Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografía, grabado alemán Hahnemuhle, 801 x 534 mm.

Un profundo estado de conciencia existencial.

'La naturaleza humana'

ARTE ÁFRICA habló con Natalie Field sobre su última exposición 'Human.Nature' que se exhibirá en Berman Contemporary en abril. Esta serie de trabajos explora la naturaleza cíclica de la vida y la muerte y la interconexión del universo como un todo monista, dando vida al mítico folklore finlandés y 19th técnicas de impresión fotográfica del siglo XXI.

ARTE ÁFRICA: 'Human.Nature' se concibió por primera vez durante su residencia de artista en el Centro Creativo Arteles en Finlandia en 2016. Fue en estos bosques finlandeses donde exploró y redescubrió la relación entre el ser humano y la naturaleza, y la interconexión y la naturaleza cíclica de la vida y la energía. . ¿Qué tenía este espacio, sobre Finlandia, que inspiró este viaje creativo?

Natalie Field: De vez en cuando la vida nos lanza una bola curva, un evento que nos lleva a cuestionar todo lo que creíamos saber. En 2016 tuve una experiencia así y me di cuenta de la naturaleza fugaz de nuestra existencia humana. Necesitaba tiempo para procesar esta experiencia y Arteles me brindó la oportunidad perfecta para salir del ruido de la ciudad y entrar en un espacio tranquilo y pacífico ideal para la reflexión y la creación.

La historia de nuestro universo comienza con una singularidad. Debido a alguna fuerza inconcebible, el espacio se expandió y se formó materia. Las estrellas, la tierra, los océanos, los animales e incluso nuestros cuerpos, están hechos de esta materia que ha existido desde el principio de los tiempos. El diccionario Merriam-Webster tiene un término para este colectivo: NATURALEZA.

Natalie Field, Birds Nesting in My Head, 2018. Fotomontaje, Grabado alemán Hahnemuhle, 900 x 900 mm. Todas las imágenes cortesía del artista.Natalie Field, Pájaros anidando en mi cabeza, 2018. Fotomontaje, Aguafuerte Alemana Hahnemuhle, 900 x 900 mm. Todas las imágenes cortesía del artista.

A través de mi trabajo contemplo el cosmos como un sistema cíclico, cerrado que exige equilibrio. Reflejando el principio del Tao Taijitu: el yin y el yang ilustran la interconexión de fuerzas dualistas contradictorias pero complementarias que juntas crean un todo monista.

Esta naturaleza mercurial y efímera de la Naturaleza se explora a través de conceptos en torno a la creación, la evolución, la metamorfosis y la transmigración del alma. Al trabajar en un entorno extranjero, sentí que era importante inspirarme tanto en el paisaje como en la cultura finlandeses para expresar estas ideas.

En el pasado, me conecté con la naturaleza a través del senderismo y otras actividades al aire libre. Siempre moviéndose por el espacio, en lugar de demorarse en él. La ubicación remota de la residencia me permitió explorar visualmente el entorno forestal en detalle, trabajando directamente en el paisaje para crear los cuadros cinematográficos, así como recolectar muestras botánicas para incorporar en los fotomontajes que desarrollaría durante el próximo año.

Para conectar este mundo físico con el metafísico, busqué, entre otras cosas, las mitologías finlandesas que rodean los conceptos del alma y su transmigración. Para ello me inspiré en dos textos. El primero es un volumen titulado Mitologías de todas las razas: Finno-Ugric, Siberia de Uno Holmberg, que descubrí durante mi visita a la Biblioteca Nacional de Helsinki. El segundo, el Kalevala, una obra de poesía épica del siglo XIX compilada por Elias Lönnrot del folclore y la mitología oral de Carelia y Finlandia.

Varias imágenes de la serie cinematográfica están impregnadas de narrativas extraídas de estos textos. Por ejemplo, un símbolo destacado de la cultura finlandesa incluido en las narraciones es el de un pájaro. Me centré en el Jackdaw, no solo porque disfruto trabajar con “objetos encontrados” del entorno, sino también porque es un miembro de la familia de los cuervos. En todo el folclore, el cuervo se ha hecho conocido no solo como un mensajero de la muerte, sino también como un mediador entre el mundo espiritual y el nuestro. Según Holmberg, un pájaro les entregaría el alma de un humano al nacer y la volvería a recoger en el momento de su muerte. Este "pájaro del alma" se conocía como Sielulintu.

Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografía, grabado alemán Hahnemuhle, 801 x 534 mm.Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografía, Grabado alemán Hahnemuhle, 801 x 534 mm.

