias en torno a su práctica artística y cómo esto ayuda a formar su trabajo dentro de un contexto contemporáneo.

Boletín de AA 17 de Mar Hunt3Nona Faustine, detalle de De su cuerpo brotó su mayor riqueza, de la serie 'White Shoes', 2013. Archivo, impresión pigmentada, 76.2 x 101.6 cm. Cortesía del artista.

'A Constellation' es una exposición comisariada por Amanda Hunt, curadora asistente del Studio Museum Harlem, Nueva York. Extraída de la colección permanente del Museo, la exposición yuxtapone ocho obras realizadas entre 1967 y 1996 con obras recientes de dieciocho artistas contemporáneos. Las obras de la colección, que incluyen a David Hammons, Al Loving, Betye Saar y Elizabeth Catlett, sirven como anclas materiales y conceptuales; explorando temas de la figura, abstracción formal, economía, historia y materialidad de la diáspora africana. Las obras más nuevas, producidas por artistas que exponen en el Studio Museum por primera vez, amplían estos temas, lo que provoca un diálogo intergeneracional en el espacio visual. Juntas, las obras funcionan como una 'constelación', una metáfora de estrellas que forman un patrón, una representación de una reunión de artistas afines dinámicos. Las conexiones trazadas a lo largo de la exposición funcionan para presentar solo una combinación posible entre una variedad infinita de configuraciones.

'A Constellation' plantea preguntas sobre cómo los artistas han abordado la raza, la clase y el cuerpo a mediados y finales del siglo XX, y cómo los artistas continúan trabajando en estas preocupaciones en el siglo XXI. Estados Unidos se encuentra en medio de un momento particularmente tenso en la conversación en torno a estos temas, tanto en los medios como en los espacios privados. Algunos pueden imaginar que muchas cuestiones complejas y centenarias se han resuelto desde el nacimiento del nacionalismo negro y el movimiento por los derechos civiles, a pesar de que apenas hemos comenzado a desentrañar nuestra historia colectiva aquí.

Boletín de AA 17 de Mar Hunt2Adrian Piper, detalle de Autorretrato como Nice White Lady, 1995. Autofoto en blanco y negro con dibujo a lápiz de aceite, 45.7 × 35.5 cm. © Fundación del Archivo de Investigación Adrian Piper de Berlín. Foto: Marc Bernier.

Amanda Hunt: ¿Cómo y cuándo empezaste a trabajar con los textiles y, en particular, la seda?

Billie Zangewa: Entré por necesidad. Estudié grabado y después de graduarme, no tuve acceso a un estudio en mi ciudad natal de Gaborone, así que no pude practicar. Esto me impulsó a buscar un medio que me diera la libertad de trabajar en cualquier lugar. Siempre me había interesado la moda y las superficies ricas en texturas, lo que atribuyo al trabajo con papel hermoso y rico en el grabado. Cuando encontré la seda Dupion, fue amor a primera vista. Estaba limitado por restricciones financieras, así que comencé a trabajar con cuadrados de muestra recolectados en tiendas de diseño de interiores. Cuando ensamblé estos cuadrados, me recordaron las fachadas de los edificios en el CBD de Johannesburgo y este fue el comienzo de mi viaje con la seda.

Boletín de AA 17 de Mar Hunt1Billie Zangewa, detalle de Madre y el Niño, 2015. Tapiz de seda, aproximadamente 129.5 × 137.1 cm. Cortesía de Afronova, Johannesburgo, Sudáfrica. Fotografía: Cortesía del artista.

Cual es tu proceso Produce tapices tan pictóricos y captura muy bien la anatomía física.

Empiezo con una imagen mental de una escena dramática inspirada en una experiencia personal. A esto le sigue una investigación de imágenes donde reúno todos los elementos que conformarán la narrativa. Cuando tengo todas las imágenes, procedo con el dibujo a lápiz sobre papel periódico, la plantilla de la que se cortan las formas de seda. Estos recortes se colocan sobre un fondo de seda. Una vez que he cortado y fijado todos los elementos, empiezo a coserlos. Lo que no es obvio en el tapiz de seda final es que el dibujo de la plantilla se compone de un collage de imágenes ensambladas en un solo dibujo. A través de prueba y error, he aprendido que esta etapa debe resolverse completamente antes de comenzar a cortar para evitar complicaciones creativas más adelante. Los detalles vienen justo al final, donde hago el último dibujo y corte. Logísticamente, funciona mejor hacerlo de esta manera.

¿Por qué cree que es importante documentar lo doméstico, sus espacios y las actividades que ocurren dentro de ellos?

Lo importante para mí es el desarrollo de la narrativa personal. Siempre he centrado mi trabajo en la experiencia personal. Anteriormente, mis experiencias eran las de una mujer soltera y los temas de mi trabajo reflejaban eso. Ahora que soy madre, mis historias se centran en esta expansión de vida; sus placeres, presiones y preocupaciones diarias. Se establecen en el espacio doméstico, donde ocurre la mayor parte de la crianza de los hijos. Me siento obligado a compartir mis experiencias, estas preocupaciones domésticas mundanas son temas universales que nos conectan entre nosotros. Muestran la vida íntima de la artista femenina desempeñando otros roles en la sociedad, un lado que, en general, rara vez se ve.

Boletín de AA 17 de Mar Hunt5Billie Zangewa, detalle de Adorador del sol, 2009. Tapiz de seda, 137 x 102 cm. Cortesía de Afronova, Johannesburgo, Sudáfrica. Foto: Cortesía del artista.

¿Cómo crees que tu trabajo encaja en un canon más amplio del arte feminista, más allá de Elizabeth Catlett y Faith Ringgold, quienes son tus contrapartes en el contexto de 'A Constellation'? Pienso inmediatamente en otras artistas políticas y feministas y en su trabajo: Judy Chicago transformando platos en vulvas en la década de 1970 o el intransigente Autorretrato de Alice Neel de 1980.

Mi trabajo trata sobre la experiencia femenina, tanto personal como universal. Destaca sin miedo historias que pueden ser vistas como temas sentimentales o inapropiados para el arte, particularmente cuando son narradas por una mujer. Se trata de celebrar a las mujeres como heroínas triunfantes de sus propias historias, encargadas de cómo serán contadas. Inicialmente, estaba reaccionando a los actos de misoginia que había encontrado personalmente en el viaje de mi vida. Con el tiempo me di cuenta de que era una oportunidad para valorar y celebrar, en lugar de condenar, porque el odio y la amargura esclavizan más que liberan. Otra capa obvia de mi trabajo es el medio en sí. He tomado un pasatiempo tradicionalmente femenino y lo he convertido en una herramienta empoderadora de autoexpresión.

Amanda Hunt es curadora asistente en The Studio Museum en Harlem, donde dirige el programa Artista en residencia y ha comisariado varias exposiciones, entre ellas Lorraine O'Grady: 'Art Is ...', 'In Profile: Portraits from the Permanent Collection', 'A Constellation 'y una próxima exposición individual con Rashaad Newsome. Hunt comisarió 'Portland2014: A Biennial of Contemporary Art', una exposición de encuesta regional en Portland, Oregon en 2014 y fue curadora en el espacio de arte sin fines de lucro LA> <ART desde 2011-2014

'A Constellation' se desarrolló del 12 de noviembre de 2015 al 6 de marzo de 2016 en The Studio Museum Harlem, Nueva York. Este artículo se publicó por primera vez en la edición de marzo de 2016 de la revista ART AFRICA, titulado "Looking Further North".