La interconexión de la naturaleza se explora más a fondo en una serie de fotomontajes elaborados digitalmente a partir de imágenes deconstruidas para crear bodegones suspendidos, en los que las formas biológicas se entrelazan para ilustrar la interacción recíproca que se encuentra en toda la naturaleza. Impulsadas por el interés por la anatomía, la zoología, la entomología y la botánica, estas obras de arte de gran formato exploran la relación tentativa entre la humanidad y su entorno. Más que celebrar la naturaleza, destacan la interdependencia de las formas de vida bióticas y sus microhábitats; y la importancia de la conservación de este ecosistema que llamamos hogar - la tierra.

Escribiste en tu declaración de artista para 'Human.Nature' que era importante para ti actuar como protagonista de esta narrativa personal y exploración de la vida y la muerte. ¿Cómo fue actuar frente a la cámara y agregar arte escénico a un repertorio ya impresionante?

Ir solo en mis excursiones al bosque me permitió experimentar plenamente la naturaleza y la fotografía, sin interrupciones, de una manera que nunca antes había hecho. Aunque la forma humana siempre ha estado presente en mi trabajo, series pasadas han sido colaboraciones con modelos, bailarines y yoguis. Pero este fue un viaje personal, no solo la experiencia física, sino también en lo que respecta al tema.

Allí encontré algo que no esperaba. Tumbarse en el suave musgo del bosque era pacífico. Bailar en el bosque con el aire literalmente helado acariciando mi piel cálida me hizo sentir viva.

Trabajar por mi cuenta me requería desarrollar un nuevo proceso. Una vez que establecía la escena para una imagen, colocaba la cámara en un trípode y luego usaba el intervalómetro para capturar imágenes automáticamente a intervalos predefinidos. Durante estas exposiciones, me soltaba, aprovechando mi subconsciente para interpretar el momento a través del movimiento y la danza. La también artista Kathy Moss llama a esto el 'estado de ensueño'. Creo que es una forma de automatismo: la narrativa se desarrolla frente a la cámara sin saber realmente qué se está capturando en los cuadros.

Este nuevo proceso contribuyó aún más a la evolución de mi técnica, cuando me topé con una dirección alternativa para mi trabajo de larga exposición: las películas stop-motion. Durante la creación de la imagen fija, Bailarina en el bosque, Estaba desplazándome por los fotogramas en la parte posterior de la cámara cuando me di cuenta de lo interesante que parecía reproducirlos rápidamente. Me recordó a los cuadros de arte animados antiguos. En consecuencia, ajusté mi rendimiento para moverme hacia el marco de un lado y salir por el otro. Luego los cosí para crear una pieza de video corta que representa una figura estroboscópica a través del marco, en bucle para un efecto del Día de la Marmota. Este último también se exhibirá como parte de una instalación de video más grande en la exposición.

Al ver esta colección de obras, las impresiones fotográficas en cianotipo contrastan bastante con las míticas y surrealistas imágenes digitales. ¿Podría explicar el papel que juegan estas imágenes en la colección más amplia y cómo fue experimentar con esta práctica tradicional de esencialmente crear "planos"?

Gran parte de mi proceso creativo se basa en la captura digital de elementos naturales, que se deconstruyen en la postproducción, para ser reconstruidos en nuevas realidades. Sin embargo, también quería celebrar la belleza innata de los propios ingredientes botánicos. Mi primera expresión de esto fue crear copias directas utilizando un escáner digital con anotaciones adjuntas, como se vería en las colecciones de herbario tradicionales.

Natalie Field, Anotación de Flores Silvestres de Finlandia, 2018.Flores silvestres de Finlandia

Al descubrir la obra de Anna Atkins, me enamoré de la idea de volver a mis raíces fotográficas y utilizar la técnica del cianotipo. Para aquellos que no están familiarizados con su trabajo, Atkins hizo historia cuando compiló sus fotogramas de algas secas en el primer libro que se publicó con ilustraciones fotográficas: Fotografías de algas británicas: impresiones de cianotipo (1843). Tenía curiosidad por ver cómo podía implementar este proceso tradicional para capturar una vista alternativa de mis propias muestras, y asistí a un taller con el Taller de impresión alternativa para aprender esta nueva habilidad en 2017.

En lugar de capturar todos los detalles como el escáner, el cianotipo ofrece una representación más inquietante del tema. Las imágenes resultantes recuerdan las sombras nucleares vistas en Hiroshima, en las que solo quedaba el contorno del objeto. Esta "impresión" de la realidad resuena con el tema de la "naturaleza humana" de lo efímero. Con el tiempo, las muestras botánicas se desvanecerán y deteriorarán, y solo las Sombras de sol, los recuerdos impresos por el sol, permanecerán como evidencia de que alguna vez existieron.

Lo que comenzó como "planos" se convirtió rápidamente en una expresión artística de este tema. Al aplicar los productos químicos sobre el papel en salpicaduras y corridas, las formas sólidas de los hexágonos comienzan a sangrar y desvanecerse de manera muy similar a la materia en cuestión. Agregar artículos para el hogar, como azúcar en la etapa de exposición y limpiador de telas en la etapa de lavado, me permite expresar más el concepto a través de las marcas en el papel.

Natalie Field, Sol Shadows, 2018IZQUIERDA: Natalie Field, Sol-Sombras # 33, 2018. Cianotipo sobre Fabriano, 365 x 300 mm. DERECHA: Sol-Sombras # 21, 2018. Cianotipo sobre Fabriano, 265 x 225 mm.

Se dice que su último interés radica en la experimentación de efectos en la cámara. ¿Qué tiene esta manipulación visual específica frente a la postproducción que cautivó su interés? ¿Podría ampliar sobre cómo implementó este proceso, en qué piezas, en 'Human.Nature'?

Primero me picó la idea de usar técnicas en la cámara, como el desenfoque de movimiento y exposiciones múltiples, mientras trabajaba en la serie 'Inhala ... Exhala ... Deja que el humano entre ...' (2015). Estaba creando un collage de varias imágenes en capas en postproducción, cuando me di cuenta de que debía crear efectos similares a través del propio medio. Después de mucha investigación y varias sesiones de prueba, creé la serie 'Animal Within' (2015). Este último exploró los conceptos de animalismo y teriantropía (cambio de forma), a través de la actuación de un bailarín. Los resultados impredecibles de estos experimentos recordaban mis primeras experiencias trabajando en un cuarto oscuro: observando con asombro cómo se desarrollaban las imágenes en papel en el baño químico. Estaba capturando imágenes más allá de mi propia imaginación y nació una nueva pasión.

Fue mi interés por esta espontaneidad lo que me llevó por primera vez al automatismo, la técnica desarrollada durante el movimiento surrealista, que traslada el acto de crear del control consciente al azar.

En virtud de su naturaleza, las técnicas en la cámara alientan al fotógrafo a ceder el control y entrar en el mundo de la imagen inesperada. De esta manera, se permite que las obras y el proceso mismo cobren vida propia.

Estas técnicas han demostrado ser muy útiles para expresar mis temas en torno a lo voluble y efímero, ya que me permiten capturar físicamente la energía transitoria a través del movimiento. Para esta serie utilicé flash de sincronización lenta para ilustrar el espíritu en el Ört-Bi y Círculo de piedra imágenes. Trabajando con exposiciones prolongadas, lanzaba y giraba la tela para capturar el movimiento, mientras iluminaba simultáneamente partes de la escena con ráfagas de flash para capturar la quietud. También apliqué una mezcla de fotografía de exposición múltiple y larga para capturar la translucidez de la forma humana en Desvanecimiento.

Natalie Field, Ort Bi, 2018.Natalie Field, Ört-Bi, 2016. Fotografía, Grabado alemán Hahnemuhle, 801 x 534 mm.

En su declaración de artista para 'Human.Nature', escribió que este trabajo fue una reacción a su miedo a morir. ¿Qué pasa con la muerte a lo que le tienes tanto miedo? ¿Conseguiste encontrar el consuelo que buscabas en el proceso de creación de esta colección?

Supongo que está en nuestra naturaleza humana temer la pérdida de nuestra identidad individual. Desde los faraones decididos a viajar a la otra vida con todo lo que poseían, hasta dejar un legado a través de los propios hijos, la gente continúa buscando formas de grabar su memoria en este mundo. Para mí, sería a través de mi arte. Pues sentí, entonces, la urgencia de crear, de confrontar la idea del yo.

Mi investigación durante la residencia me llevó a la conclusión de que la creación (el mundo físico, incluidos nuestros cuerpos) y la conciencia (la fuerza inmaterial de la vida) no son más que una sola energía que simplemente vibra en diferentes frecuencias. Y según la primera ley de la termodinámica de Einstein, la energía no se puede crear ni destruir, solo se puede cambiar de una forma a otra. Las imágenes presentadas en 'Human.Nature' Celebre este ciclo infinito de vida y la interconexión de toda la materia y la energía. Porque con el tiempo, esta energía que una vez fuiste tú, se transmutará para formar una nueva vida.

Para mí, esta continuación de la fuerza vital es la transmigración del alma.

PERO, a través de este proceso, su mente consciente, su identidad, esta persona con estos pensamientos y recuerdos, se perderá para siempre. Ésta es su única oportunidad de ser una combinación de esta mente, en este cuerpo, en este momento, en este espacio. Este mismo momento es una experiencia humana única. Realmente es un regalo. Y la verdadera pregunta es: ¿Qué harás con esta vida?

Natalie Field, Para dar vida de nuevo, 2018.Natalie Field, Para dar vida de nuevo, 2016. Fotografía, Hahnemuhle German Etching, 801 x 534mm.
IMAGEN DESTACADA: Natalie Field, Sielulintu, 2017. Fotografía, Grabado alemán Hahnemuhle, 801 x 534 mm.